Vladimir Crnković - L' arte della scuola di Hlebine

 





 
Autore: Vladimir Crnković
Editore: Museo Croato di Arte Naïf
Luogo di stampa: Zagabria
Anno: nel 2005
Numero di pagine: 258
Copertina: Morbido
Formato:  21×24 cm




Ben quarantotto delle immagini di questo monumento, progetto, L'arte della scuola di Hlebine, hanno abbellito anche le sale espositive del Museum of Fine Arts di St. Petersburg, Florida, cinque anni fa. Questo è stato alla mostra Il mondo fantastico dell'arte naïf croata, in cui abbiamo presentato al pubblico americano un centinaio di opere di questo fenomeno unico della creatività artistica croata del XX secolo. In quell'occasione, tre degli artisti, losip Generahć, Mijo Kovačić e Ivan Vecenaj, presenti al vernissage, il sindaco di San Pietroburgo ha dichiarato il giorno dell'inaugurazione della mostra, il 13 febbraio 2000, Giornata dell'arte croata. Pochi mesi dopo, questo progetto ha vinto per il Museum of Fine Arts il prestigioso Millennium Award per il progetto espositivo di maggior successo in Florida durante l'anno.

Il successo del mondo fantastico dell'arte naif croata è stato al di sopra di tutte le nostre aspettative. Oltre cinquantamila visitatori sono rimasti stupiti dall'immaginazione degli artisti rappresentati, in particolare dall'affascinante tecnica pittorica su vetro dei membri della scuola di Hlebine. L'attaccamento alla terra natale, alla terra, alla natura e alla vita semplice irradiata da tutte queste opere. Le foreste, le colline, i fiumi, il cielo, la campagna e le persone sono i soggetti principali di questi artisti; racconti religiosi o mitologici possono essere visti solo occasionalmente. Un profondo realismo e una potente sensibilità lirica, un senso per il fantastico e un'incredibile immaginazione adornano molti dei dipinti. Raramente si poteva vedere qualcosa di così affascinante nel Museo di Belle Arti in tutti i quarant'anni della sua esistenza.

L'attuale progetto, L'arte della scuola di Hlebine, prosegue dalla migliore esperienza della nostra precedente mostra collettiva. Si tratta di una presentazione completa e critica, valutando e contestualizzando il fenomeno che ha dato inizio al capitolo dei naif nella storia dell'arte croata. Sono orgoglioso di partecipare ancora una volta, insieme ad altri amici e appassionati d'arte americani, alla realizzazione di una mostra così importante del Museo Croato di Arte Naif.



IL PROBLEMA DELL'ARTE COLLETTIVA – IL CASO DI ZEMLJA





21.12.2016 – 21.2.2017.

BAZA, B. ADŽIJE 11, ZAGABRIA


ORARIO DI LAVORO: Martedì - Venerdì 16:00 - 20:00 / Sabato e Domenica 11:00 - 18:00


Durante le vacanze invernali (dal 24 dicembre 2016 al 2 gennaio 2017), la mostra è chiusa.



"SE L'ARTE CIVILE VIENE ASSUNTA COME DIRITTO, SI DOMANDA COME L'ARTE DI SINISTRA SIA COLLEGATA CON ESSA, QUAL È LA DEFINIZIONE DI ARTE DEL CETO POPOLARE, QUALI SONO LE SUE CARATTERISTICHE ARTISTICHE, ECC."

(Krsto Hegedušić, Il problema dell'arte collettiva, 1932)


La mostra Il problema dell'arte collettiva si occupa dell'ASSOCIAZIONE DEGLI ARTISTI DI ZEMLJA (1929 - 1935), come esempio del lavoro impegnato di pittori, scultori e architetti e della loro ricerca di una risposta alla domanda su cosa sia l'arte lasciata, l'arte creata collettivamente e destinati alla collettività. Comprendere questa specifica pratica artistica non è possibile senza collocarla nel più ampio contesto socio-politico del Regno di Jugoslavia e del periodo tra le due guerre. Si tratta di un periodo segnato dal dilagare del capitalismo e da una crisi economica generale, dal divieto all'organizzazione operaia e dall'attività politica progressista sotto la dittatura della dinastia Karađorđević, all'incirca all'epoca dell'avvento del fascismo.


Il Partito Comunista di Jugoslavia è clandestino dal 1920, quindi l'arte assume spesso il ruolo di propaganda politica. Pertanto, la mostra sottolinea le attività dei comunisti e dei loro simpatizzanti attraverso i canali culturali e artistici e guarda a Zemlja in questo contesto. L'azione di Zemlja ci riporta a Zagabria tra le due guerre mondiali, una città che è cresciuta rapidamente negli anni '20 come uno dei centri industriali e finanziari del nuovo paese, per poi cadere ancora più velocemente nel decennio successivo. Nel fango dei bassifondi, tra i cui abitanti ci sono ogni giorno sempre più disoccupati, si delineano gli antagonismi immanenti all'ordine sociale capitalista.


Come si può rileggere il programma di arte impegnata del paese sullo sfondo delle complesse relazioni politiche e del peggioramento delle circostanze sociali della Zagabria prebellica?


Copie di grafici e disegni, così come documenti d'archivio e articoli di giornale, sono divisi in due unità che corrispondono a questi due aspetti: l'azione politica e la devastante "situazione sul terreno", in una città la cui miseria non può essere pienamente compresa senza un foto del villaggio. L'eredità di questo eterogeneo gruppo di artisti, architetti e ingegneri, tra i quali c'erano anche contadini e operai, disseminati in numerosi archivi privati ​​e pubblici e in parte perduti, non fornisce risposte semplici, quindi è inteso anche il quadro in cui lo presentiamo come stimolo alla discussione. Sebbene le baraccopoli di Trešnjevac, utilizzate dai contadini, siano presenti oggi solo in tracce, il quartiere in cui oggi poniamo la nostra attività (collettiva) è ancora una volta un'immagine chiara di una città capitalista. Gli antagonismi che gli sono ancora oggi immanenti indicano che il problema dell'arte collettiva - come i connazionali chiamavano la loro pratica, sottolineando l'opposizione alla posizione individuale dell'artista borghese che rappresenta gli interessi di classe degli sfruttatori - è altrettanto attuale oggi.


La mostra è accompagnata dalle conferenze di TAMARA BJAŽIĆ KLARIN sulla questione abitativa della Zagabria tra le due guerre e di IVANA PERICA sul conflitto con la sinistra letteraria. Le lezioni saranno annunciate separatamente.


RICERCA E CONCETTO DELLA MOSTRA: [BLOCK] - Ivana Hanaček, Ana Kutleša, Vesna Vuković

STORICO ASSOCIATO: Nikola Vukobratović

DESIGN: Nina Bačun e Roberta Bratović - Oaza

COORDINAMENTO: Sana Peric

FORMAZIONE TECNICA: Tajana Meter e Lucija Brkan


IN MOSTRA SONO ESPOSTI DOCUMENTI DEGLI ARCHIVI DELLE SEGUENTI ISTITUZIONI: Accademia di Belle Arti di Zagabria, Istituto di Storia dell'Arte, Istituto di Storia e Teoria dell'Architettura - ETH Zurigo, Museo Croato di Arte Naïf (donazione di Josip Depolo), Croato Archivio di Stato, Gabinetto della grafica dell'Accademia croata delle scienze e dell'arte, Archivio d'arte dell'Accademia croata delle scienze e delle arti, Museo di arte moderna e contemporanea Rijeka, Biblioteca nazionale e universitaria


RINGRAZIAMENTI SPECIALI: Irena Šimić, Petar Prelog, Tamara Bjažić Klarin, Sanja Horvatinčić, Filip Turkovic Krnjak, Ružica Pepelko, Antonio Blaži, Arijana Novina, Josip Jagić, Stefan Treskanica, Borko Vukosav, Srđan Kovačević, Zlata Perić


DONAZIONE DOCUMENTI: Čvorak d.o.o.


La mostra fa parte del progetto Cartografia di resistenza organizzato dalla Rosa Luxemburg Stiftung Southeast Europe in collaborazione con [BLOK].


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I quarantaquattro anni pittorici di Falica



21.11.2016.


La Galleria civica di Jastrebarsko era troppo piccola per i numerosi visitatori presenti all'inaugurazione della mostra del noto pittore di Jastrebarsko, Josip Falica. Con una nuova mostra Falica festeggia 44 anni di pittura.

La mostra intitolata "Quarantaquattresimo compleanno del pittore" di Josip Falica, inaugurata il 18 novembre nella Galleria civica di Jastrebarsko, presenta uno spaccato dell'attività artistica di questo importante artista di Jaska, con una panoramica della creatività artistica fin dai suoi inizi , attraverso l'esplorazione dello stile e la formazione di un'espressione pittorica riconoscibile.  


Tra centinaia di dipinti realizzati da Josip Falica durante i suoi 44 anni di creatività, per la mostra sono state selezionate 48 opere. L'argomento che ha deciso fin dall'inizio è la regione natale di Falica, Svetojan.

Quella è la mia Santa Jana. La gente mi chiede sempre dov'è. È ovunque e da nessuna parte. È nella nostra Jaska, sono i paesaggi e i dintorni riconoscibili di Jaska.

 

È difficile dire perché ho dipinto. Così ho iniziato e ho continuato poco a poco. Questo è quello che faccio, mi baso su quello e cerco sempre di dare qualcosa di nuovo in termini di colore, tecniche, dai disegni, ai pastelli, all'olio su tela - ci ha detto il pittore.





L'influenza di Salvador Dalí

I motivi di Jaska e Santa Giovanna hanno permeato tutte le espressioni artistiche di Falica, perché durante tutta la sua creatività ha lavorato alla maniera del realismo, della pittura naif, del surrealismo o, come lui stesso la chiamava, "fasi IFO" attraverso il ciclo di dipinti "Pianeta Vite". Tuttavia, la sua direzione preferita è il surrealismo, quindi l'influenza di Salvador Dalí è visibile nei suoi dipinti.


- In realtà, mi piace di più il surrealismo, Dalí è il miglior pittore per me. Non realizzerò mai paesaggi come cartoline. Spesso mi dicono: "Lasciami dipingere questo, quello", e io rispondo che non faccio cartoline, ma quadri - dice l'artista, sperando che la gente di Jaska si diverta e si rilassi nella mostra in occasione di 44 anni del suo lavoro


La mostra dell'artista di Jastrebarsko è stata organizzata dal Centro culturale Jastrebarsko in collaborazione con la filiale Jastrebarsko di Matica Hrvatska, sotto gli auspici della Città di Jastrebarsko e della Contea di Zagabria, e potrete vederla fino al 6 gennaio 2017.


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NAIVNO SLIKARSTVO U JUGOSLAVIJI



Autore: Boris Kelemen
Editore: Spektar
Anno: 1977
Immagini / Disegni / 120 riproduzioni
- Prima edizione croata - Istituto grafico della Croazia, 1977.
- Per l'editore: Viktor Kipčić
- Belle arti: Ivan Picelj
- Redazione: Marko Hrastić, Dušan Slatković, Zdenko Uzorinac
- 110 pagine.
- Brossura
- Formato: 29,5 × 41,5 cm







 

STJEPAN IVANEC - Equilibrio del paesaggio


 
Autore: IVANEC, Stjepan
Titolo: Equilibrio del paesaggio: una retrospettiva / Stjepan Ivanec. -
Edizione: Koprivnica [ecc.]: Museo della città [ecc.], 2016 -
Descrizione del materiale: 32 pag.:illustrazione a colori;  
Presentazione:  Kušenić  Helena





Equilibrio del paesaggio di Stjepan Ivanec


La natura è l'inizio di tutto. I suoi fili si intrecciano attorno a qualsiasi processo creativo. Invisibile e, soprattutto, inesauribile. Queste tesi saranno confermate attraverso uno sguardo retrospettivo sul lavoro ricco, fruttuoso e duraturo di Stjepan Ivanac presentato nella Galleria d'Arte Naive di Hlebine. In modo naif, Stjepan Ivanec inizia a lavorare in modo indipendente, senza l'influenza concreta di un "mentore", basando i postulati della pittura sul proprio sentimento e talento. Avendo sentito parlare di Ivan Generalić e di diversi autori affermati dell'epoca, inizia a dipingere nei primi anni '70, ma la sua pittura  in realtà poggia su una pura esigenza creativa e un desiderio di espressione artistica. Ivanec vive a Kladare, un villaggio al di fuori della diretta portata delle fluttuazioni di Hlebine, ma anche parte di esse, considerando che in in quegli anni l'intera Podravina quasi prosperava al ritmo dell'arte naïf e da essa Kladare è un interessante punto di partenza come luogo di incontro e di intersezione di due culture, il cosiddetto mondo civile e la cultura nomade della popolazione Rom, che portano una combinazione di calma, morbidezza, moderazione e certezza in contrasto con relax, leggerezza, semplicità e gioia di vivere. Ivanec intreccerà tutte queste qualità nei suoi dipinti. 


È una fortuna che Ivanec provenga da una famiglia in cui anche suo padre si impegna per l'arte, quindi non mancano il supporto e la comprensione per lo sviluppo. Il sostegno della famiglia gli ha permesso di dedicarsi a pieno alla pittura, esplorando varie tecniche (disegno, acquarello, olio su tela e vetro), temi ed elementi artistici di base (composizione, linea, superficie...). Il suo percorso di vita è insolito e il potere della sua creatività ed energia creativa è stato riconosciuto sorprendentemente rapidamente. Ha iniziato a dipingere molto giovane e ha tenuto la sua prima mostra nella galleria Lotrščak di Zagabria nel 1972, da giovane appena maggiorenne. La mostra ebbe un successo eccezionale, tutte le opere esposte furono vendute e l'autore, cosa ancora più importante, fu riconosciuto e lodato dal grande conoscitore dell'arte naif Vladimir Malekovic e dal pittore Ivan Rabuzin. Per un giovane un tale successo rappresenta sicuramente uno shock e una iniziale confusione nel nuovo quadro della "popolarità". All'improvviso numerosi critici e collezionisti stranieri si avvicinarono a lui in cerca di dipinti, offrendo l'opportunità di esporre in tutto il mondo. Tutto questo improvvisamente travolto il giovane autore autodidatta che aveva appena intrapreso la ricerca delle arti visive, dotato di un innato senso per una rapida padronanza tecnica dei vari compiti, ma stilisticamente ancora insufficientemente rafforzato e differenziato, il noto motivo e difetti formali della maniera di Hlebine (Pčelari, 1970), ma nel giro di pochi anni si cristallizzano elementi e motivi che diventano una caratteristica riconoscibile della sua creatività, tra cui la spina dorsale principale sono i paesaggi moltiplicati sparsi per distanze inimmaginabili. Così, nel dipinto Zingari nella neve (1974), lo sfondo è sciolto da un paesaggio innevato invernale, in netto contrasto con il blu intenso dell'acqua e del cielo, che .perdono" in linee ondulate indistinte dietro piani. Successivamente, il paesaggio verrà delineato sempre più chiaramente in una linea ben definita e in una sequenza orizzontale di piani cromatici che in un istante domineranno l'intera superficie del dipinto. Il distinto orientamento orizzontale della composizione è interrotto da gruppi di personaggi in primo piano e caratteristici alberi alti e sottili con rami intrecciati e sinuosi. intrecciati a ramoscelli sottilissimi (al tempo stesso scarsi. privi di chiome riccamente ramificate), che chiudono lateralmente la composizione.


A metà degli anni '70 decise di assecondare la sua immaginazione e introdusse una moltitudine di motivi surreali in paesaggi vasti e infiniti. In primo piano emergono gigantesche forme vegetali piene di contenuti e figure, complete di visioni fantastiche con un sottotesto dell'inconscio. Qui il colore "si addensa", diventa più opaco, più scuro, più sfocato. In queste scene, la verticale domina il paesaggio disteso orizzontalmente. I dipinti sono pieni di significato, simbolismo e misticismo, così come la critica alla civiltà attraverso le parabole delle opere letterarie. Particolarmente interessante è la raffigurazione della Torre di Babilonia, celeste o divina. Porta (accadico, Babilonia = porta di Dio) attraverso la quale l'uomo cercava di ristabilire l'equilibrio e raggiungere la dimora degli dei. La Torre di Babilonia fu costruita nel la forma di uno ziggurat, una torre a gradoni che presumibilmente continua sotto lo zemh, e termina con un tempio in alto........

  Helena Kušenić

YUGOSLAV NAIVE ART - VICTOR MAGYAR




Viktor Magyar, Jugoslavia (Slovenia) Pittore Arte naif Descrizione: Viktor Magyar Arte naive jugoslava di Aleksander BassinData Arts, Minneapolis, Minnesota, 1982.Copertina rigidaPagine 106, riproduzioni a colori delle opere di Magyar, bibliografia.
Note biografiche 
Viktor Magyar è nato il 1 aprile 1934 a Metlika, in Jugoslavia. Da bambino trascorreva ore a disegnare e lavorare con la creta. Decise presto che voleva diventare un artista - a un certo punto frequentò l'Accademia di Belle Arti di Lubiana per un solo semestre - ma considerazioni pratiche richiedevano che scegliesse una professione un po' più stabile. Così è diventato un insegnante.Nel 1961, mentre insegnava in una piccola città chiamata Crna, Magyar fece amicizia con Gerhard Ledic, un giornalista itinerante del quotidiano di Zagabria Vjesnik e un'autorità sulla scuola Hlebine degli artisti naif jugoslavi. Ledic ha aperto le porte agli incontri con pittori famosi come Krsto Hegedusic, Ivan Generalic e Franjo Mraz. In particolare Hegedusic si accorse rapidamente e incoraggiò i talenti artistici del giovane maestro di scuola, e non passò molto tempo prima che Magyar dedicasse sempre più tempo alla pittura. Le sue prime tele, realizzate in uno stile convulso che ricorda Van Gogh, hanno presto lasciato il posto a opere che portano il suo marchio distintivo e potente. L'anno 1961 fu importante per un altro motivo: fu allora che Magyar tenne la sua prima mostra, a Strajne. Da allora ha tenuto mostre personali e collettive a Trieste, Dusseldorf, Parigi, Milano, Francoforte, Londra, Filadelfia, New York, St. Moritz, Washington, DC, Melbourne, Chicago e altre città del mondo. 
Ha ricevuto diverse medaglie d'oro in mostre di arte naïf jugoslava, e oggi le sue opere sono esposte in Vaticano oltre che in diversi musei e collezioni private.
Magyar è progredito costantemente attraverso numerosi cicli - lo spaventapasseri, l'uccello, l'uomo-donna - e tre fasi separate: il periodo verde del 1963-1971; il periodo rosso 1971-1974; e l'attuale periodo blu. Con le loro pennellate nette ed energiche, gli onnipresenti germogli biforcuti e le figure primitive, quasi iconografiche, i suoi dipinti sono unici e facilmente riconoscibili. Sotto il suo pennello, scene di vita contadina diventano simboliche, misteriose e romantiche.
Questo libro contiene riproduzioni a colori delle opere più significative e dinamiche di Viktor Magyar. Un lucido saggio di Aleksander Bassin introduce Magyar il pittore e la personalità e descrive la vita e i tempi del ragazzo che voleva diventare un artista, e lo ha fatto.

La mostra "L'equilibrio del paesaggio" è stata inaugurata nella Galleria d'Arte Naive di Hlebine




Pubblicato da Branko Novosel- 31 ottobre 2016 
 

La mostra intitolata L'equilibrio del paesaggio presenta una retrospettiva sulla ricca creatività del passato. Nella Galleria d'Arte Naive di Hlebine è stata inaugurata una mostra personale di Stjepan Ivanec. 
L'artista è nato a Kladare, una località del comune di Pitomača, dove vive e lavora oggi. Autodidatta, inizia a dipingere in tenera età. Durante il suo lavoro creativo si alternano varie tecniche: disegno, acquerello, olio su tela e olio su vetro. 
In più di quattro decenni di creatività, ha viaggiato in molti paesi del mondo e per un breve periodo ha vissuto e dipinto in Germania. Partecipa a numerose colonie d'arte e vincitore di numerosi premi. Ha organizzato la sua prima mostra personale nella Galleria Lotrščak nel 1972 e da allora ha tenuto numerose mostre - una ventina di mostre personali e diverse centinaia di mostre collettive in diversi paesi.
La mostra intitolata L'equilibrio del paesaggio presenta una retrospettiva sulla ricca creatività del passato. A partire dagli inizi degli anni '70, vengono realizzate opere legate alla tradizione del pane in senso tematico e formale, che si dissolvono sullo sfondo con paesaggi che diventeranno motivo riconoscibile della sua opera. 
Dopo una breve escursione nella fantasia, nel misticismo e nel sogno avvolti da toni più cupi e spenti, a metà degli anni '70, negli ultimi decenni è tornato al paesaggio e alla natura come principale elemento di partenza. Paesaggi estremamente suggestivi, ridotti a pochi accenti principali con dettagli ben delineati, colori pastello più tenui e profondità prospettica eccezionale. Ciò raggiunge l'equilibrio paesaggistico, ovvero l'equilibrio, la pace, l'armonia e l'armonia della natura sono stati trasferiti con successo nelle creazioni artistiche. 
Il direttore del Museo Koprivnica, Robert Čimin, la curatrice Helena Kušenić, l'autrice e presidente del consiglio comunale del comune di Hlebine, Marijan Hontić, si sono rivolti al pubblico, mentre il sindaco del comune di Pitomača, Željko Grgačić, ha aperto la mostra. 
La mostra rimane aperta fino al 30 novembre, ed è visitabile dal lunedì al venerdì dalle 10:00 alle 16:00 e il sabato e la domenica dalle 10:00 alle 14:00 o su appuntamento.



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Foto e video dell'inaugurazione della mostra di 






 

Vecenaj - Retrospettiva


 

PADIGLIONE D'ARTE A ZAGABRIA
Piazza Kralja Tomislava 22
Settembre-Ottobre 1994



Titolo: Ivan Vecenaj Tislarov. Retrospettiva.
Editore: LEA UKRAINČIK - MIRKO AZINOVIĆ
Pagine: 48 con num. tavole a colori e illustrazioni originali
Stampa: EUROGRAF, Zagabria

Organizzazione di mostre e pubblicazione del catalogo ART PAVILION IN ZAGREB ART STUDIO AZINOVIĆ
Prefazione al catalogo di JOSIP DEPOLO
Progettazione grafica di cataloghi e manifesti a cura di EMIL AZINOVIĆ
Allestimento tecnico di STANKO ŠPOLJARIĆ

Associato nell'organizzazione della mostra VESNA MARCIUŠ

Fotografo STANKO VRTOVEC

ComputerGrafica ART STUDIO AZINOVIĆ

Photolitl 

GRAFOSCAN, Sv. Chiara. Zagabria 

HELL & HELL, Monaco 

REPROCOLOR PASARIĆ, Zagabria

Tiratura di 1000 copie


Con i suoi rappresentanti più capaci, la pittura naif croata partecipa alla totalità dell'arte moderna e la sua unicità è molto apprezzata nella gamma delle realizzazioni artistiche di questo secolo. Il Padiglione dell'Arte si è impegnato ad organizzare le mostre (con un ritmo di presentazioni individuali a intervalli di due o tre anni) dei rappresentanti più significativi di questa espressione, che sono accompagnate da ricchissime monografie (pubblicate da Art Studio Azinovič), quindi in tale serie la mostra di Ivan Rabuzin è stata allestita nell'autunno del 1992, suscitando un grandissimo interesse da parte del pubblico e della critica. Questo autunno organizziamo insieme una mostra su Ivan Večenaj, che ha anche un carattere retrospettivo. Oltre a numerose opere classiche del pittore, verranno esposte opere giovanili che rivelano la genesi dello stile, nonché le ultime opere del tutto sconosciute al pubblico. Ivan Večenaj ha costruito un'espressione riconoscibile, che emerge dai noti postulati del circolo pittorico di Podravina, ma con numerose soluzioni originali e grande fantasia, arricchisce notevolmente le scene presentate. Dopo aver sperimentato su carta e tela, (disegno, acquerello) nella pittura su vetro, ha trovato la tecnica più adeguata per sviluppare il suo virtuosismo, la capacità di costruire forme e composizioni complesse, ma non permettendo mai che si trasformino in una vuota sfilata di mani senza una vera copertina creativa. Il pittoresco del paesaggio gli ha dato lo slancio per un trattamento artistico sontuoso e una trasformazione fantastica in cui il reale e l'immaginario si alternano, e di solito diventa insolito. In spazi dinamici e carichi, Večenaj colloca spesso scene bibliche con contenuti stratificati, ma invece dell'iconografia convenzionale, crea i propri personaggi e relazioni insolite come riflesso dell'esperienza popolare di un messaggio religioso con la vita. Nel modo di lavorare di Večenaj si va dalla descrittività veristica a una certa stilizzazione, dall'attenta elaborazione dei dettagli a una certa geometrizzazione. Indipendentemente da questa gamma, il colorismo intenso e focoso è una costante nelle sue opere e il cambiamento delle sorgenti luminose è il processo mediante il quale dinamizza gli scatti. Ivan Večenaj è un artista che non esaurisce i suoi interessi e talenti solo nella pittura. Con l'entusiasmo di uno storico-dilettante, fa luce sulla storia del suo paese, documentando gli eventi di accompagnamento per i quali esistono fonti storiche, e dando le proprie interpretazioni a "eventi" che hanno origine nelle leggende. In questo modo, egli realizza anche la pienezza del suo ruolo creativo, e rende omaggio alla sua terra natale che gli ha dato Ma Ivan Večenaj ha diffuso non solo il nome della sua nativa Gola e Podravina, ma anche tutta la sua patria, quindi è meritato che vediamo l'intera la sua opera a Zagabria e ospita le sue significative realizzazioni in uno spazio espositivo dedicato alla tradizione.

LEA UKRAINČIK


 

Ivan Štefanek - Il dipinto fa rivivere le vecchie usanze

 



Autore: Martin Lukavečki, Vedran Šarić / M.Š.
14. 10. 2016.  

Prima c'erano i cartoni animati per bambini, e cinquant'anni fa prese il pennello più seriamente. Anche il grande Ivan Generalić si interessò ai dipinti su faesite, che lo istruì nei segreti della pittura su vetro. Oggi Ivan Štefanek è uno dei massimi artisti naïf croati. Ivan Štefanek di Hrastovski vive la sua infanzia nei suoi dipinti e mezzo secolo di socializzazione con pennello e pittura è un bellissimo giubileo. L'atmosfera artistica nello studio, l'odore di pittura, trementina, un mucchio di dipinti ...

Faccio quello che il mio cuore mi dice di fare e quello che guarisce la mia anima, e questa è la cosa più importante nella vita, finché non devi fare qualcosa con la forza, figuriamoci farlo con piacere, sottolinea Ivan. Mercante di professione, fa rivivere antiche usanze , una beata pace , con un dipinto . Lo splendore della vita in un borgo perso nel tempo.

Era molto bello per me e volevo trasferirlo nei miei dipinti in modo che le generazioni successive possano vedere come era una volta , spiega le sue motivazioni. Il suo lavoro intitolato "Le giocose colline di Ludbreg" è un Guinness dei primati. Un dipinto di quasi due metri quadrati e mezzo su un vetro spesso otto millimetri pesa circa settanta chilogrammi. Ivan pensa che un dipinto su vetro di 2,20x1,10 m non sia stata fatto da nessuno. In tre mesi di pittura, sono stati utilizzati quasi tre chilogrammi di vernice. E la paura che il quadro non si spezzi è grande. Ivan ammette che nella sua carriera pittorica ha dipinto 4-5 dipinti di grandi dimensioni, il che non è molto in 50 anni. Ma per cautela questo viene sempre gestito con l'aiuto di due aiutanti. Quando crea, il suo mondo è solo un'immagine. Ricordi tradotti. Disegno senza schizzi, quindi di tanto in tanto fermati e pensa il più lontano possibile nel dipinto,  quali colori verranno, da ricomporre insieme. Riposa camminando nella natura e la natura lo ispira.

  
I suoi dipinti adornano collezioni private in tutto il mondo; ha partecipato a molte mostre fino ad ora, sia di gruppo che da solista. Ho ottenuto quello che immaginavo e non posso andare troppo lontano, dice.

Non appena si siede per dipingere sul vetro, non si annoia più e cerca solo di fare il più e il più bello possibile. È innamorato della sua Hrstovsko , Podravina e Ludbreške gorice , e sperava tranquillamente di celebrare i suoi 50 anni di creazione con una mostra. Ma, purtroppo, niente di tutto ciò finora, quindi non resta che continuare a fare ciò che ama di più: dipingere capanne di paglia, colline, la sua cara Podravina.



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Inaugurata la mostra di Pero Topljak Petrina

 


Pubblicato da Branko Novosel - 26 settembre 2016


Gli spazi della galleria del Museo della Città di Đurđevac hanno ospitato la mostra di Pera Topljak Petrina, che è stata inaugurata in occasione della celebrazione dei 50 anni di pittura.


 Pero Topljak ha lasciato un segno significativo e indelebile nella pittura di Đurđevac, Podravina e nell'intera espressione naif. La direttrice del Museo, Edita Janković Hapavel, ha riflettuto sul significato artistico dei dipinti di Pero Topljak. 

Al pubblico si è rivolta anche Anđela Lenhard Antolin, autrice della prefazione al catalogo della mostra. Ha descritto vividamente la vita di Topljak, la crescita, il diventare un artista e gli incidenti interessanti che ha incontrato nella sua vita. 

Il vicesindaco, Kristina Benko Markovic, si è congratulato con Topljak per tutto ciò che ha realizzato nella sua creazione artistica, in 50 anni di pittura, e ha sottolineato il significato dei suoi dipinti, che hanno registrato la cultura dell'omino, la cultura della nostra regione, che rimarranno raffigurati nei suoi dipinti in modo che le generazioni che vengono a conoscere la loro tradizione.

Le canzoni di Fran Galović sono state preparate da Ana Ređep e Ivana Kolarić. Dopo l'inaugurazione, Pero Topljak Petrina ha ringraziato, tutti coloro che hanno partecipato, per averlo supportato nella creazione di opere d'arte e ha annunciato l'ospite speciale Andrija Maronić ai cembali.

 La mostra resta aperta fino al 16 ottobre.


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MATIJA SKURJENI -- UN CONTRIBUTO ALL'INTERPRETAZIONE DELLA PITTURA DI MATIJA SKURJENI

 

1. M. Skurjeni, Ragazzo che ama i piccioni,
1960. olio su tela, 72x 59,5 cm, Museum Charlotte Zander, Bonnigheim


Un contributo all'interpretazione della pittura di Matija Skurjeni

Vladimir Crnkovic

Ricercatore professionista, Zagabria

 Originale lavoro scientifico - UDK 75 Skurjeni, M. 

7 ottobre 1996



Data di pubblicazione: 15.12.1995.


Si tratta di un frammento di un più ampio studio su Matija Skurijeni (1898-1000), pubblicato in Germania nel centenario della nascita dell'artista. È stato scritto per le esigenze del Museo Charlotte Zander di Berlino, che comprende una collezione di sessanta oli e quaranta disegni serigrafati di questo maestro. Basandosi sull'analisi strutturale del dipinto Il ragazzo che ama i piccioni (1960), l'autore scrive della liberazione artistica dai vincoli del giorno, degli alti e dello spazio, e nell'intreccio della logica razionale e logica dell'arte, poesia, e il sogno antico. Questi cambiamenti, che il creatore Skurjeni iniziò a esprimere nel 1957/58, si concretizzarono con le vivide esperienze del poeta: un incontro con il fornitore di creatività, critico d'arte e poeta, Mica Bašičević, capo della Galleria d'arte di Zagabria. che, attraverso la sua azione di mentore, lo ha diretto verso il mondo sotterraneo della fantasia miracolosa e allusiva, simbolica e ultraterrena.


Il ragazzo che ama i piccioni (1960, di proprietà del Museo Charlotte Zander, Bbnnigheimy)(1) è uno dei dipinti chiave di Skurjeni, che testimonia chiaramente che l'autore realizza la sua individualità e il suo riconoscimento stilistico in completo contrasto con il realismo accademico che gli è stato insegnato e sulle cui tracce ha si esprime per molti anni Si può anche affermare che l'arte di Skurjeni cresce abbandonando e opponendosi a tutte le regole e gli schemi appresi, ciò non toglie che il pittore non utilizzi le esperienze acquisite nel primo periodo della sua attività artistica (come partecipe della sezione KUD di Vinko Jectuta), ma, contrariamente all'opinione che il suo stile si sia formato prima del 1957, credo che non si possa trovare un livello estetico più evidente nei suoi primi lavori. È più che ovvio su questa tela: le sproporzioni che appaiono nella rappresentazione prospettica e le proporzioni delle immagini parlano dello sforzo consapevole dell'autore di creare un "quadro nuovo".A sostegno di quanto detto testimoniano anche l'abolizione dello sfondo come illusione di spaziosità e la creazione di un fondo su cui sono indicati valori quasi esclusivamente simbolici; questa composizione è stata risolta in modo diverso da tutto ciò che Skurjeni aveva fatto prima.

Proviamo, prima. guarda cosa mostra l'immagine. L'intera tela è dominata da un'enorme figura maschile che tiene in mano una colomba grigia. Nella parte destra, un acrobata si diverte a far girare un cerchio intorno al collo. Tra le gambe dell'uomo ci sono due chiese. un edificio e un passaggio buio (come un tunnel). e una lucertola è posta tra questi simboli architettonici. Ci sono tre alberi nella parte in alto a sinistra dell'immagine e nella parte centrale a destra. in alto a destra vediamo una farfalla. E questo è tutto. L'uomo che riempie la tela dal basso verso l'alto rappresenta lo stesso Skurjeni. Nonostante la caricatura e il grottesco. in realtà autoironia, nel volto scopriamo somiglianze con gli altri autoritratti dell'artista. Il corpo è enorme e la testa minuscola, che sembra esprimere la forza e la potenza maschile sfrenata (la sproporzione del corpo e della testa non è ovviamente, da interpretare solo alla lettera; è lo stesso con gli abiti: la parte superiore testimonia un abito impeccabile - camicia bianca, giacca e cravatta - ma i pantaloni sono stranamente trasparenti, e la figura è a piedi nudi). La colomba nelle mani simboleggia l'inclinazione fondamentale della persona dipinta: un atteggiamento protettivo nei confronti dello spirituale. Vale a dire, la colomba è un simbolo dello spirito (e dell'anima) che dovrebbe essere nutrito, quindi l'uomo abbraccia dolcemente l'uccello con i palmi delle mani. Le proporzioni sono gerarchiche: qualcosa è più grande o più piccolo, a seconda del significato presentato nella coscienza dell'artista e di cosa si intende con esso; quindi, indipendente dalla realtà oggettiva. La figura femminile, in realtà é un'acrobata, è grande la metà dell'uomo e raffigura una nota moda della fine degli anni Cinquanta: il gioco dell'hula-hoop. Anche se il cerchio intorno al collo della ragazza è nella parte superiore, testimonia l'inaffidabilità del movimento, e quindi l'impermanenza della natura femminile. Poiché una donna è determinata esclusivamente dal "gioco", questo allude alla sua natura non contemplativa (che è il modo in cui Skurjeni di solito caratterizza una donna). Lo stesso "gioco" può anche essere letto come "richiamo", adescando il maschio.

L'autore ha anche intrecciato un forte simbolismo sessuale nell'immagine. I tre alberi superiori, all'altezza della testa umana, sono del principio maschile: la metafora del fallo (il tronco nudo al centro) e i due testicoli (le chiome degli alberi ai lati). I tre alberi sopra la ragazza sono una metafora dell'organo sessuale femminile (corona rotonda al centro) e due seni (alberi ai lati). Secondo Jung, l'albero non può essere interpretato esclusivamente come simbolizzazione del fallo perché include anche i valori dell'utero, quindi assume anche il principio femminile.(2) In molte culture, la farfalla è un emblema femminile, un simbolo di leggerezza e l'impermanenza, e poiché è nell'asse sopra l'acrobata, caratterizza più da vicino il personaggio femminile (in modo simile al concetto di donna di Skurjeni già indicato). Non è del tutto chiaro se si tratti di una rappresentazione di una o due farfalle (se si tratta di due insetti, sono raffigurati nel momento dell'unione amorosa). Indipendentemente dal numero, la farfalla simboleggia la fragilità e l'effimero di qualsiasi relazione, comprese le relazioni amorose.

Possiamo riconoscere tutti e tre gli edifici e collocarli esattamente nel Gradec di Zagabria: la chiesa più grande di S. Marka dal caratteristico tetto colorato e campanile di finitura barocca, la chiesa più piccola di S. Katarina, e l'edificio accanto rappresenta il Palazzo Kulmer, che ospita le Gallerie della Città di Zagabria. Skurjeni, quindi, dispone molto liberamente di forme diverse, accosta nella natura forme architettoniche lontane l'una accanto all'altra, senza alcun rapporto con la loro effettiva dimensione e collocazione: dalla stessa prospettiva, presenta la facciata meridionale di S. Marco e i Palazzi e il S. Ovest. Caterina. In lui, poi, c'è l'oggettività, ma non è mai dipinta in modo logico. Tutto è disposto in senso strettamente simbolico: con questi edifici il pittore segna il centro spirituale della città (a suo giudizio). Se ricordiamo che la Galleria d'Arte Primitiva (per Skurjeni è sicuramente la più importante culturale istituzione) operato nell'ambito della Galleria della Città di Zagabria, se quindi la sua curatrice, Mića Bašičević, "presentava" anch'essa in piazza Caterina, l'intera composizione assume proporzioni davvero simboliche.(3)In fondo al dipinto c'è una lungo corridoio buio, in fondo al quale si aprono aperture illuminate e scaletta rialzata. Per raggiungere la luce, una persona deve prima attraversare il lato oscuro della vita e del mondo. Interpretiamo quel corridoio oscuro, quindi, come un labirinto dell'abitare al termine del quale appare, in senso simbolico, la beatitudine della luce: redenzione e spirito. (Le scale a bilico verticale partecipano innegabilmente a questo simbolismo ascendente.) Nonostante le riduzioni e le semplificazioni nella rappresentazione del passaggio, non è difficile scoprire che si tratta di un'immagine della Porta di Pietra, il famoso ingresso orientale di Zagabria a Gradec, che collega la parte alta e bassa della città. Lo dimostrano anche gli accenti rossi sulla parte sinistra della parete, con cui il pittore indica la fiamma eterna dei ceri sotto l'immagine della Vergine sull'altare (che non è mostrata). Si noti che nella mappa dell'artista delle serigrafie di Eulali sono presenti molti monumenti urbani nella parte alta di Zagabria, tra cui più volte la Porta di Pietra.(4)

(Jose Pierre fu tra i primi a spiegare la frequente rappresentazione di Skurjeni di cunicoli, passaggi oscuri, labirinti, trincee e grotte con l'esperienza di vita dell'artista: durante la prima guerra mondiale, Skurjeni conobbe numerose trincee dalla Galizia al Tirolo, poi per un breve periodo scavò carbone nelle miniere e numerosi tunnel sui suoi dipinti sono certamente collegati ai suoi molti anni di lavoro sulla ferrovia.(5) In tutte queste occasioni, Skurjeni "desiderava la luce del giorno e una vita diversa, e questo iniziò a manifestarsi molti decenni dopo - nelle sue opere.  La lucertola è una metafora dell'anima che cerca la luce e un simbolo di saggezza. Lo troviamo sopra un piccolo edificio che abbiamo decifrato come sede della Galleria d'Arte Primitiva e della Chiesa di S. Marco. Poiché Mića Bašičević non solo ha lavorato ma ha anche vissuto in quella zona di Gradec, è chiaro che la lucertola lo simboleggia. (La lucertola rappresenta anche l'unione di ctonio e solare, che abbiamo già visto sulle foglie di Eulalia.)

Nell'immagine descritta, la consueta resa dell'illusione dello spazio (larghezza, altezza e profondità) è stata completamente abolita e tutto è stato ridotto a uno sfondo astratto. Tuttavia, qui nulla è risolto: Skurjeni forma una superficie eminentemente viva e dinamica. La vivacità porta a un parossismo applicando il colore con un punto denso, cioè un piccolo sistema maculato in una punteggiatura serpeggiante di colori verdi dominanti alternati, con ocra grigiastra e toni rossastri nella metà inferiore della tela e inoltre blu nella parte superiore. I vortici dipinti rappresentano la zona del puro psichismo, è il "flusso di coscienza" plasmato con mezzi artistici, un principio eminentemente interno. Possiamo anche interpretare lo sfondo indicato come un'area forte e vasta dell'inconscio. In tal caso, è lo spazio infinito della profondità dell'anima. Poiché ogni essere attraversa il proprio caos prima di essere formato personalmente, possiamo intendere i punti come la vibrazione dell'anima, la pulsazione di tutti gli esseri viventi nel processo di individualizzazione. Il simbolismo dei numeri è ben presente nell'immagine: tre alberi compaiono due volte, ci sono tre rami su un tronco nudo del fallo, sono rappresentate tre specie animali (lucertola, piccione e farfalla), ci sono tre unità architettoniche (due chiese e un palazzo ) - quello che tutto non può essere per caso. Ricordiamoci: come numero fondamentale, il tre è espressione dell'intellettuale e spirituale, il divino, nell'uomo e nell'universo, il tre simboleggia l'unione di terra e cielo, sensuale e spirituale. Insieme ad alcuni riferimenti sentimentali della vita personale di Skurjeni, qui sono rappresentate anche le preoccupazioni umane generali. Tra l'altro, il quadro va letto come un confronto costante tra un uomo e una donna, in cui non c'è né un vinto né un vincitore, quindi come un conflitto elementare tra pelle e spirito. Secondo Skurjeni, una donna è una minaccia costante per lo spirituale, quindi tutti i simboli dello spirituale sono posti accanto alla figura maschile: una colomba, una lucertola (essere solare), entrambe le chiese, un passaggio oscuro. In breve, il quadro raffigura la maturazione spirituale, le prove che attendono una persona su quel cammino e il sostegno che gli è assolutamente necessario per riuscire, parla dell'aspirazione a raggiungere un livello più alto di spiritualizzazione, dello sforzo di padroneggiare la spiritualità sul fisico, del desiderio di sprofondare nell'uomo nel senso pieno di quel termine. (Non è esattamente ciò che Jos Pierre ha interpretato così magnificamente come il desiderio di Skurjeni di cercare di "riparare la creazione di Dio"?)(6)

I simboli possono sempre essere letti in diversi modi. Quale sarebbe, ad esempio, il messaggio di questo dipinto se vedessimo la colomba come metafora della lussuria, la lucertola come essere ctonio e la/le farfalla/e come rappresentante/i dell'anima? In tal caso, il volantino grigio minaccia l'anima tremante: la farfalla? Oppure, gli alberi possono sempre essere interpretati come simboli di collegamento terrestre e celeste, materiale e spirituale, e poiché gli alberi irradiano anche forza vitale, sono anche un'immagine di costante rinnovamento. In tal caso, quale sarebbe il loro ruolo in questa immagine? Non si tratta dell'albero della vita nel mezzo e dell'albero(i) della conoscenza del bene e del male sul lato(i)? O ci sono alberi nel mezzo che simboleggiano saggezza e conoscenza? (È significativo posizionare gli alberi nel piano della testa dell'artista, e la testa, come è noto, è il centro dello spirito, della conoscenza, della saggezza.) Cosa accadrebbe, ad esempio, se interpretassimo la figura femminile come metafora dell'acrobazia, quindi, come possibile simbolo di slancio verso l'estatico, trascendentale? O, diciamo, interpretare la farfalla come un essere in metamorfosi? Alla fine, se sappiamo che nulla è mai sacro a Skurjeni dai beni terreni, non sorprende che giochi con una certa allusione sessuale anche quando presenta le chiese: S. Secondo una tale interpretazione, S.Marko sarebbe di principio maschile, non solo per il nome ma anche per il campanile allungato tra le gambe dell'uomo, e la chiesa più piccola, S. Katarina, femmina - e ancora non solo per il nome ma anche per la forma del portale scuro.

In alcuni dettagli, l'immagine ricorda irresistibilmente la leggenda di Adamo ed Eva. Sappiamo che Skurjeni dipinse già una versione incomparabile del primo uomo e donna nel 1958, solo per creare un dipinto meraviglioso un anno dopo: Adamo ed Eva moderni (sempre nel Museo Zander). Se interpretiamo il personaggio femminile ne Il ragazzo che ama i piccioni come una lontana propaggine (primordiale) di Eva (in quel caso è più piccola di un uomo perché è stata creata "seconda", dopo Adamo), allora va sicuramente vissuta come una tentatrice, che già simboleggia l'irrazionalità. Secondo una tale interpretazione, la lucertola sarebbe equivalente al serpente, che ha portato i primi a peccare. Tuttavia, il discendente contemporaneo di Adamo da questo dipinto sembra essere tornato di nuovo in paradiso - e questo a causa della sua inclinazione spirituale. Vale a dire, il paradiso è un luogo di immortalità e l'immortalità, secondo Skurjenji, è possibile solo se una persona con tutte le sue forze abbraccia lo spirituale. Inoltre, il paradiso non implica un'aspirazione verso un certo luogo, ma verso un certo stato - e questa è ancora una volta una categoria spirituale. Tutto in questa immagine è completamente liberamente confuso, la lucertola, ma secondo una tale interpretazione apocrifa, non la leggeremo come la causa della "caduta dell'uomo", anzi, qui si riferisce al ritorno alla stato di grazia - perché incoraggia la spiritualizzazione, la trascendentalità. Alla fine, se interpretiamo la figura maschile come l'autoritratto di Skurjeni, possiamo anche vedere il dipinto come la lotta dell'artista con i suoi tanti dubbi e contraddizioni, con il caos che regna dentro e intorno a lui. Parla di tutto ciò che generalmente l'uomo tende e ricerca: come superare debolezze, dubbi e paure, come raggiungere la saggezza e la spiritualità, trovare la felicità (e amare l'unione), come essere più umani, come trasformare un momento in eternità , penetrare nel cosmico, diventare immortale? 

Proviamo ora a vedere alcuni aspetti prettamente artistici di questo lavoro. L'eliminazione quasi totale della narrazione e la riduzione di tutto a simbolismo è il vero miracolo della pittura di Skurjeni. Tuttavia, per quanto interessante, significativa e grande sia un'idea, se non è presentata in modo impressionante principalmente per mezzo della pittura, non sarà riconosciuta come valore artistico. In altre parole, se tutto su questa tela non fosse stato creato in modo pittorico, non ne discuteremmo affatto. Vale a dire, non basta essere un essere sognante, allucinatorio, ultraterreno, fantastico, atipico, per diventare subito un artista. Al contrario: il livello artistico recentemente riconosciuto in quest'opera di Skurjeni è un prerequisito per affrontare tutte le altre sue caratteristiche.

Abbiamo già affermato che hanno più successo quelli dei dipinti dell'artista in cui immerge nello spazio forme più piccole, cioè la superficie degli eventi. Tuttavia, ci chiediamo: se la figura di un uomo non fosse così grande e "pesante", se fosse più piccola e più aggraziata, il suo messaggio sarebbe chiaro, conterrebbe il potere magico indicato? Non dimentichiamo che quest'opera parla esclusivamente con elementi visivi, non è nemmeno del tutto definita dal suo nome. La figura alta è l'unico possibile problema aperto della composizione, ma la sua dimensione ha una giustificazione interna. Scopriamo i valori cromatici puri più espressivi nel modo di risolvere lo sfondo. Non ci sono molti colori qui, ma notiamo una moltitudine di sfumature, che parla della padronanza sovrana di Skurjeni sul pennello del pittore. È visibile anche un certo cambiamento di tecnica rispetto a molte tele precedenti: il sistema ad "ago" è cambiato in quello a "punto". Quando una volta ho menzionato l'affinità di alcune soluzioni di Skurjeni con le esperienze dell'Art Nouveau, ho pensato anche a questo dipinto. Ad esempio, il "puntinismo" di Klimt dei paesaggi tardivi, in particolare il suo modo di presentare la piccola vegetazione e le corone lussureggianti, poi la vivacità del sistema dell'"ago" sembrano riflettersi in alcune delle tele di Skurjeni. Non pretendo, ovviamente, che vi siano affinità spirituali, tematiche o compositive tra le opere di questi due maestri, ma è innegabile che vi siano alcune analogie cromatiche, anche nel modo espressivo, nel ductus.(7)

Un'altra nota sullo sfondo di questa immagine: il colore blu smaterializza tutto ciò che vi è intessuto, è la via dell'infinito, equivalente all'infinito. Il predominio del blu in senso simbolico è la vittoria dell'aldilà, la via del sognare e la via del sonno, l'atmosfera dell'irreale (quindi anche del surreale). Kandinsky scriveva che il blu «attrae l'uomo verso l'infinito e risveglia in lui un desiderio di purezza e una sete di soprannaturale».(8) Il blu intrecciato con l'ocra e il rosso esprime la competizione tra terra e cielo, in un senso figurato del sensuale e dello spirituale . È possibile che riveliamo tutto questo in questo lavoro senza una ragione più profonda? In altre parole, se anche a colori incontriamo una presentazione simbolica del trascendentale, una penetrazione nello spirituale, è certamente dall'altra parte della coincidenza. Abbiamo già discusso dell'influenza dei "tuonanti" di Gliha su Skurjeni(9), così il nostro pittore stesso iniziò ad applicare le tendenze astratte dell'avanguardia croata dell'epoca. Nel dipinto Il ragazzo che ama i piccioni, l'autore è riuscito persino a trovare una personale formula astratta: Skurjeni in questo sfondo trasforma tutto nel fluido della psiche, si libera dal terreno e penetra nell'immaginario, nell'infinito, nell'aldilà. In questo scopriamo una delle caratteristiche principali della sua grandezza: si è liberato dalle restrizioni, nulla gli era impossibile, ha rifiutato le causalità dell'azione, tempo e spazio, razionale e irrazionale misto, logica e fantasia, reale e irreale, sogno e realtà. È proprio questo passaggio dalla vittoria stabilita e canonizzata della libertà (che ha vinto non solo presentandola come tema, ma anche dipingendo il fondo libero). E questa è anche la vittoria del sognatore.Se ricordiamo che Breton definì l'uomo come un "sognatore incorreggibile", allora Skurjeni è un esempio paradigmatico di tali esseri. Quando si menziona il sogno di Matija Skurjeni, dovresti ricordare che per questo artista "sognare" e "immaginare" sono la stessa cosa. Innumerevoli volte ha sottolineato che dipinge i propri sogni, quindi nei nomi di molti dipinti troviamo le parole "sognare", "sogni", "sogno". Secondo Jung, nei sogni avvengono processi simili a quelli sul palcoscenico teatrale: secondo questa interpretazione, il sognatore è ugualmente un drammaturgo (librettista), un regista e un attore, oltre che un pubblico e un critico allo stesso tempo . Quasi lo stesso si può dire dei dipinti di Skurjeni: si tratta spesso di vere e proprie piccole rappresentazioni teatrali, messe in scena di misteri, grottesche didattiche e burlesque in cui l'artista mette tutto in moto con una sequenza di accesa fantasia. I personaggi presentati sono archetipi delle passioni e dei comportamenti umani, quindi hanno potere magico per l'autore, sono gli eroi dei suoi desideri segreti e pensieri nascosti, esprimono tutto ciò che Skurjeni non vuole o osa dire apertamente. Proprio per questo molto spesso si proietta in molti degli esseri raffigurati nelle immagini. Ricordiamo un'altra analogia con la rappresentazione teatrale (archetipica), ovvero con i sogni: con i suoi "giochi d'arte" Matija Skurjeni vive la catarsi, si libera di tutto ciò che lo trattiene e lo tormenta, si libera di dubbi e complessi, per lui anche la pittura ha una funzione psicoterapeutica. Questo è anche il motivo per cui è sempre stato così emotivamente attaccato a ciascuna delle sue opere. Non è mai stata una posa, perché ogni dipinto di Skurjeni è una vera parte della sua intimità più profonda.

In conclusione, c'è da chiedersi: è possibile che un uomo poco istruito crei da solo una fantasmagoria così complessa e piena di simboli come Il ragazzo che ama i piccioni? La risposta è inequivocabile: la natura curiosa, l'immaginazione imprevedibile e la profonda natura contemplativa di Skurjeni hanno scoperto e realizzato molto nel corso dei decenni. Non dimentichiamo inoltre che fin dalla giovinezza fu attratto dalla pittura (la prima opera conservata è probabilmente del 1924) e che crea arte ininterrottamente dal 1946. Molte delle sue virtù possono essere spiegate dal grande sforzo profuso per padroneggiare l'arte della pittura (lo dimostrano numerosi disegni e alcuni acquerelli e oli del periodo dal 1946 al 1956). Ma quando nel 1957/58 nelle sue opere iniziano ad esprimere importanti novità, mettiamole in connessione con le nuove esperienze di vita di Skurjeni, in primo luogo collegandoci con la Galleria d'Arte Primitiva di Zagabria. Un nuovo tema penetra quindi nei dipinti e il valore artistico viene notevolmente innalzato e stabilito. A quel tempo, Skurjeni lavorò a una serie di paesaggi estremamente sottili, spesso pieni di piccole ferrovie, ponti e automobili (Attraversamento del treno al ponte Krapin, 1958, Croatian Museum of Naive Art, Zagabria; Ponti a Zapreficc, 1958, Zander Museum ), che subito dopo, sogni, fantasmagorie, immaginazione e simbolismo peculiare, veri e propri fantasmi si sarebbero affollati nei quadri (Sogno: San Giorgio e il drago, 1958, Museo Zander). L'incontro con Mica Bašičević, critico d'arte e storico dell'arte, incline al nuovo, sfrenato e surreale, ha indirizzato la sua sensibilità e immaginazione verso il fantastico e l'aldilà, e quando l'artista padroneggia il linguaggio dei simboli e delle indicazioni metaforiche, non ha che da continuare su quel sentiero. Per quanto riguarda il tutoraggio di Bašičević, va sottolineato questo: che Matija Skurjeni non era un talento sopra la media, in altre parole, se non fosse stato un "pittore nato", non sarebbe stato in grado di raggiungere la sua espressività distintiva, indipendentemente da chi lo ha diretto, come e verso cosa. Oggi, guardando indietro, si può addirittura affermare che questo rapporto si stimolava a vicenda: era il complemento ideale di due veri mistici e fantastici. In effetti, Skurjeni è sempre stato abbastanza fantasioso da espandersi in modo creativo: era un vero demiurgo.



Vladimir Crnković

A CONTRIBUTION TO THE INTERPRETATION OF MATIJASKUR JENI'S PAINTING

The author presents a fragment of a larger study about Matija Skurjeni(1898-1990) to be published in Germany for the Charlotte Zander Museumin Bonnigheim - (which owns sixty oil paintings and about forty drawingsand serigraphs of the artist) - on the occasion of the hundredth anniversaryof the artiste birth. Starting with an analysis of the painting The boy who loves pigeons(t969), the author discusses the artista libe stio fo t h erules of causality, from time and space, by mixing the rational and irrational, the logical and fantastic, the real and unreal, dream and reality. Thistendency, which began to appear in Skurjeni's painting in 1957/58 is brought in relation with certain events in the artist's life, primarily his association with the art historian, critic and poet Mićo Bašičević, head of theMuseum of Primitive Art in Zagreb, who became his mentor and encouraged him to probe the depths of subconscious, magic and allusive,fantastic, symbolic and transcendent experience. In his painting theartist transforms the rational into the unreal and irrational, the impossiblebecomes possible, imagination becomes reality. Skurjeni paints the reality of the unreal.


Note:

1.Si tratta di un frammento di un più ampio studio su Matija Skurjenji (1898-1990), che sarà pubblicato in Germania in occasione del centenario della nascita dell'artista. È stato scritto per le esigenze del Museo Chariotte Zander di Bonningheim, la cui collezione comprende sessanta oli e una quarantina di disegni e serigrafie del nostro maestro.

2. Carl Gustav Jung: Mdtamorphoses et tendenze de la libido, Parigi 1927. - Cfr. J. Chevalier - A. Gheerbrant: Dizionario dei simboli, casa editrice Matice Hrvatske, Zagabria 1983, p. 634. 

3. Maggiori informazioni su Mica Bašičević (1921-1987), critica d'arte, storica dell'arte e operatrice museale, poetessa e pittrice si trovano nei libri: M. Bašičević, Studi e saggi, critiche e documenti 1952-1954. e Studi e saggi, recensioni e documenti 1955-1963, Biblioteca croata di critica d'arte, libro 2 e 3, a cura di Vladimir Crnković, pubblicato dalla Società degli storici dell'arte croati, Zagabria, 1995. 

4. La mappa delle serigrafie è stata pubblicata da Eulalija Skurjeni nel 1959. Si compone di 20 fogli e, oltre alla grafica dell'artista, ognuno contiene versi di Ivan Mandelos (Mandelos e Mangelos sono pseudonimi di Mica Bašičević). 

5. Jose Pierre: Skurjeni ou lidtat de grazia, Combat-Art, n. 95, Parigi, 3 dicembre 1962.

6. Vedi nota. 5.

7. A parte il dipinto Il ragazzo che ama i piccioni, questo è particolarmente visibile sulla tela Spring in Podsused, 1955-1958, di proprietà del Museo croato di arte naïve, Zagabria. 

8. Wassily Kandinsky: Uber das Geistige in der Kunst, Munchen, 1912. - Cfr. in J. Chevalier - A. Gheerbrant: Dictionary of Symbols, Nakladni zavod Matice hrvatske, Zagabria, 1983, p. 511. 

9. Vladimir Crnković: The Alchemy of Imagination, si veda il libro bibliofilo Hommage a Matija Skurjeni, edition Charlotte, Galerie f0r naive Kunst und Art brut, Munchen, 1987, p. 40, 44. 

10. André Breton: Manifesto del Surrealismo (1924), Kolo, n. 12, Matica hrvatska, Zagabria, 1971, p. 1203 (tradotto dal francese da Mirjana Dobrović e Zvonimir Mrkonjić).


Tradotto s.e.&o. da Naive Art info



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Ivan Andrašić torna alla Galleria Hlebine e abbiamo un regalo per te




6/9/2016 - Articolo di Bojan Horvat


Una mostra indipendente e una promozione della monografia di Ivan Andrašić si terrà presso la Galleria d'Arte Naive di Hlebine l'11 giugno 2016 - questo sabato - a partire dalle 19:00.  

La monografia "Ivan Andrašić – Camminando sotto la grande nuvola" di Božica Jelušić.

In quell'occasione abbiamo parlato con l'autore di questa mostra, Ivan Andrašić, che torna alla Galleria di Hlebine dopo 15 anni esatti.


Cosa potremo vedere nello specifico in mostra?

- È una selezione di 36 dipinti e l'accento è posto sulla tecnica dell'olio su vetro. È una panoramica dalle opere narrative sulle orme della scuola Hlebin alle forme astratte ad acquerello. Possiamo dire che si tratta di una panoramica delle opere realizzate negli ultimi 10 anni circa.

Andrašić ci ha anche rivelato che la Galleria di Hlebina è un luogo speciale per lui dagli anni '70, quando ha iniziato a lavorare e da quando ha organizzato la sua prima mostra personale nel 1973, e Ivan Generalić è stato il suo modello:

- Quando penso di essere davvero pronto con alcuni nuovi lavori recenti, mi presento alla Galleria Hlebine. Mi occupo intensamente di pittura e, dopo aver completato gli studi, mi sono completamente dedicato al mio lavoro. Ho avuto lo status di artista indipendente per molti anni, quindi vivo di questo e per quello.

L'autore Božica Jelušić , amico di lunga data di Andrašić, è responsabile della monografia di Ivan Andrašić e i testi della monografia sono stati creati nel corso di molti anni e sono disposti ed elaborati cronologicamente.

- È una monografia specifica che contiene una poetica insieme a tutti gli altri dati autobiografici. La correlazione tra il testo e la foto è davvero forte e penso che i lettori la sperimenteranno proprio in quel modo forte.

Vjekoslav Prvčić e la stessa autrice della monografia parteciperanno al programma della presentazione della mostra e della monografia, che presenterà il suo lavoro in dettaglio, ei membri dell'ensemble Lado si assicureranno che l'esperienza sia completa .

La mostra resta aperta fino all'11 luglio.

   

 Tradotto s.e.&o. da Naive Art info



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