Juraj BALDANI
Data di pubblicazione: 05.11.1983.
L'"Ottava Mostra dei pittori contadini", che si tenne a Koprivnica nel 1954, fu per molti versi decisiva per il circolo dei pittori popolari della Podravina. Una delle componenti del suo significato è la prima apparizione pubblica del pittore Mijo Kovačić, un contadino di Gornja Šuma vicino a Molve. Il suo interesse per il "disegno" risale alla sua prima infanzia, quando disegnava con matita e carboncino come studente delle elementari. Non trascurò completamente questa passione anche dopo aver terminato le scuole elementari, quando acquisì acquerelli e realizzò acquerelli. Ciò che lo preoccupava di più erano le scene della vita del villaggio. Le ragioni di ciò non vanno ricercate al di là della situazione in cui si trovava all'epoca, di cui dice: "Mio padre era povero, eravamo in cinque bambini e il grugnito era piccolo, quindi ho dovuto prendere un lavoro di contadino subito dopo la scuola." Così iniziò a dipingere ciò che sperimentava direttamente, ciò che lo circondava ogni giorno. Il primo dei dipinti più seri eseguiti con la tecnica dell'acquarello mostra il lavoro nel campo ("Aratura") e una pausa dal lavoro del vignaiolo ("Pranzo nei Gorica"), in cui l'espressione è rivolta alla ricerca della una descrizione realistica. Il crescente interesse del grande pubblico per le opere degli artisti naïf, in particolare quelli della Podravina, non poteva fare a meno di produrre un effetto mobilitante anche su Mijo Kovačič. Nel 1953, soprattutto dopo aver appreso del grande successo della mostra di Ivan Generalić a Parigi, inizia a dipingere più intensamente con colori ad olio, prima su tela e poi su vetro. Le opere accumulate hanno chiesto una valutazione e istruzioni per ulteriori lavori. Nessuno era più adatto a questo ruolo di Ivan Generalić. Di quell'incontro dice: »1953. Ho sentito dire che Ivan Generalić, un contadino di Hlebine, era impegnato nella pittura. Sono andato da lui, gli ho mostrato disegni e acquerelli e ha iniziato a insegnarmi la pittura. Sono stato a casa sua diverse volte".
Seguirono anni di ricerche, durante le quali Mijo Kovačić costruì la sua tecnica, sviluppò preferenze per determinati contenuti e accennò a una particolarità stilistica. La sua voglia di dettagliare non è del tutto favorevole alla lavorazione su tela, quindi questo lo orienta sempre di più verso la duttilità e la trasparenza del vetro, su cui sono più visibili ed enfatizzati gli sforzi per una meticolosa lavorazione. La nuova base contribuisce anche ad una certa purificazione del colore, che diventa più chiaro e intenso. Contenuti legati agli ambienti rurali, cerca già di introdurre in essi osservazioni personali. Dopo l'incontro con Ivan Generalić e altri pittori del bacino della Podravina, il suo desiderio di proprietà si farà ancora più intenso. La variazione di una certa iconografia paesana non poteva portarlo né deliziarlo. Tuttavia, rompere i temi stabiliti era solo un desiderio che doveva essere raggiunto e ottenuto attraverso un lavoro persistente. A Mijo Kovačić non sono mancate le energie. Gli strumenti da campo sono stati sempre più sostituiti dai pennelli.
Non sono mancati alcuni riconoscimenti e supporti. Fu invitato a partecipare a una serie di importanti mostre come "Villaggio e contadini negli occhi di un artista contadino" tenutasi a Zagabria nel 1955, "Naive Artists of Jugoslavia" a Belgrado nel 1957 e con lo stesso titolo a Lubiana e Skopje e nel 1958 a Zagabria. Nel 1960 ha nuovamente partecipato alle mostre rappresentative "Yugoslav Naive Art" a Samobor e "Naive Art of Jugoslavia" a Zagabria. Come sintesi di quel periodo e dell'ascesa del pittore ai vertici della nostra produzione naif, nel 1961 arriva la sua prima mostra personale organizzata dalla Galleria d'Arte Primitiva di Zagabria. Questo ha definitivamente confermato la sua inaugurazione nella cerchia di quei creatori la cui qualità si distingue dalla media e dalla massa del movimento naif. L'opera di Mijo Kovačić è assemblata da una serie di segmenti tematici e stratificata nella sua crescita interpretativa. La base è solida e posata nella località a cui la nascita e le prime esperienze di vita lo legano. Sono scene di vita in campagna che conservano un'essenza realistica nell'indicazione dell'azione e consentono solo l'immaginazione nella formulazione dei dettagli. Vivendo nella zona delle foreste e dell'acqua — il "corpo morto", lo stagno, la Drava e i suoi affluenti, che spesso straripano e allagano il terreno circostante — ha potuto sviluppare e accendere la sua propensione alla fantasia proprio in questi ambienti di panorami pittoreschi e atmosfere bizzarre. Questi erano gli elementi che ha incontrato nella realtà e che gli sono serviti come l'inizio di un'avventura che porterà il rapporto tra il reale e l'irreale in una nuova costellazione.
Scene della vita del villaggio sono basate sulla mia esperienza, ma segnano anche un forte legame con altri pittori della cerchia naif della Podravina. Si tratta di un'iconografia definita, priva di problematiche sociali e di coinvolgimento rivoluzionario, tipica della prima fase della "scuola pittorica di Hlebine". Mijo Kovačić riprende i motivi, cercando di seguire la tradizione nel contenuto e di fornire una descrizione realistica del lavoro del villaggio e del modo in cui viene svolto un determinato lavoro, l'abbigliamento, il comportamento nelle diverse situazioni quotidiane, i costumi tipici e altre manifestazioni della vita. Nella sua percezione degli eventi, infatti, è sempre rivolto al passato, alle immagini che la sua infanzia ha impresso nella sua mente e alle storie che si sono tramandate di generazione in generazione come tradizione orale. L'adesione all'antichità e una vita più direttamente connessa alla natura si esprime soprattutto nell'architettura rurale, negli abiti dei personaggi e negli oggetti a cui servono. Quando compone scene di genere, Mijo Kovačić presta particolare attenzione al paesaggio, che gli serve come una sorta di decoro, senza il quale l'atmosfera ambientale del target pubblico sarebbe alterata. L'urgenza di una narrazione esauriente lo spinge alla complessità della visione. Il centro delle composizioni è occupato dall'azione di base interpretata da un gruppo di personaggi con movimenti precisi. La loro mobilità, contatto reciproco e complemento reciproco rendono la scena naturale, convincente e comprensibile. L'evento in primo piano è molto spesso contrappuntato da uno o più gruppi sullo sfondo che sono impegnati nella stessa o in un'altra opera. Dinamizzando così lo spazio con punti vivaci, ai quali, oltre alle figure dei contadini, vanno aggiunte le figure degli animali domestici, trova un contrappeso nella staticità delle case di campagna, degli alberi e di altra vegetazione. Disposizioni diagonali e diminuzioni aprono penetrazioni nella profondità dove all'orizzonte si fondono colline, pianure, boschi o acqua in uno scontro quasi impercettibile con il cielo. Il punto di osservazione piuttosto elevato del pittore gli consente di controllare lo spazio che si estende "come nel palmo della sua mano". I temi sono: ingrasso dei maiali, raccolta a fulmine, lavorazione dei mattoni, aratura, raccolta delle mele, trasporto del legno, taglio dell'erba, raccolta del mais, boscaioli, mazze, raccolta dei funghi, trasporto del vino, lavori in vigna, porcilaia, mucche all'abbeveratoio, ritorno da campi e altre scene legate direttamente o indirettamente agli affari rurali. Questo gruppo comprende anche scene in cui il pittore esprime umori rurali, come, ad esempio, un cortile in inverno, l'arrivo della primavera, un cembalo, una gita, un villaggio in inverno, la preghiera nella natura, l'amore in un campo e situazioni simili in cui l'enfasi non è sulla trama ma su una certa condizione.
Come altri membri del circolo naif della Podravina, Mijo Kovačić insiste sui dettagli, soprattutto quando si tratta di vegetazione. I suoi alberi sono meticolosamente realizzati, sia che rappresentino una crescita rigogliosa o rami spogli. Proprio vicino a quei rami spogli ci sono dei grovigli che Ivan Generalič chiamava "polmoni" perché assomigliano a una radiografia dei polmoni. Con la stessa cura furono costruiti erba e fiori e gruppi di case costruite con canniccio, intonacate di terra e ricoperte di paglia. Ciò che lo separa dalla tipica scena di genere Podravka è nella formulazione dei personaggi. La compattezza della figura di Mijo Kovačić ha assunto connotati caricaturali-grotteschi, che si esprime soprattutto nella forma del viso. C'è stata una deviazione della realtà verso la maschera immaginativa. Il pittore sembra non essere interessato all'individualità del personaggio, ma piuttosto alla sua immagine di una particolare posa o reazione psicologica. Una certa mostruosità è accentuata dalle smorfie che assumono i volti, oltre che da sproporzioni e deformazioni anatomiche. Cancellando l'identità degli attori nelle sue scene, Mijo Kovačić li porta nelle sfere dell'indefinito e segna così il percorso verso l'irreale. Quegli zigomi sono l'indicazione di qualcosa che è nato nella culla del locale, ma con il suo aspetto ha iniziato a cercare il generale, a tendere all'universale.
Mentre nelle scene di vita del villaggio l'acqua appare solo occasionalmente e parzialmente come parte integrante dell'arredo, nel gruppo di dipinti, che io provvisoriamente chiamo scene d'acqua, essa assume un ruolo paritario nella modulazione del paesaggio e partecipa logicamente la componente di contenuto. Il meraviglioso mondo delle paludi con una vegetazione rigogliosa e impraticabile è nascosto. nidi di uccelli, ceppi d'albero marci, alberi e piante acquatiche, pesci e, soprattutto, un'atmosfera spettrale — hanno attratto Mijo Kovačić sia come pittore che come narratore. Un desiderio latente di esaurire nel dettaglio la sua esperienza di aperitivi ed eventi. Ero particolarmente soddisfatto in un ambiente del genere. L'iniziativa riparte da scene realistiche come la raccolta di uova di uccelli, la cattura di pesci o la cattura di uccelli. Il paesaggio è vicino a quello che Danomice osserva nelle zone umide della costa della Drava. Il superamento del limite dell'immaginazione avviene nel momento in cui il pittore trasforma la natura percepita in una nuova disposizione. Cambia il rapporto tra forma e colore per enfatizzare le caratteristiche dell'atmosfera. Con la bizzarria del colore, l'illuminazione o l'oscuramento delle singole parti con l'effetto luccicante dell'acqua, realizza la trasformazione di un paesaggio reale in uno spazio irreale. La composizione in questo gruppo mantiene anche l'azione principale in primo piano con possibili echi paralleli in profondità. Il ruolo del paesaggio è ancora dominante e riempie l'intera superficie del quadro, dissolvendosi nella prospettiva lontana. Particolare attenzione è stata riservata alla vegetazione, non solo nel cambiare le tipologie di alberi, piante e fiori, ma anche nella meticolosa realizzazione di ogni più piccolo dettaglio. I personaggi sono ancora più grotteschi che nelle scene della vita del villaggio, con un accento esplicito sugli abiti colorati e la cosa più importante per i volti di Kovačić: le guance caricate. In alcuni casi, questi volti sono inespressivi e osservano l'ambiente circostante quasi disinteressatamente, mentre in altre situazioni sbavano dell'evento e reagiscono a modo loro: con una smorfia. In quelle scene sull'acqua si apre il problema della metamorfosi in qualcosa che, arricchito di fantasia, assumerà nuovi significati. Gli spazi quotidiani si trasformeranno gradualmente in misteriosi con nuove pulsazioni e fluidi.
Avendo l'opportunità da bambino di conoscere la natura del fiume Drava non regolare, Mijo Kovačić ha molto spesso realizzato questo tema nelle sue composizioni sia come messa in scena con altre scene, sia come rappresentazione esclusiva del disastro. In questi dipinti appare un nuovo elemento di contenuto, che è la meditazione del pittore sul silenzio dell'uomo in relazione ai fenomeni naturali. L'atmosfera minacciosa dell'acqua versata, già presente nelle scene sull'acqua, ora ha attori che intensificano questa paura con la loro presenza, pose e azioni. Figure umane si ergono come osservatori inermi spostati dal centro della composizione, per sottolineare ancora di più il predominio della forza indomabile e del potere distruttivo del fiume traboccante. Enormi uccelli stanno iniziando a stabilirsi sulla scena e, con il loro volo sul paesaggio, si comportano come inquietanti segni di distruzione e devastazione. Sebbene alcune di queste rappresentazioni di alluvioni rappresentino, di fatto, un paesaggio puro con architettura rurale - nel tessuto della rappresentazione, in alcune forze interne si manifestano inquietudine e agitazione. È qui che emerge la capacità del pittore di infondere una visione apparentemente calma con una certa inquietudine generale, una vibrazione minacciosa sotterranea. Le immagini con spazi allagati hanno le loro interpretazioni cromatiche distintive. Le parti di cielo e acqua, come due masse contrapposte, si riflettono l'una sull'altra e sull'ambiente, nel cui registro si trovano una vegetazione rigogliosa e varia e case arcaiche. Sono proprio queste relazioni cromatiche in fantasiose sfumature tonali e bizzarre luci che contribuiscono alla definizione finale dell'atmosfera. E quell'atmosfera apparentemente irreale e decorativo-scenografica suggerita dai colori di Kovačić ha la sua origine nelle albe e tramonti miracolosi con effetti di luce e colore eccezionali che sono una realtà quotidiana nel paesaggio della Podravina. Mijo Kovačić ha attribuito una funzione a questo fenomeno naturale e, modificandolo concretamente secondo un tema accuratamente organizzato, otterrà gli effetti desiderati all'interno della composizione. Rilasciando le forme e i colori delle sagome naturali, il pittore ha ottenuto una nuova qualità dell'atmosfera dello spazio.
Mentre le scene della vita del villaggio e le scene sull'acqua sono di un narratore estremamente lunatico che delizia il paesaggio, l'architettura e i personaggi fino alla saturazione, Mijo Kovačič appare in un'edizione completamente diversa nel paesaggio invernale. La riduzione delle forme e il minimalismo dei colori sono manifestazioni di uno stato d'animo completamente diverso, che tende sostanzialmente a una situazione surreale. L'inizio è, però, una visione realistica del paesaggio invernale della Podravina con grandi distese innevate, borghi e alberi rari che fanno capolino dal manto nevoso e atmosfera satura di aria. Sulla base di queste esperienze, Mijo Kovačić costruisce la sua poetica del paesaggio invernale, in cui utilizza le forme purificate levigate dalle dolci linee ondulate del mantello bianco come principale forza eclatante. In questo modo risolve la zona di pianura e la fascia di terreno collinare, mentre ritma la purezza del cielo con poche nuvole, che, agli antipodi, bilancia i gruppi di case o piante nella parte centrale del quadro. Spostando la rappresentazione del villaggio dal primo piano in alto nella zona centrale della composizione si libera spazio ed enfatizza ancora di più l'impressione del fantastico. L'intenzione delle formulazioni compositive è seguita di pari passo dalla tavolozza quasi monocromatica. Il bianco dominante sulle tonalità giallo-verdi dell'insediamento fino al cielo bluastro, arancio e nero scorre in gradazioni dolci e impercettibili con adeguate formulazioni di forme paesaggistiche. Un albero, un carice o un'erba è solo un germoglio solitario nel bianco nevoso, che esalta ancora di più la visione spettrale dello spazio. In queste esperienze invernali, Mijo Kovačić, da un lato, aspira a una calma soprannaturale e sembra voler dipingere il silenzio oltre a quello osservato. D'altra parte, quel silenzio porta dentro di sé il segno della morte, una natura che ha smesso di crescere, temendo la fine dell'esistenza. La purezza di questi paesaggi nella forma, nel colore e nell'atmosfera è una delle invenzioni specifiche di Mijo Kovačić, grazie alla quale Vladimir Crnkovič gli assegna un posto corifeo nello sviluppo dell'arte naif della Podravina. Dice: "È stato con tali vedute innevate invernali purificate che si è allontanato maggiormente dalla morfologia di Hlebine e ha realizzato la sua soluzione assolutamente personale e completamente nuova dello spazio paesaggistico".
Il dramma contenuto nei paesaggi innevati di Mijo Kovačić sarà esaltato dalla presenza dei personaggi fino al culmine. Coerentemente con la tesi sulla pittura di cadaveri in natura, in questi dipinti la figura umana appare anche come cadavere nel contesto di eventi tragici. Che si tratti di una rappresentazione di una figura anonima congelata nella neve, di un'associazione con l'evento storico di una colonna di partigiani congelati su Matić poljana, o di una visione pittorica del poema "La grotta" di Ivan Goran Kovačić - la morte è sempre presente in un'impressione altrettanto violenta come una violenta interruzione dell'esistenza. Nella sequenza di quell'iconografia con una combinazione di macchie di neve e acqua sversata, è stata creata la composizione "Nudo e morto", la cui impressione è esaltata fino all'esaltazione introducendo le figure di avvoltoi che attaccano un cadavere. Nell'apparente pace di quei cadaveri e di quelle teste, il nervosismo dei brividi cova sotto la cenere, l'impressione nauseante dell'orrore e il respiro inquietante dell'alienazione. Il pittore condensa il pensiero dell'esistenza alle ultime conseguenze della durata. Le composizioni di paesaggi innevati invernali nell'opera di Mijo Kovačić rappresentano il contrappeso, o il contrario, di visioni in cui la vita fiorisce. Sono l'opposto della giocosità delle forme e dei colori, della moltitudine di dettagli e tonalità, nonché delle indicazioni di eventi descritti attraverso i dettagli di azioni e movimenti. Nella loro nudità, semplicità e purezza, esprimono le qualità dell'allucinato e del surreale e, come aree di confine dell'immaginazione e del sogno, riversano elementi della realtà nel mondo dell'irreale. La capacità di dare all'atmosfera l'interpretazione voluta dai cambiamenti nella determinazione delle singole aree, ha permesso a Mijo Kovačić di creare atmosfere di pura fantasia attraverso mutazioni di forme e colori. Così, i fenomeni naturali sotto il suo pennello, senza perdere le loro caratteristiche essenziali, si trasformano in storie o situazioni fantasmagoriche, i cui enigmi toccano talvolta la sfera del misticismo. Ecco perché ha pensato alla somiglianza con la scenografia teatrale: il confine tra il reale e l'immaginario.
Il gruppo di dipinti con motivi di nature morte trova la sua origine anche nella realtà degli oggetti di provenienza podravina e nei paesaggi di quella regione. L'impressione dell'immaginazione arriva solo attraverso la creazione di posizioni nella composizione, quando si ottiene una nuova impressione di spaziosità con le relazioni di ingrandimento, ridotto e vicino-lontano. Lo schema della soluzione è quasi tipico: sulla tavola, con o senza tovaglia, vista dall'alto, sono disposti vasi e ciotole in ceramica o contenitori di legno con frutta e verdura, che si trovano anche sul piano del tavolo. La rappresentazione del gruppo così disposto è in primo piano e occupa quasi i tre quarti della superficie. Ciascuno degli oggetti è realizzato rigorosamente in modo oggettivo e con la sua modellazione, elaborazione dei dettagli, colore reale e straordinaria plasticità suggerisce una situazione iperrealistica. Ciò che contribuisce in modo particolare alla comprensione di questa realtà come prodotto del surreale, è sullo sfondo del quadro come una specie di boccascena. Gli elementi minuscoli del paesaggio hanno qui una doppia funzione: creano l'illusione di una terza dimensione dello spazio profondo e, confrontandosi con gli oggetti in primo piano, oggettificano per confronto la loro dimensione, che appare ipertrofica in tali relazioni. L'attaccamento dei paesaggi alla natura morta è più un carattere spirituale che artistico. Vale a dire, come nelle altre sue forme espressive, Mijo Kovačić connette cause e conseguenze, embrioni e frutti - così lo ha fatto in un certo modo nel caso della natura morta. Ha aggiunto alle colture il terreno su cui sono cresciute, l'ambiente del villaggio con cui sono organicamente legate. Sebbene molti di questi paesaggi sperimentino la loro trasformazione in disegni fantasiosi, e quindi assumano il carattere di uno scenario illusionistico, non perdono mai le loro caratteristiche di base. Le nature morte di Mijo Kovačić sono le più localistiche e gli oggetti offerti alla vista sono un vero documento di vita rurale non toccata dagli orpelli della civiltà tecnologica. Tutto qui veniva fatto dalla mano di un operaio: la tavola, la ceramica, il pane, la tovaglia di lino e il cavo di legno: e tutto veniva piantato, coltivato e raccolto dalla mano del contadino: mele, ciliegie, cipolle, peperoni e tutto il resto.
Mijo Kovačić compone ritratti in modo quasi identico alle nature morte, tranne per il fatto che sono indicatori della struttura spirituale delle immagini provenienti da fonti completamente diverse. Una tavola imbandita con piatti, frutta e verdura è in primo piano nella trama, con un busto di figura con testa dominante, mentre sullo sfondo, in prospettiva, si allunga il paesaggio della Podravina con campi, colline, acque e borghi. I personaggi e i loro costumi sono ripresi dalla tipologia della regione, ma con una visibile deviazione verso il bizzarro. Così come partiva dalla realtà e dall'autoctonia della Podravina per tutte le formule tematiche e motiviche, così anche nell'ambito dei ritratti trovò appoggio nella sovrastruttura nelle persone di quella regione, esprimendole in una proiezione intima.
I personaggi umani nelle composizioni di Mijo Kovačic sono sempre raffigurati con alcune deformità attraverso il concetto di caricatura e grottesco. Questo atteggiamento nel trattamento delle figure, e soprattutto dei volti, è mantenuto dal pittore nei ritratti, solo che sono deviati dalla realtà e diretti all'analisi del carattere, e non sono solo dati formali. Anche la selezione del modello gioca un ruolo importante in questo lavoro. Mijo Kovačić ha un fascino speciale per i lineamenti del viso più accentuati, la pronunciata ruvidità e in una certa misura l'evidente ottusità. Sono i rappresentanti di persone speciali e rinnegati della vita quotidiana, personaggi della tradizione orale registrati nei ricordi e nei ricordi degli abitanti del villaggio per il loro aspetto e comportamento insoliti. Il loro abbigliamento testimonia la povertà latente, l'abbandono agli elementi della vita, portandolo solitamente al dispiacere.
Per questi, quasi, simboli di povertà e perdita in termini di vita sociale, Mijo Kovačić mostra una comprensione speciale e li elabora come reliquie uniche. Nei suoi dipinti, sono figure mitiche ugualmente preziose per concetti di icone. La perfezione nella padronanza dei dettagli verrà particolarmente in primo piano quando si crea la fisionomia. Il pittore attribuisce al volume lo stesso valore che al più piccolo puntino dell'epidermide o pelo dei capelli e della barba. Non vi è alcun punto scoperto nei cui pori non sia entrato l'intervento del pennello. I volti, tra cappotti rattoppati e consumati e berretti o cappelli, assumono espressioni tessute da innumerevoli minuscoli effetti da pori di plastica e rughe a peli aghiformi. Il colore segue quella descrizione con tutte le sue intensità. La sua lucentezza e ricchezza scorrono in una ricchezza di sfumature che indicano la temperatura della situazione in cui si presenta il modello. Un problema particolare è posto dalle espressioni facciali del ritratto di Mijo Kovčaić. Emergono dalla forma e si manifestano attraverso l'apparenza di una maschera rassegnata. Questo limite del fisico non spettacolare nella posa secondo gli impulsi interni che restano sotto l'epidermide, viene superato solo in un piccolo numero di casi. Di norma, queste fisionomie sono sigillate ermeticamente nei loro pensieri e sentimenti. Di fronte alla realtà della vita, questi ribelli hanno mantenuto la pace, la dignità e la serenità. I loro volti non reagiscono agli eventi che li circondano. Se qualcosa sta accadendo, allora è nel loro interno, che si riconosce più dall'intuizione che dall'occhio.Non sforzandosi di farsi portavoce di certi stati spirituali, i ritratti di Mijo Kovačić dimostrano tuttavia una fatale smarrimento e alienazione, per cui perdono le caratteristiche di il locale e assumere le dimensioni del concettuale.
Il paesaggio sullo sfondo, come per le nature morte, è di carattere secondario e si riferisce all'ambiente da cui provengono le figure ritratte. La corrispondenza tra il modello e il paesaggio si stabilisce ancora più in termini di contenuto che di espressione. Anche qui vengono confermati gli sforzi di Mijo Kovačić per raccontare la sua storia fino in fondo con dati succosi e numerosi. Mijo Kovačić realizzerà la simbiosi dei grigi nei suoi sforzi artistici in grandi composizioni. Parziali invenzioni nella progettazione di paesaggi, architetture, figure, ritratti, acque, nature morte e altri elementi percepiti si intrecciano in un nuovo organismo in cui i tratti essenziali della battaglia umana e i fardelli insormontabili che l'accompagnano parleranno dall'antico e autoctono. Come dice lo stesso autore, la rivisitazione degli antichi sugli obiettivi per denaro ha catturato la sua immaginazione. Storie basate su motivi biblici, l'immaginazione giocosa delle fiabe, la costante paura degli elementi, leggende, miti, ricordi di disastri ed eventi insoliti: tutto ciò ha stimolato la fantasia del pittore e la sua immaginazione ha creato immagini di scene che hanno trasformato le parole in visioni. Questo mondo mistico, presente nella coscienza della gente comune come un'idealizzazione irraggiungibile o una penitenza indifendibile, si nutre di ignoranza, superstizione e paura al punto da diventare un'ossessione. Per Mijo Kovačić, questa ossessione aveva altre intenzioni: l'espressione artistica. Una volta coinvolto lui stesso nel corso di disastri naturali e incidenti occasionali, come inondazioni o incendi, ha sentito la reazione delle masse, la psicologia del panico che attanaglia irresistibilmente le persone e crea un'atmosfera di smarrimento e impotenza di fronte a qualcosa insormontabile. Partendo dalla sua conoscenza della struttura spirituale della regione della Podravina, Mijo Kovačić costruisce parallelamente la sua drammaturgia sull'autentico e sul fittizio.
La scena, cioè lo spazio entro il quale si svolge l'intervento compositivo, non è univoco. L'azione è anche parcellizzata e si svolge in modo sincrono in più località. L'enumerazione degli oggetti si sviluppa in una sequenza che non ha continuità, ma si mantiene comunque in dipendenza logica dal tema principale. Questa ramificazione da un'idea verso differenti reazioni di forma e significato, porta alla creazione di gruppi più piccoli che in qualche misura giustificano la loro connessione. Poiché l'intenzione di base di queste composizioni è la partecipazione di un gran numero di figure a un determinato evento, sono differenziate analogicamente da reazioni diverse a un determinato fenomeno. La fantasia e la loquacità di Mijo Kovačić non hanno resistito alle sfide presentate da argomenti come "Eclissi di sole", "Giorno del giudizio", "Luce dell'Aurora", "Danza", "Alluvione", "Sodoma e Gomorra", "Ogni l'uomo porta la sua croce" e altri. In un incubo di tragedia e superstizione, misticismo religioso e ingenuità melodrammatica, oltre che allucinatoria e fantasmagorica — si dipana una trama in cui il concetto di cataclisma assume talvolta significati opposti, tanto che alla fine si comporta più come una raccolta di frasi subordinate allo sforzo per la salvezza. In tali situazioni, il pittore integra il suo vocabolario con personaggi e oggetti completamente immaginari, ma ciò che è ancora più importante, colloca anche quelli del mondo reale in posizioni insolite e relazioni reciproche, creando situazioni surreali piene di significati minacciati.
Il paesaggio in cui si svolge il soggetto è l'unica zona statica e un po' calma della composizione. È solo il colore che lo trasforma in un partecipante adeguato all'evento. L'architettura sperimenta già due trattamenti diversi: se è sullo sfondo, convive con la tranquillità del paesaggio, ma se è nella cerchia degli attori, è completamente assorbita dall'azione. Le figure stesse sono disturbate all'estremo. I loro movimenti sono enfatici e i loro gesti colpiscono fino al punto di estasiarsi. È come se si facessero sforzi straordinari per la salvezza sia attraverso la preghiera e il grido, sia attraverso il martirio masochistico. Tra tutte queste scene c'è la pressione del mare, che comprime l'aria e soffoca il respiro. In senso psicologico, queste scene registrano la nudità degli impulsi e delle passioni umane. Di fronte alla verità: essere o no, tutte le debolezze, gli impulsi e le deformazioni spirituali del carattere vengono a galla. La sincerità sfrenata in una frenesia priva della paura delle interazioni reciproche, ma avvelenata dalla consapevolezza della scomparsa - dissolve tutte le valvole in modo che lo scontro tra umano e disumano diventi un problema dell'esistenza. La risposta del pittore è indiretta perché le situazioni infernali da sole definiscono l'osservatore per le sfere dell'idillio che appaiono solo come lontani accenni nelle profonde prospettive della composizione. Le grandi composizioni di Mijo Kovačić lo introducono nella lista dei narratori che, attraverso la meditazione, aggiungono un pool di esperienze, immaginazioni e reazioni emotive a dati reali. Coloro che trasformano la poetica dei dettagli nell'epopea della mitologia e della leggenda. Coloro che costruiscono assemblee fantasmagoriche di conoscenza non realistica da granelli di verità quotidiana.
Il colorismo di queste grandi composizioni si ramificava in una straordinaria ampiezza di qualità individuali e delle loro tonalità. Chiarezza, intensità e vivacità dei colori in contrappunto agli effetti luminosi raggiungono l'armonia reciproca, ma allo stesso tempo contribuiscono alla creazione di atmosfere complete delle scene e al collegamento di determinate parti. Utilizzati sul vetro, contribuiscono anche alla missione narrativa dell'artista acquisendo la sua piena espressione e raggiungendo il culmine di densità, movimento e associatività.
Nei gradienti di colori e luci, vortici agitati di corpi intrecciati nella pluralità e molteplicità di scene, paesaggi e vedute di agglomerati rurali - diventano inesauribili partecipanti sul palcoscenico di eventi in cui situazioni elementari si identificano con stati psicologici. Il colore esalta anche la surrealtà del rapporto dell'uomo nella realtà e nelle maschere con animali, cose e ambienti, e rivela l'illimitata complessità di problemi che cercano e trovano la loro permanenza tra l'estasi e l'esaltazione fino alla totale rassegnazione. Parte del potenziale interpretativo di Mijo Kovačić si riferisce a disegni divisi in due gruppi: scene di vita del villaggio e ritratti. Nei motivi, i dipinti sono identici a quelli realizzati con la tecnica dell'olio su vetro, tranne che nei disegni c'è un certo ispessimento della descrizione e la liberazione dalla descrizione completa dell'ambiente. L'arredamento intorno alla trama è stato ristretto alle informazioni di base per identificare la posizione e dare una certa prefigurazione dell'atmosfera. Sebbene il pittore si concentri principalmente sulla natura quasi documentaria di alcune opere e situazioni difficili, e metta la realtà in primo piano - in alcune soluzioni lascia più libertà nel raccontare, appaiono così dettagli insoliti. Come disegnatore, Mijo Kovačić utilizza una linea rigorosamente descrittiva di un'ampia gamma che rimane per lo più sul contorno. È sicuro, quasi sempre dello stesso spessore e intensità, e avaro al limite della descrizione minima. Allo stesso tempo, governa lo spazio, modella il volume e stabilisce connessioni. La sua sottigliezza verrà particolarmente alla ribalta nella progettazione di ritratti. Come scene della vita del villaggio, anch'esse sono prive di decorazioni paesaggistiche e appaiono nella purezza dell'indipendenza. La tesa del cappello e la sezione del mantello sono appena delineate in un profilo melodioso, mentre i dettagli sono concentrati sul viso. Domina il dettaglio della capigliatura e soprattutto della barba, realizzata con minuziose pennellate. Con mezzi minimi, anche qui il pittore ottiene il massimo effetto. Sebbene come disegnatore concepisca funzionalmente ricche scene di genere della vita rurale, è ancora insuperabile nei suoi meravigliosi ritratti in cui le nette escrescenze della linea e il voluminoso bordo del contorno analizzano il carattere, la psiche e l'umore attuale della modella.
Il ciclo dei pastelli è anche una delle espressioni artistiche di Mijo Kovačić. Tematicamente, queste opere seguono anche l'iconografia di scene di vita in campagna, scene d'acqua e nature morte, con il fatto che utilizzano una gamma di colori molto più ridotta rispetto a quella utilizzata quando si lavora con un sottologo in vetro. Sforzandosi di adattarsi al nuovo mezzo espressivo, Mijo Kovačić ha cercato di stabilire un equilibrio tra disegnatore e colorista, mantenendo la fermezza enfatizzata del contorno e riempiendo lo spazio di colore. Solo in alcune parti, soprattutto nella formulazione dei paesaggi, si usa il pastello come mezzo per disegnare e colorare contemporaneamente con diversa intensità di colore, ma anche con vari spessori di tratto. In tali soluzioni, puoi sentire tutta l'elasticità e la fluidità, nonché la morbidezza e la tenerezza della polvere pastello. All'interno delle scene raffigurate ci sono anche personaggi che hanno subito un certo cambiamento lavorando con i pastelli. Vale a dire, la caricatura e il grottesco presenti sui vetri sono qui sostituiti segnando il viso con tratti caratteristici e decisi, con un'aspirazione verso i lineamenti principali del tipo. In relazione alle opere con colori ad olio su vetro e linee, il pastello nell'opera di Mijo Kovačić rappresenta un poligono di sperimentazione, sul quale, con la levigatezza e lucentezza del vetro e la costruttività della linea, contrasta la morbidezza vellutata, la la sfumatura dell'atmosfera e la porosità della forma. La luce si adattava alla forza del bagliore, al fioco lampo del bagliore. Mijo Kovačić si unì al movimento della Podravina naif in un momento in cui aveva già alle spalle una grande fase eroica di attività impegnata, quando la sua iconografia si volse verso l'idilliaco e quando una nuova generazione di pittori era già maturata. Accettando gli impianti del dopoguerra, esplora contemporaneamente nuove possibilità, prima nell'ambito del noto, per diventare molto rapidamente indipendente dalla sua pulsione di ricerca e dirigersi nelle sfere delle sue stesse preoccupazioni. Tendente al mito, alla leggenda e alla tradizione orale, usa il terreno della Podravina come punto di partenza per una grande avventura che lo condurrà attraverso l'espressivo, il drammatico, il mistico, il fantasmagorico e l'allucinato verso una nuova realtà - relazioni e sistemi surreali - in cui acquisirà quotidianamente la dimensione del sublime, effimeramente permanente e individualmente universale. Le associazioni con il realismo di Bruegel e la fantasia di Bosch sono presenti nella stessa misura degli altri membri del circolo artistico della Podravina e dovrebbero essere intese come pulsioni naturalizzate nell'interpretazione di situazioni e condizioni che sono legate alla vita comune gravata ugualmente da superstizioni e paure, così come l'attaccamento fisico alla terra e il lavoro su di essa. Mijo Kovačić ha portato alla pratica della creazione di scene di genere e della comprensione lirica della natura, del colore puro e della realtà quasi indisturbata: un'atmosfera drammatica, esuberanza dell'illuminazione, purificazione dello spazio, surrealtà delle relazioni e fantasia della visione. Tuttavia, il contributo maggiore viene dall'articolare ambienti e scene con atmosfere desiderate che non solo sono comprensibili, suggestive e identiche agli stati, ma oltre al loro effetto psicologico emanano la necessità di meditazione su problemi e componenti essenziali dell'esistenza umana.
Scene della vita del villaggio, paesaggi lussureggianti di meravigliose configurazioni del suolo, acque rovesciate e vegetazione diversificata, spazi spettrali del paesaggio invernale, nature morte e ritratti e grandi composizioni di cataclismi naturali e stati d'animo apocalittici: questi sono il repertorio inesauribile dell'uomo e dell'artista, che è la realtà, vista dal punto di vista di un povero contadino della Podravina, ha saputo aggiungere scene di natura fantasiosa, ma anche affermazioni filosofiche sulle reazioni umane, soggette sia alla propria costituzione fisica e psicologica, sia alle pressioni che l'ambiente esercita sulla individuale sotto forma di calamità naturali, ma anche interazioni interpersonali. Il pittore commentava il mondo della realtà con il mondo della fantasia, identificava l'essenza della situazione con le radiazioni dell'atmosfera. Le pianure paludose della sua nativa Gornja Šuma, edifici patriarcali ricoperti di paglia e persone, alcuni lasciati come eredità dell'umanità - sono diventati così il palcoscenico di un teatro in cui si svolge l'eterno dramma dell'esistenza e della morte.
Tradotto s.e.&o. da Naive Art info
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