Dragutin Bešenić, vincitore del premio alla carriera

martedì 31 gennaio 2017

Nella 24esima sessione del Consiglio Comunale della Città di Đurđevac i consiglieri hanno votato Dragutin Bešenić come vincitore del Premio alla carriera. Al signor Bešenić viene assegnato questo riconoscimento pubblico per i suoi successi nella creazione artistica e per il suo lavoro come gallerista, collezionista e donatore, e in occasione del quarantesimo anniversario della pittura e delle mostre.

Dragutin Bešenić è nato a Virje il 4 novembre 1949. È attivo sulla scena artistica dal 1977 come artista indipendente, gallerista, collezionista, donatore ed editore, e quest'anno celebra il suo 40° anniversario di pittura ed esposizione.

Dragutin Bešenić è un pittore di invidiabile cultura artistica, abile nell'olio su vetro e su tela, ma pur sempre fortissimo nell'acquerello. Partecipa a 186 colonie artistiche in patria e all'estero. Dal 1979 ha esposto in modo indipendente in 35 mostre in Croazia e in Europa e ha partecipato a oltre 250 mostre tematiche. È stato incluso nella monografia "Il miracolo dell'arte naif croata" e nella monografia "Vent'anni di Paunovac". Insieme a Mijo Kovačić, il gigante dell'arte naif croata, ha illustrato il romanzo "L'infanzia è la scabbia del diavolo" di Miroslav Dolenc Dravski.

Nel maggio 1993 ha organizzato nel cortile della casa di famiglia a Đurđevac una mostra d'arte specifica "Colonia di amici" alla quale hanno preso parte una trentina di pittori, scultori, fotografi e ceramisti provenienti da tutta la Croazia. Questa divenne la base della futura Galleria "Bešenić". La Galleria "Bešenić" è stata inaugurata nel 1998 con una mostra selezionata di 150 opere d'arte. Il programma della Galleria cambia regolarmente e ogni anno durante Pasqua e Natale vengono organizzate due mostre a tema.

Il patrimonio della Galleria è ricco, oltre ai pezzi originali, di opere d'arte recente della fine del XX secolo, provenienti sia dalla Croazia che dall'Europa e dal mondo. Numerose sono le opere dei classici croati come Politika, Veža, Rajzer, Prica, Murtić, Gliha, Matković, Jozić, Živković, Turković e altri.

Nel 1995, nell'ambito della "Leggenda dei Picoks", Dragutin Bešenić ha organizzato una colonia artistica di pittori e scultori con una trentina di autori, e nel 2007, 2008 e 2009, insieme all'allora Centro Culturale Đurđevac, all'Ente per il Turismo e alla Città di Đurđevac, ha organizzato il laboratorio di pittura e scultura "Picok".

Dal 2011 il signor Bešenić raccoglie minerali, pietre semipreziose e preziose e lavora anche all'allevamento dell'ABONOS – una quercia che è maturata per quattro-cinquemila anni nel fiume Drava. Crea opere d'arte uniche con i suddetti materiali, che espone anche in Galleria.

Ha donato numerose istituzioni pubbliche ed edifici religiosi, e le sue opere donate si trovano nella Galleria Majčino selo a Medjugorje, nella Galleria dell'asilo Maslačak Đurđevac, nella Galleria della scuola elementare Franjo Viktor Šignjar a Virje, nella Sala religiosa di San Pietro. Jurja a Đurđevac, Galleria Jurlinovi dvori a Pimošten e altri.

È destinatario di numerosi premi e riconoscimenti, tra cui spicca la medaglia della città di Windsor con l'immagine del principe Carlo e della principessa Diana. Molti autori hanno scritto del suo lavoro: Krešimir Šalamon, Božica Jelušić, Zdravko Seleš, Danijela Bešenić, Stanko Špoljarić, Olga Vujović, Josip Palada, Igor Brešan, Edita Janković Hapavel, Franjo Horvat, Svetozar Kraljević e Lidija Levačić Mesarov.

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

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Addio alla first lady del naif croato

30 gennaio 2017

BABINA GREDA

Ieri, all'età di 89 anni, nel cimitero locale di Babina Greda è stata sepolta Ana Verić, fondatrice del circolo artistico Babogreda e membro dell'Associazione dei naif della Croazia. Era una pittrice rara e originale, un'etnografa autentica e una poetessa popolare.

È nata nel 1928 a Babina Greda e ha iniziato a dipingere nel 1957. Ha esposto in più di 100 mostre collettive e 35 personali in tutto il mondo. L'immediatezza del contenuto narrato, la nostalgia per l'antica vita rurale, il lirismo del paesaggio e la descrizione dei dettagli hanno affascinato gli appassionati di belle arti e di pittura naif con linee espressive, toni caldi e un'ampia gamma di colori. Dipinse anche oggetti di uso quotidiano e scrisse poesie e racconti lirici, ispirati alla sua terra natale, la Slavonia. La sua calda casa era sempre aperta ai sostenitori, ai curiosi e agli ammiratori della sua arte.

Parlando del carattere e dell'opera di Ana Verić, il prof. Ivan Petričević sottolinea che come donna pittrice è popolarmente riconosciuta come la prima donna dell'arte naif croata.

- Come ricercatore specifico autoctono e custode dell'antica cultura popolare, ci lascia un'opera artistica significativa nel contesto croato. Ana Verić, attraverso molti anni di lavoro e di abnegazione, ha raccolto, conservato ed esposto nella sua casa una collezione di oggetti etnografici, registrati come monumento del patrimonio culturale, e quindi deve essere stata un'autentica lavoratrice della galleria-museo - ha detto la prof. . Petricevic.

Ana Verić ha ricevuto il Premio alla carriera della contea di Vukovar-Srijem. Ha parlato della sua dipartita nella canzone "Quando non sono tra voi", / guardatemi in foto. / Leggimi nelle poesie. / Quando l'anima sale, / conserva per me gli oggetti d'antiquariato." M.L.O.

UNO SCONOSCIUTO LACKOVIĆ - PITTORE-DISSIDENTE

Autore: Mladen Hanzlovskij
Editore: Golden marketing - Libro tecnico, Zagabria
Anno di pubblicazione: 2007
Numero di pagine: 113
Formato: 25x25

Prefazione 

Ivan Lackovič Croata è certamente uno degli artisti croati più importanti del nostro tempo. Sia il pubblico che la critica lo hanno riconosciuto per la sua espressione distintiva e l'onestà artistica. Quel fatto; per quanto positiva, aveva anche il suo lato opposto: creava una schematizzazione nell'interpretazione dell'opera, fermandosi il più delle volte a Lackovič come pittore dalle connotazioni liriche. Una propaggine dell'arte naif di un mondo poeticizzato, trasferito in uno stato di idillio, lontano dalla durezza della realtà.

 

Certo, dopotutto Lackovič è un pittore. la sensibilità, la capacità di scoprire la bellezza nella ruvidità dell'apparenza e del comportamento, sensibile nel dialogo con la realtà. Ma anche una persona che capisca davvero la sensazione del vivere intorno a lui, il dramma di cui è testimone, le uccisioni di cui è circondato, la storia di cui è partecipe nel segmento del tempo. Lackovič porta la dimensione della compassione umana nella spiritualità della dichiarazione.

Dipingendo su vetro, ed esprimendosi attraverso numerosi disegni, Lackovič ha scoperto la stratificazione dell'anima e la stratificazione del tempo, trasformando motivi apparentemente semplici in messaggi significativi; nelle interpretazioni del primo strato di osservazione, l'evento trasferito in esperienza, ma anche la materializzazione di un'idea che andava oltre il significato primo del movente. Mladen Hanzlovsky analizza pornograficamente l'iconografia di Lackovič, dimostrando in modo convincente che molte rappresentazioni hanno un significato più profondo di quello che offre il fascino della storia.

 

In quasi trenta capitoli (cerchiati ma sempre con una forte connessione), l'autore segue i cambiamenti nelle capacità di Lacković, la crescita di un impegno non aggressivo ma molto coraggioso e il suo atteggiamento nei confronti degli eventi sociali in Croazia e Jugoslavia. Viene data anche una chiara genesi dell'arte naif- tanto la poetica quanto il modo di organizzare, cioè il rapporto settario delle istituzioni specializzate. Si susseguono realizzazioni di alto valore, ma accenna anche alla perniciosità della commercializzazione con la comparsa dell'epigono di quell'aspetto dell'espressione artistica. Sottolineandone l'autenticità, l'autore sottolinea anche l'altissima portata della cultura croata degli anni Sessanta e Settanta del Novecento, emarginata nella Jugoslavia unitaria. Con eccezionale conoscenza della materia, Hanzlovslcy analizza il ruolo della cultura in tempi di dettami politici e soppressione delle libertà personali; comprensibilmente, non solo della cultura ma della diffusa negazione della libertà di espressione. Principalmente nell'espressione dei sentimenti e delle aspirazioni nazionali, seguendo il significato dei grandi della cultura croata, sul piano artistico e letterario - Hegedušič e Krleža, o nella storia successiva - Križanić; i loro ruoli in circostanze meteorologiche complesse.

 

Tutti questi elementi, situazioni e persone sono una cornice per comprendere la profondità dell'abilità di Lacković. Il disegno è la tecnica predominante che serve ad Hanzlovski per penetrare nel carattere essenziale del punto di vista umano, filosofico e politico di Lacković. Nell'immediatezza del disegno si esprime nel modo più pieno la ricchezza dell'intimo, l'intreccio dell'universale e del nazionale. Lacković fa uso di metafore e simboli nella certa letterarietà delle scene, nell'interpretazione del concreto e, nonostante la censura, sono state esposte anche opere dal contenuto insolito. Non è necessario cercare temi associativi in ​​un gran numero di scene per comprendere l'intenzione di Lacković. Nell'immediatezza e nell'ambiguità. Ad esempio, le stelle nel cielo rappresentano il filo, le lunghe processioni dei pellegrini sono la Via Crucis dei croati, cinque o sei donne in nero preannunciano il destino delle repubbliche jugoslave, lo stemma tra le spine è la posizione della Croazia, gli uccelli neri sono una premonizione della sfortuna del popolo. In una serie di cartelle grafiche - come quella dedicata a Krsto Hegedušić - il pensiero con i motivi è identico. Anche durante la guerra nazionale, Lacković ha reagito con un dipinto: ha trasferito su carta il dramma dell'uomo e della nazione. Usando i segni della sensibilità cumulativa, evitando il vuoto dell'illustrativo e il fasto del pittoresco. E le note liriche da camera vanno oltre la letteralità, e anche in esse si percepisce la forza dell'epopea. Hanzlovsky segue le reazioni all'arte di Lackovič di eminenti critici in Italia e Francia, così come la popolarità tra il pubblico osservata nel lontano Giappone. Gli stranieri hanno invece riconosciuto la metafora di Lackovič, la sua posizione esopica (spesso sottolineata da Hanzlovsky) di grande artista che per molti versi sfugge alle convenzioni. E solo a volte si è fatto riferimento a una diversa lettura di Lacković. Ottimi critici hanno saputo descrivere brillantemente la poetica dell'arte, ma le metafore di Lacković sono state lasciate da parte. E Hanzlovsky ha precisamente presentato il maestro della penna e del pennello sotto una nuova luce con precisione documentaristica... ogni giorno verso una nuova immensità.

 

Stanko Spoljarič

Mostra dei fratelli Stolnik

Galleria d'arte primitiva

Zagabria

25. 5-13. 6. 1971.

grgo gamulin

"Ho trovato la libertà artistica per molto tempo e nella mia patria ",

Slavko Stolnik
Giuramento davanti a  Gubec, 1970

scrisse Slavko Stolnik nella sua biografia. - Siamo sorpresi da qualche significato nascosto di quelle parole. Scrivere una prefazione al catalogo di questa mostra ero propenso a capire che il pittore stava pensando a qualcuno nella sua libertà espressiva; Ma sembra che nella coscienza di Slavko Stolnik, le cui circostanze (la sua personale e quella "generale", inaccessibili alla sua volontà e coscienza) banditi dalla soglia del successo nel suo remoto e povero villaggio, ha creato una nozione più profonda di "patria" che farà dare sicurezza e libertà. Dopo tante peregrinazioni e anche i primi facili successi a Zagabria, fin dal  suo ritorno nel 1963, dieci anni nel suo villaggio a coltivare la terra, e l'immagine per brevi giornate invernali alla luce di una piccola finestra, accanto alla stufa in una casa povera e fatiscente; e lì è lui - con fede ossessiva nel suo talento e in qualche ipotetico successo futuro - intrecciati se stesso e il bozzolo del tuo mondo separato. Centinaia di disegni in un armadio , in soffitta decine di quadri, sculture di argilla essiccata, e nelle sue parole una tale pace e sicurezza che ci meravigliamo con stupore: come poteva placare in se stesso tutte le amarezze, le incomprensioni e le ferite che ha vissuto a Parigi? Così è questo l'oblio in casa, in patria?

Slavko Stolnik
Chiesa, 1969

Era come se avesse compensato tutto questo con la sua fantasia cromatica con cui, nella penombra dell'inverno, dipinta sui suoi vetri; da qui il nostro stupore quando  siamo già nel 1970 e tolse dalle pareti quadri e li allineo in cortile, contro il muro della casa natale. Era evidente, naturalmente, che la mancanza di contatto con critica e con lo sviluppo della nostra arte naif, nella sua immaginazione non aiutò a formare  un criterio automatico, istintivo, che è in tanti o almeno in alcuni artisti naif realizzati; criterio, credo sul livello di mantenere, sui valori di una singola immagine o sui suoi difetti.1  

Ma la mancanza di contatto con la critica non è di certo l'unica causa di quel fenomeno; lui è alla radice di un atteggiamento naif verso il mondo, ma non è assoluto, nemmeno nel caso di Slavko Stolnik. Il pittore ha anche mostrato una rapida comprensione delle indicazioni positive che il pensiero dello spettatore poteva guardare nel quadro della sua immaginazione.

Li avevamo indicazioni basate su questo che ha messo davvero l'immaginazione di questo pittore naif in un modo speciale la posizione: valore cromatico a volte solo nel dettaglio, ma a volte in tutta la superficie, e tecnica macchie più o meno esenti da funzioni descrittive. Entrambi sono elementi in una connessione interna: la parola è infatti sul valore cromatico della macchia.

Slavko Stolnik
 La pozzanghera, 1970

1. Io stesso una volta ho sviluppato la tesi che lo è una delle determinazioni della creazione naif appunto la sua spontanea “incoscienza” e, addirittura, l'incapacità di soddisfare criteri di valore ogni singola opera; ma anche allora permisi la relatività di quella determinazione. Come molti naif artificiali a seconda del personaggio la sua arte naif (blocco) passa un certo percorso di sviluppo, così in loro cresce una certa autocoscienza e autocritica. Abbiamo avuto tutti opportunità di vedere una certa convinzione nell'autovalutazione, ma spesso una completa insicurezza.

Forse alcune conversazioni sapevano quella consapevolezza svegliarsi più velocemente o più lentamente, e questo crea il problema dell'intervento critico, ancora insufficiente documentato e studiato; e lui potrebbe dare illuminazione interessante attraverso un rilievo un po' più abilmente posizionato. (Vedi G. Gamulin, Secondo le teorie e l'arte naif, "Circle",no. 5/1965.).

Stjepan Stolnik
Tempesta nel buio , 1960

 Per la nostra arte, per questo »naif riserva", infatti, sollevata da una combinazione di circostanze (alcuni spostamenti psicologici e compensazioni per questa civiltà) in primo piano e nel piano del sociale, se non, ovviamente, storico occupazioni, e nuove fantasiose i valori hanno il significato di novità, e rinfreschi. È già successo su scala globale. C'erano valori coloristici nella scuola di Hlebine, in tutte le generazioni, ma sempre principalmente nella funzione e nella composizione degli oggetti o nella creazione dello spazio. È un caso speciale del concepito e fini riduzioni cromatiche di Ivan Rabuzin. Non c'era, tuttavia, nessuna macchia libera che crea valore nei lavori.

Si sarebbe dovuto vedere prima, dal 1955 al 1959, quando si pensava spesso che l'affidarsi alla scuola di Hlebine rendesse questo pittore (e suo fratello Stjepan dal 1960 in poi) un mero fenomeno satellite. E una grande differenza esisteva già allora, si vedeva in questa mostra su due vecchi quadri ad hoc: su "Tutti nuotano", del 1958 con grandi superfici cromatiche, e nel dipinto "Gioventù" del 1959, dove il principio della macchia viene applicato al tipico "tema storico". Ma anche questo non era il livello che Slavko Stolnik aveva raggiunto in quegli anni in tutta la moltitudine di dipinti che personalmente ho avuto l'opportunità di vedere a Parigi, nella sua piccola stanza d'albergo a sinistra sulle rive della Senna nel 1961, che erano conservate solo in diapositive a colori.2 

Sono quindi, in un certo senso, presenti anche nella storia della nostra pittura naif, e c'è e la possibilità di apportare varianti. Alcuni tra loro erano già presenti a questa mostra.

La mostra stessa ha quindi segnato una tesi all'interno del nostro "orizzonte naif", e questo è il suo significato primario. In questo senso è involontaria e polemica. È stato selezionato nel periodo dal 1968 al maggio 1971; illustrato è, quindi, l'ultimo stimolo e possibilità, non importa quante le opere erano repliche di vecchie invenzioni.

2.Ad oggi, il problema della perdita di molte opere a Parigi non è stato risolto e nessuno ha nemmeno provato a risolverlo. Secondo il pittore, è stato derubato e tutti questi dipinti sono stati tenuti da qualche parte, in che modo e con quale scusa, dovrebbero essere indagati. Ma c'è un altro modo: ridipingerli, e ricostruire almeno i migliori, durante i lunghi inverni rurali. Ha iniziato lui, dopotutto.

 

La sicurezza delle macchie cromatiche e la poeticizzazione raggiunta dai loro rapporti sembravano in fondo qualcosa di nuovo.

Questo è apparso anche in scene narrative, in aneddoti rurali, in un paesaggio in particolare. In "scusate"

creato in piccoli tratti, e soprattutto sui due straordinarie e nuove opere narrative: "Giuramento davanti a Gupac" e "Contadino buna ". Il loro significato lontano va oltre il livello della mostra, ma anche perché

un modo speciale di interpretazione spontanea di un evento storico, popolare. E la realizzazione spaziale e "sobria" coloristica gli conferisce uno speciale "valore artistico" e luogo all'interno della nostra arte naif in generale. Ma non è questo a modo suo e in spazi paesaggistici profondi ("Prima del Sud"),in alcuni Fiori, in un quadretto straordinariamente giocoso "Il cavallo e il pascolo", e non senza fine e nullità (spontanea, evidente) nella "Chiesa", composta in modo che tutte le dimensioni e tutte e quattro le pareti siano visibili. Ci sono alcuni, in il chiaro di luna, per esempio, un lirismo sognante che è impossibile spiegare all'interno della nostra narrativa naif.

Ovviamente si tratta di un espressionismo spontaneo della direzione coloristica, raro nell'arte naif mondiale, e quando ci siamo imbattuti nella mostra nel dipinto "Mlaka" (creato come variante di un dipinto più piccolo) è chiaro che nel caso di Slavko Stolnik si tratta di un talento innato, che con libero (fittizio) i rapporti cromatici possono creare opere di straordinaria bellezza. Come qualche nuovo, o tardivo, o eterno espressionismo, questo dipinto da I Frutti del Basso potrebbero significare l'inconsueto valore della pittura naif su scala globale quando c'è la possibilità di una decisa selezione, o di tali suggestioni che non danneggerebbero l'autenticità del rapporto ingenuo, ma potrebbero comunque, con grande cura, rompere il "blocco" questo rapporto ci separa dalla coscienza moderna e dai criteri necessari. Vale a dire, questo criterio si sta formando sempre più nelle aree del naif. 

Con loro entra molto più prepotentemente nel corso storico dei fenomeni artistici del nostro tempo.

Come è già stato detto nella prefazione al catalogo: Stjepan Stolnik ha iniziato a dipingere anche all'ombra del fratello maggiore. Il fatto che questo fratello minore abbia esposto diversi dipinti nel 1961 alla prima mostra del club dei giornalisti croati, che erano, in poche parole, buoni all'interno del nostro livello di allora, appare come un fenomeno psicologico. I critici, e le istituzioni in particolare, non sono stati in grado di notare e coltivare che in quel momento e i valori non si sono sviluppati correttamente. Stjepan Stolnik è stato preso nella vita di tutti i giorni, isolato, senza aiuto e attenzione di nessuno, e senza alcun tipo di vendita per sopravvivere in qualche modo. E in quella mostra espose il dipinto "Tempesta nel buio" (1960), originale e nuovo, anche se troppo scuro, ma segno di qualcosa che doveva essere sviluppato. L'artista lo tenne con sé.

Dove sono le cause di queste incomprensioni? Nella debolezza materiale della galleria? Nella debolezza (quantitativa e qualitativa) della nostra attività critica? E chi, dopo 10 anni, Stjepan Stolnik potesse ancora dipingere "Spre manje drva" (1970), non significa che con qualche altra attenzione avrebbe potuto fare molto di più.

Se fossero lasciate sole, queste coscienze più o meno minacciate, più o meno soli nei nostri villaggi perduti?

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

Tratto da

 

Ivan e Josip Generalic. Mostra alla Galerie Friedrich + Dahlem, Monaco di Baviera, dal 27 novembre 1965 all'8 gennaio 1966

 

Catalogo della mostra

Monaco di Baviera: Galerie Friedrich + Dahlem Monaco di Baviera, 1965. 

Dimensioni: 24,5 x 21 cm. 

Testo in tedesco e inglese 

Pagine 29 con numerose illustrazioni ed elenco delle opere esposte.  

Ivan Generalic e suo figlio Josip provengono entrambi dal villaggio di Hlebine, a cento chilometri da Zagabria. È un villaggio come tanti nella valle della Drava. Alcuni anni fa, tuttavia, la fama mondiale è arrivata in questo posto insignificante. Perse la sua insignificanza e divenne luogo di pellegrinaggio per gli appassionati d'arte di tutti i paesi. Quello che è successo? Né più né meno che un contadino cominciò a dipingere. Fin da giovane questo contadino Ivan Generalic è andato a lavorare nei suoi campi con una matita in tasca. Nel 1931, quando espone per la prima volta i suoi quadri con un gruppo di artisti, si forma a Zagabria e si chiamata -Zemlja-, era giunta l'ora della nascita della -Scuola di Hlebine-. Ben presto diversi contadini con la passione per la pittura si raggrupparono intorno a Ivan Generalic. Oggi questa piccola colonia di pittori vede già una seconda generazione. Il fatto che un contadino esprima per immagini il suo pensiero in questa solitudine e in solitudine rimarrà, per il nostro tempo, uno di quei misteri che la vita ha in serbo per noi anche oggi. Già da scolaro, disegnatore di talento, iniziò i suoi primi tentativi di pittura con acquarelli e olio, fino a quando non scoprì la tecnica più adatta a lui per essere la pittura dietro il vetro. Questo metodo di pittura che era stato tramandato ai contadini croati attraverso i secoli, attraverso l'arte popolare. è stato ripreso da Ivan Generalic. Ha trasmesso questa tecnica agli altri pittori. È diventato il vero mezzo di espressione della Scuola di Hlebine. Quando abbiamo visitato Generalic, non abbiamo prima guardato le sue foto, ma siamo andati alla stalla per dare da mangiare ai maiali neri e alla mucca. Il posto era pieno di conigli che hanno ottenuto la loro parte. Questa non è una moda passeggera di Ivan Generalic. È rimasto un vero contadino. Tutta la fama non poteva fargli del male. Non si può dire in primo luogo cosa sia veramente: contadino o pittore. Una cosa però è chiara: la sua esistenza è legata all'uno, quanto all'altro. Naturalmente radicata nella sua terra, la sua pittura è possibile solo con le condizioni in cui vive, e solo per essere compresa attraverso di esse. Vita e arte subiscono un connubio diretto. È un uomo che vive ancora in un mondo sano. E lo leggi nello splendore dei suoi dipinti. Il felice accordo con la vita è l'incessante primavera della sua ispirazione.....

Come tutti i pittori della Scuola di Hlebine. Josip Generalic è un maestro del dettaglio che inserisce nei suoi quadri con l'abilità di un vecchio maestro. Per poter escludere il meramente accidentale che ha un ruolo nella pittura dietro il vetro, lo ha fatto, circa due anni fa, passando alla tecnica dell'olio su cartoncino. Gli oggetti, tuttavia, mostrano ancora una silhouette distinta e sono in netto contrasto con il loro  ambiente, come nel dipinto dietro il vetro. Una fonte di luce esterna o una dissoluzione atmosferica dei colori non esiste affatto nella Scuola di Hlebine. Il colore è luminoso di per sé, taglia fuori un essere umano, una pianta, una casa, o un albero, e il frutto delle nature morte duro come il vetro. Josip Generalic non ha la sua tendenza alla malinconia. I suoi quadri trasmettono un'allegria e una gioia ininterrotta in questo mondo che si immerge, almeno per un momento, nel frenetico cittadino.

Testo di Erika Billeter, ottobre 1965