Matija Skurjeni: una retrospettiva

 

Editore: Comitato per il 100° anniversario della nascita di Matija Skurjeni
Anno di pubblicazione: 1998
Numero di pagine: 77
Dimensioni: 24×30 cm
Rilegatura: morbida

Catalogo della mostra tenutasi dal 26.11.-13.12.1998. nella Galleria Gradec e nella Galleria Matija Skurjeni

In una lettera all'amico Max Brod, Franz Kafka dice: "Appena appare un uomo che porta con sé qualcosa di primordiale, in modo che non dica: il mondo va preso così com'è... ma chi dice: no qualunque cosa sia il mondo, io rimango con la mia originalità, che non intendo cambiare per volontà delle persone: nello stesso momento in cui si sentono altre parole, tutta la vita si trasforma."

SULL'IRREALE E IL REALE NELLA PITTURA DI MATIJA SKURJENI           Vladimir Malekovic

Le parole di Kafka mi sembrano particolarmente significative quando si tratta dell'opera di Matija Skurjeni, che da più di mezzo secolo suscita la curiosità di critici nazionali e stranieri.

La comoda, persino conformista, sistematizzazione di Matija Skurjeni appartiene all'"arte naif", ma una tale "classificazione", "comprensione" e "realizzazione" di quest'opera non può soddisfare coloro che cercano un giudizio oggettivo sul valore artistico della pittura di Skurjeni.

Matija Skurjeni è l'artista originale.

Insistere sulle categorie "arte primitiva" o "arte inconscia" rivela le posizioni artistico-filosofiche di quei giudici che vedono l'origine della creatività così etichettata esclusivamente nelle regioni dell'"oscura irrazionalità", mentre propugnano l'espressione "arte naif" mostra l'importanza che attribuiscono agli elementi espressivi non articolati (spontanei), con i quali non possiamo essere d'accordo: qualcosa che non è articolato non riesce a essere un'opera d'arte completa. Già W. Born ha proposto che "inconscio" o "naif" dovrebbe essere preso in considerazione come elemento speciale di un'opera d'arte solo quando è indiscutibilmente integrato nel tutto.

La consapevolezza della forma nell'artista originale scaturisce da intuizioni soggettive, e non dipende da un'unica teoria dell'arte chiusa, nemmeno dall'arte "naif" o "primitiva". L'artista originale utilizza una forma caratteristica a causa del suo significato, e non una forma significativa dal vocabolario formale di uno stile a cui la storia dell'arte è altrimenti così interessata.

La natura soggettiva della scelta delle immagini costruttive e il significato della forma consente all'artista originale di svilupparsi solo a livello di stile personale. Il termine "tkole" è l'opposto di quello... (continua)

 

Ivan Rabuzin

Ivan Rabuzin, Inverno, 1966

Galleria d'arte primitiva

Zagabria

9 Febbraio 1967 

di Grgo Gamulin

 Ai margini della nostra arte, ma con una significativa tendenza a trasformare il centro vitale sminuito (fenomeno che porta con sé una definizione simbolica per il nostro tempo), l'arte naif si sta evolvendo nell'ampiezza delle nostre vite, nonostante molte previsioni e aspettative. Si arricchiscono anche i suoi registri morfologici ed espressivi. Quindi quello che molti dicono è che si stanno diluendo. Dalle alture (o dai margini, ovviamente) della critica storica, deve essere presto possibile distinguere i veri valori in questo fenomeno.

Alla mostra di Bratislava, l'estate scorsa, ci sono state delle sorprese, e le stiamo vivendo nel nostro Paese, anche con il microcosmo chiuso della Podravina, alla mostra di Ivan Rabuzin queste sorprese non ci sono state, né potrebbero esserci. Il pittore ha una visione molto specifica e uno stile consolidato. Li ha individuati e (direi) limitati, realizzando così un prezioso “momento di isolamento”. 

Si è separato da tutto ciò che è simile all'ambiente dell'arte naïf ed è esistito per diversi anni con i suoi dipinti nel nostro paese e nel mondo. Quale può essere il compito della critica adesso? Non certo nell'accettare o rifiutare l'isolamento (di quello stile), perché la pittura di Ivan Rabuzin è un fenomeno che già esiste e non solo nelle nostre cornici. Forse quel compito è nell'interpretazione e negli impulsi iniziali? Nella valutazione di nuovi valori? O, forse, a causa delle etichette che sono "nella definizione" dell'arte naif, il critico non ha nulla da cercare, e dovrebbe sussurrare con attenzione intorno a questa creazione immediata di ex nihilo, per paura di ferire proprio il "nucleo dell'arte naif "? 

Ciò significherebbe che non ci sono alti e bassi (o nuove creazioni, quindi) e che l'identificazione dell'artista con un'espressione definita è così grande che il suo valore nello stile è con me come segno, e non in una particolare, concreta realizzazione. Ciò significherebbe anche che il critico si limiterebbe alla qualificazione, una volta per tutte, di quel segno, e l'opera dell'artista alla ripetizione o variazione.

La critica che non accetterà una simile posizione, che quindi vuole rimanere una critica, dovrà assolvere la sua funzione all'interno del fenomeno nel suo insieme, che significa in un ampio spazio dal segno artistico all'ultima esperienza intuitiva e sempre nuova prima di un lavoro particolare. 

Vale a dire, ciò che è importante e, di fatto, l'unica cosa significativa avviene in questo "spazio": l'arte dello stesso Ivan Rabuzin, il suo costante rinnovamento e mantenimento al livello raggiunto, e forse anche più alto; poiché il problema dello sviluppo e del progresso nell'arte naif è appena toccato nella sua teoria. Questa mostra di Ivan Rabuzin potrebbe dirci qualcosa in questo senso?

La sua motivazione? - Lo stesso ha fatto eco ai dipinti di Rabuzin in generale. Rabuzin ha detto in un'intervista per il catalogo della mostra: "Vivo nella natura. Il mondo visto ha bisogno di essere cambiato, piantato e tutto pronto per essere in ordine. Essere un giardino di cibo per un brav'uomo. In quel mondo dipinto io faccio ordine, pianto fiori, do il sole". Un rapporto attivo, quindi, di fantasia, benevolenza, ingenua speranza che qualcosa si possa fare, così ora sogghigno alle teste di questo romanticismo rurale che, in compenso della nostra moderna povertà, è apparso vicino, e non possiamo sfuggirgli. Allora dov'era necessario? Ci sono davvero delle lacune in noi in cui questa arte entra irresistibilmente, in alcune lacune nostalgiche che a malapena riconosciamo e di cui ci vergogniamo un po'? 

E la sua morfologia? - L'interlocutore, che ha avuto un colloquio con l'artista (R. Putar) per la prefazione al catalogo, ha posto questa domanda sull'origine di questa "brina colorata", ma ha ricevuto risposta. (1)

Non riusciva nemmeno a capirlo, perché non c'è risposta a questa naif "generatio spontanea". Ma con questa "nebbia" e con questi "veli di nebbia" Ivan Rabuzin dal 1959. costruisce i suoi dipinti, come con qualche strumento bello, ma mai indossato, che è così consolidato che il vero problema consiste in questo: Quale miracolo può questo pittore, con un registro così ristretto del suo segno stabilito, creare sempre nuove situazioni senza affaticare se stesso e gli spettatori? I miracoli segreti sono semplicemente in una diversa disposizione degli elementi o in un'esperienza insondabile e nuova, immaginaria insieme a priori e "vista" nell'interiorità?

E questa potrebbe e deve essere la funzione della critica (non certo solo in questo caso): stabilire questi nuovi valori al di sopra del limite che separa la routine dall'esperienza, e ritrovare quel limite tortuoso, spesso nascosto nella "brina colorata " (segno "artistico" di Ivan Rabuzin). È come se con un bisturi entriamo nel tessuto vivo di una cultura pittorica concreta e personalissima, in un microcosmo singolare che ci resiste con tutti i mezzi autentici a sua disposizione. Ma c'è un indizio: quando cediamo a questo bisturi davanti a qualcuno, con la nostra predestinata intenzione di criticare (con la nostra fatica, appunto), può essere almeno un segno che siamo un'opera artistica e che abbiamo bisogno di mobilitare le nostre capacità analitiche. Chissà quali sorprese incontreremo. Nel mondo dell'arte naif non ci sono solo oscillazioni, momenti sicuri e incerti della media già stabilita, ma anche ore straordinarie di concentrazione, che di solito chiamiamo ispirazione, c'è, forse, evoluzione e progresso.

Così, in questa mostra, ci siamo imbattuti in uno straordinario momento di concentrazione in "Inverno" (cat. 21), quella grande immagine in cui non ci sono molte cose, ma il ritmo unico pervade l'intera superficie. Una collina si erge verso il cielo e ci sono molte nuvole nel cielo, ma non c'è stato un ispessimento in termini di quantità o somma narrativa di dettagli. Al di sopra delle sottili sfumature delle strutture colorate, il pittore enfatizza improvvisamente il cielo rosso con nuvole rosa, e sembra che sia così che ottiene il "colpo" finale di cui questo paesaggio aveva bisogno. Qualcosa di simile è con il grande sole rosso che illumina "Viale di casa mia" (Cat. 9), un'immagine in cui questo motivo centrale sopra l'ampia strada forma un forte nucleo di esperienza, compensando così completamente la composizione sparsa. Questo è in realtà subordinato al motivo di base, un sole rosso in bilico tra due alberi e alcune nuvole bianche nel cielo. 

Probabilmente sarebbe sbagliato misurare ogni dipinto di Ivan Rabuzin con questo criterio (cioè "shock" che condensa l'esperienza e conduce "energizzazione" dell'intera superficie), perché cosa faremmo con il già classico paesaggio "Sulle colline e il bosco" ( cat. 1) dal 1960? Oggi, quando ci piace parlare di strutture in questo modo, forse il problema di quel dipinto potrebbe essere spiegato da questa semplice strutturazione della superficie in quattro fasce, con cui il pittore ha dipinto miracolosamente il silenzio dello spazio profondo. Quanti altri elementi e varie strutture mobilitò il pittore nel molto più tardo “Il mio bosco” (cat. 32) del 1966, ma senza questa forte impressione. Ma in tempi più recenti Rabuzin ha saputo affinare questa "strutturazione" ad una sottigliezza inaspettata, e forse questo è l'"altro polo" della sua evoluzione: invece di sorprendere nel tema e nel "tratto coloristico", nello straordinario "Una giornata uggiosa" (cat. 33) (1) "Inverno" del 1966 (cat. 15) cerca la poesia di paesaggi velati, con atmosfere tremolanti, trasparenti e colorate. Di fronte all'epica bellezza del già citato grande paesaggio "Sulle colline e la foresta pluviale" del 1960, ora si aprono nuove possibilità per il pittore. Forse non li ha ancora soppesati nella giusta misura, perché con i "naif" il problema della cognizione, cioè un atteggiamento critico nei confronti del suo lavoro, mi sembra del tutto aperto. In ogni caso, la costruzione dell'ambiente con l'ausilio dell'"atmosfera" ha acquisito negli ultimi anni una nuova qualità, così come il metodo "shock" ha acquisito una nuova particolarità. In "Il mio mondo" del 1962 (cat. 5), questo metodo è stato "portato" dall'invenzione nel suo insieme, bizzarra e inaspettata all'epoca. In "AIeja" (cat. 7) di quello stesso anno, indossa i cromatismi "insolenti" di grandi fiori piantati lungo un sentiero che conduce alla profondità senza prospettiva. In "Fiori" del 1965 (cat. 13) sembra che il focus sia sull'effetto inaspettato della profondità, in "Pećina ma" (cat. 31) su una nuova invenzione accompagnata da nuove "strutture". Questo è anche il caso di molti dipinti del 1966. "Due vasi" (cat. 27), "Fiori gialli" (cat. 25), "Cinque fiori" (cat. 16), mentre "La Grande Foresta" (cat. 14) esclude ogni "dépaysement surrealista, e l'" oggetto" e l'idea si riducono a un nuovo ornamento della superficie. A volte, ovviamente, ci rammarichiamo che l'ornamento di Rabuzin non sia sempre accompagnato da un'adeguata fantasia cromatica, ma siamo da tempo abituati alla sua discreta colorazione in giallo, verde e rosa. 

Una volta ho parlato del problema della "consapevolezza del proprio atteggiamento e della propria espressione naif" (2), ed è stato il caso di Ivan Rabuzin a spingermi a dubitare: dopo tante nuove esperienze e viaggi a Parigi, non è questione di programmata e sistematica " conservazione" della propria arte naif. Qualcosa di simile è stato ipotizzato da Dorival per lo stesso H. Rousseau, ma è chiaro che la vera arte naif resisterà a qualsiasi tentazione. Cioè, è per sua natura immunizzata, e ogni nuovo atto è di per sé una prova di quella resistenza. Si può simulare questa resistenza? 

Nelle evoluzioni graduali e discrete di Ivan Rabuzin, sembra che si possa trovare conferma del suo nucleo naif e, allo stesso tempo, di una resistenza non passiva, ma creativa in quel senso naif. È importante che il principio di isolamento non venga violato. Se l'isolamento morfologico di Rabuzin è il risultato della "realizzazione dello stile", come nel caso di qualsiasi vero artista naif, persisterà finché le evoluzioni menzionate si muoveranno all'interno di quello stile. Nel caso di Ivan Rabuzin, è chiaro che qualsiasi "tangente" o tangenziale uscita dal suo stile sarebbe immediatamente percepibile, perché il nostro pittore all'inizio ha avuto la fortuna che il suo isolamento fosse molto radicale: la sua morfologia distintiva era molto diversa da quella tutto ciò che si conosceva nel bacino della Podravina, e oltre, nell'arte naif del mondo e nell'arte in genere, che si difendeva in sé e da ogni "incursione". 

E la domanda rimane, ovviamente: quanto ne sono consapevole pittore? "Mantiene" la sua arte naif, il prescelto la alimenta consapevolmente e "secondo il programma"? Ma quanto è rilevante questa domanda solo per la creazione e l'autenticità di quella creazione, fino a quando sarà irrilevante? Alla prima crepa? - La crepa del "nutrimento" può manifestarsi principalmente attraverso il raffreddamento dell'ispirazione e lo svuotamento interiore, la routine della ripetizione e l'"accademismo" che è stato notato tante volte in Podravina. Una crepa di altro genere, che potrebbe segnare l'inizio della dissoluzione dello stile, potrebbe anche manifestarsi con penetrazioni non assimilate di elementi altrui, arricchimento e sperimentazione "programmatica". Entrambi sarebbero segno di un grado "più alto" di consapevolezza della propria posizione e della propria arte naif.

Ma la pittura di Ivan Rabuzin non ha manifestato questi sintomi, il che significa: la sua arte naif di motivazione è da qualche parte negli strati più profondi del suo essere, nella struttura interna del pensiero e del sentimento. Potranno quindi resistere alle tangenti e alle secanti più pericolose, quelle che nascono in costante contatto con l'alta e nervosa cultura artistica di Parigi. 

Vuol dire che il blocco artistico e psicologico è completo? Rimane ancora la domanda: è possibile e, in generale, è necessario e utile? 

Note:

(1). Catalogo della mostra nella Galleria d'Arte Primitiva, Zagabria - Febbraio 1967.

(2). G. Gamulin, Secondo le teorie e l'arte naïf, "Kolo", n. 5, 1965.

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

Tratto da

 

CHARLOTTE ZANDER -- ALLA MEMORIA, OMAGGIO A CHARLOTTE (LOTTE) ZANDER. FRAMMENTI PER UNA BIOGRAFIA

Fig. 1 Ritratto di Charlotte Zander, scattato nel 1990.

Data di pubblicazione: 09/02/2016.

Mercoledì 12 marzo 2014, dopo una lunga e grave malattia, la signora Charlotte (Lotte) Zanden, nota collezionista, dal 1971 all'autunno del 1995, è stata una gallerista di successo e rispettata nella sua casa di Monaco di Baviera, a Mauernkirchenska-sse nella metropoli bavarese , e dal 1996 fondatrice e proprietaria del primo a Njernačka e di uno dei più grandi e innovativi musei di arte brut naïf e d'avanguardia a Bđnnigheim, non lontano da Stoccarda. Nata a Krefeld il 21 agosto 1930 nella ricca famiglia dell'operaio Julius Willibald Stockhausen, appartiene alla tragica generazione la cui giovinezza è stata parzialmente distrutta dalla seconda guerra mondiale, ma ha superato tutte le difficoltà con la sua enorme energia, gioia di vivere e ambizione. Già in tenera età ha mostrato interesse per l'arte, ha studiato danza classica fin dall'infanzia ed è stata ossessionata dalla musica per tutta la vita. Dopo aver completato la scuola elementare e aver frequentato brevemente un liceo, nel 1947 e nel 1948 ha lavorato nell'amministrazione della compagnia di suo padre, ma durante tutto questo tempo ha continuato a migliorare le sue abilità nella danza, quindi dopo Krefeld ha frequentato anche la scuola di danza classica di Robert Mayer a Diisseldorf. All'età di vent'anni, per motivi di salute, ha smesso di danzare e si è concentrata sulla modellazione, e come donna estremamente bella e sorprendente, è stata una modella fotografica e si è anche cimentata come attrice cinematografica in diversi ruoli minori. Dopo la morte improvvisa e prematura della madre, nasce Gerta Blumlein nel 1950, Charlotte si prende cura della casa di famiglia, dove vive con suo padre e suo fratello di tre anni Friedrich. Nel 1956 sposò il dottor Josef Zander (1918 - 2007), ginecologo, con il quale andò a vivere negli Stati Uniti d'America, nello stato dello Utah, dove suo marito, all'Università di Salt Lake City, nel Dipartimento di Biochimica, ha iniziato ad avere una carriera scientifica di successo (nel tempo è diventato uno dei più eccellenti e conosciuti ginecologi tedeschi; nel 1958, dopo essere tornato in patria, il Dr. Zander ha lavorato per la prima volta presso l'Università Frauenklinik di Colonia, dal 1964 era a capo del Dipartimento di Ginecologia dell'Ospedale Universitario di Heidelberg e dal 1970 dell'Università Frauenklinik di Monaco). facilmente Lotte Zander iniziò a collezionare i primi dipinti votivi e dipinti su vetro di autori anonimi del XIX secolo, oltre a vari oggetti di arte applicata, in particolare vasi zin e alpaca Art Nouveau e Art Deco e vasi di vetro, già alla fine del negli anni '50, decide sistematicamente di collezionare arte dopo aver conosciuto e avvicinato il gallerista cinese Rudolf Zwirner. All'inizio dell'autunno del 1962, acquistò da lui le prime opere: dipinti su vetro di Ivan Večenaj e Mija Kovačić, presto seguiti da Ivan Generalić.

s1.2. Ivan Generalić: Delekovečka buna, 1936,
 olio, cartone, 520 x 645 mm

 Una cosa simile accadde di nuovo nel 1965, nella stessa galleria, quando si tenne una presentazione di opere di Skurjeni e Ivan Lackovic e quando acquistò anche diverse opere d'arte. Da altre fonti, ha poi acquisito altri dipinti di Mirko Virius, Dragan Gaži, Martin Mehkek, Franjo Vujčec, Emerik Feješ e Ivan Rabuzin. Una tale scelta di autori è stata una conseguenza dell'enorme popolarità degli ingenui, soprattutto dell'area dell'ex Jugoslavia, principalmente maestri della Croazia e della Serbia. Successivamente si sono svolte numerose mostre di opere di questo stile in Germania e Svizzera (Das naive Bild der Welt, Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden e Historisches Museum, Francoforte sul Meno nel 1961; Nalve jugoslawische Malerei, StkItische Kunsthalle, Wiesbaden e Museum am Ostwall, Dortmund 1961; Laienmaler, Gewerbemuseum di Basilea 1961; poi mostre Naive Malerei aus Jugoslavien, Redoute, Bad Godesberg 1963; Sonntagsmaler aus Jugoslavien, Kunsthalle, Recklinghausen 1963; Naive Kunst / Ball, Jugoslavien, Ruhrgebeit, Mathildenhđhe, Darmstadt 1964. etc.). Ben presto si concentrò sulla raccolta delle opere dei classici francesi - Andre Bauchant, Camille Bombois e Louis Vivin, oltre al polacco Nikifor e all'inglese Alfred Wallis. Segue sistematicamente numerose mostre e visita molte gallerie che si occupano di naïf, incontra galleristi, collezionisti e mercanti d'arte, e inizia a raccogliere documentazione - cataloghi, monografie, libri e ritagli di stampa - tutto ciò che riguarda l'arte e gli artisti che se ne interessarono . Nella seconda metà degli anni '60 conosce il Dr. Hans Fetscherin, coautore della famosa mostra Die Welt der naiven Malerei, tenutasi alla Salzburger Rezidenzgalerie di Salisburgo nel 1964, poi Ernst Winterberg e il Dr. Karl August Bruhn, che in 1966 organizza la grande mostra Naive Malerei aus Jugoslavien nel Volksbildungsheim di Francoforte sul Meno, poi Bruno Bischofberger, gallerista zurighese che all'epoca, oltre all'arte d'avanguardia, si occupò anche di arte naif, ecc. sopra menzionato, e alcuni altri galleristi e Kunstt-ndlers che hanno reso possibili nuove acquisizioni, ne hanno diffuso gli interessi e completano sapientemente la collezione. Tuttavia, per tutta la vita ha fatto affidamento principalmente sul suo istinto personale, ha riconosciuto inequivocabilmente i veri valori. Già alla fine degli anni '60, quando si trasferì a Monaco di Baviera con la famiglia, la moglie e i tre figli Ferdinand (nato nel 1957), Johannes (1959) e Susanna (1962), possedeva un'affascinante collezione di dipinti e sculture. Già allora, oltre agli autori apostrofi, la sua collezione comprendeva anche opere di Seraphina Louis, Morris Hirshfield, Bogosav Živković, ecc. Lotte Zander ha così gettato solide basi per la sua collezione, che ha poi costruito e ampliato sistematicamente e di proposito.

s1.3.1van Vecenaj: Japa lascia il mercato,
1962, olio, vetro, 500 x 655 mm

Ha iniziato la sua attività di galleria nel 1971, quando ha fondato e aperto Charlotte, Galerie for naive Kunst, in Munzstrasse, nel pieno centro di Monaco. Nei due decenni e mezzo successivi si trasferì più volte in nuovi locali, sempre più attraenti, adeguati e/o più grandi, che si trovavano sempre nelle immediate vicinanze di Maximilianstrasse, nel raggio ea distanza di poche decine o a centinaia di metri dalla sede del suo primo showroom ( Falkenturmstrasse, Hilde-gardstrasse).(1) Così come ha iniziato a collezionare opere di maestri dell'ingenuità croata e serba, così ha ideato e inaugurato la prima mostra firmata - Jugoslavische naive Malerel - in Novembre 1972 con dipinti di Ivan e Josip Generalić, Kovačić, Gaži, Lacković, Mehkek, Vujčec, Skurjenij, Rabuzin, Martin Jonaš, Pal Homonaj, Milan Rašić e le sculture di Petr Smajić e Bogosav Živković, ecc. Tutto questo testimonia la sua costante e profondo fascino per questo e quel tipo di arte. Nei successivi quindici anni ha organizzato più di 220 mostre personali, collettive, tematiche, problematiche e panoramiche, tra le quali spiccano: Eugen Buktenica (1973), Naive Bilder aus Bali und Haiti (1973), lvan Generalić (1973 ), Intemationale naive Kunst / 100 naive Maler aus 20 LANdem (1974), Erich Bćdeker (1974, 1985), 

s1.4. Mirko Virius: Japa,
1939, olio su tela, 600 x 470 mm

Shalom of Safed (1974, 1977), Polnische Plastiken (1974), Josip Generalić (1975), Alfred Wallis (1975, 1977), Eduard Odenthal (1975, 1985, 1989), Anselme Bois-Vives (1975), Emma Stern (1976, 1987, 1990), Naive Bilder aus Brasilien (1976), Minna Ennulat (1976, 1985), Rabuzin (1977, 1985) , Volkskunst aus dem Appenzell (1977), Milan Stanisavljević (1977, 1986), Dragica Lončarić (1977, 1979, 1990), Blumen und Tiere in der naive Malerel (1977), Jože Tisnikar (1978, 1987), Bauchant (1978, 1984, 1993), Nikifor (1979), Jan Balet (1979, 1983), Wahn oder Wirklichkeit? (Bois-Vives, Damien Conche, Ilija Bosilj, Friedrich Schffider-Sonnenstern, Van der Steen, Scottie Wilson, 1980), Max Raffler (1980, 1985), Die Maler des heiligen Herzens (Bauchant, Bombois, Henri Rousseau, Seraphine Louis, Vivin, 1981), Josef Wittlich (1981, 1990), Louis Vivin (1982, 1989), Katarzyna Gawlowa (1983), Dragutin Jurak (1983), Bombois (1984, 1992), Sava Sekulić ( 1984, 1986, 1988, 1990, 1991 , 1994), Naive Kunst aus Frankreich (1984), Das eigene Land / Sechs deutsche Knstler (Bbdeker, Ennulat, Odenthal, Raffler, Wittlich, Schmitt, 1985 ), Hector Trotin (1985), Hans Schmitt (1986), Skulpturen aus Jamaika (1986), Ilija Bosilj (1986, 1988, 1990, 1994), Miroslav Župančić (1986, 1989). A questo elenco vanno aggiunte le regolari esibizioni in numerose fiere d'arte: lntemationaler Kunstmarkt a Desseldorf, Kbin (Intemationaler Kunstmesse, Art Cologne), Francoforte (Art Fran-kfurt), Amburgo (Art Hamburg), Basilea (Art Basel), e in seguito anni a New York 

s1.5. Dragan Gaži: Stara Vilma,
1966, olio, vetro, 350 x 275 mm

(Art Expo), ecc. Ha partecipato spesso a numerose fiere d'arte e antiquariato regionali e locali nella stessa Monaco di Baviera (Regina-Haus), Bad Tbiz e Bad Wiesee ed è stata ospite in altri spazi espositivi (Atelier Mensch , Amburgo 1984), in quanto ha ceduto opere della sua collezione per importanti progetti di altre istituzioni - ricordiamo alcuni degli esempi più famosi: Werke und Werkstatt naiver Kunst a Recklinghausen - nella Sffidtische Kunsthalle nel 1971; Die Kunst der Naiven / Themen und Beziehungen, a Monaco di Baviera - alla Haus der Kunst, che si tenne alla fine del 1994 e poi trasferita a Ziirich, alla Kunsthaus, all'inizio del 1975; Nalve Kunst / Geschichte und Gegenwart, a Bielefeld - nel Kulturhistorisches Museum, ad Amburgo - nel Museo Altonaer, Norddeutsches Landesmuseum nel 1981 e 1982; poi per la mostra dei disegni di Ivan Generalić alla Galleria d'Arte Primitiva di Zagabria nel 1984; la mostra tematica Von Angesicht zu Angesicht / Das Bildnis in der naiven Kunst, che si è tenuta a ittingen - nel Kunstmuseum des Kantons Thurgau, a Neuss - nel Clemens-Sels-Museum e, infine, a Laval - nel Muse du Vieux -Ceau 1988; in conclusione, ricordiamo la retrospettiva e la mostra storica Naivety in Art: A Decade of Exploration in Tokyo - al Setagaya Art Museum, inaugurata all'inizio dell'autunno del 1996. A gennaio e febbraio 1987 ha organizzato la mostra Meisterwerke / 15 Jahre Charlotte , Galerie fr Narve Kunst und Art Brut, quando nel manifesto di accompagnamento elencava i suoi progetti più importanti e di successo fino ad oggi - mostre, cataloghi e libri che lei stessa ha pubblicato o sponsorizzato (nel 1984, in collaborazione con l'autore di questo testo, ha ha pubblicato il libro bibliofilo Sava Sekulić e ha sponsorizzato la pubblicazione di tre mie monografie: Gaži - Kovačić - Rabuzin, Trieste, 1977; Dragan Gaži, Zagabria, 1983; lvan Generalić / Disegni, Zagabria, 1984, edizione nuova e rivista 1985). In quel breve riassunto, rendendo conto al pubblico, ma ancor più a se stessa, era come se si stesse chiedendo cosa aveva raggiunto e su cosa avrebbe dovuto concentrarsi in futuro. Nel periodo citato è passata da gallerista esordiente a professionista di spicco, da amante dell'arte a persona che si occupa di arte con professionalità, scopre nuovi fenomeni e sostiene la promozione e l'interpretazione di autori e opere già affermati. Non solo ha stabilito nel tempo una galleria riconoscibile e ampiamente conosciuta, ma si è anche affermata come una delle più influenti e importanti promotrici e sostenitrici dell'arte naif e di altre forme di arte autodidatta su scala globale. Questo è anche il motivo per cui era, ed è, paragonata a Peggy Guggenheim - ciò che la rispettata e riconosciuta donna americana era per l'arte moderna e le avanguardie della prima metà del 20° secolo, Lotte Zander divenne naif, outsider art e, in parte, per l'art brut.

s1.6. Mijo Kovačić:  Ptičar,
 1963, olio, vetro, 610 x 700 mm

 Allo stesso tempo, non ha mai tradito la sua passione primordiale per l'arte e per la sua vocazione e passione di base: il collezionismo. Poiché proveniva da una famiglia benestante ed era una donna d'affari di successo, una rispettata gallerista, era spesso in grado di acquistare prontamente le migliori opere d'arte che incontrava per se stessa, per la sua collezione, che alla fine le ha permesso di collezionare non solo un numero impressionante di 4.000 dipinti, sculture e disegni con i quali ha aperto un proprio museo, ma soprattutto una collezione di numerosi capolavori di altissimo valore museale. La già citata mostra Meisterwerke dell'inizio del 1987 testimonia anche l'espansione degli interessi di Charlotte Zander e i cambiamenti nella sua politica espositiva nel periodo dei quindici anni indicati. In primo luogo, è ovvio che i classici e altri rappresentanti dell'arte naif del territorio dell'ex Jugoslavia vengono gradualmente sostituiti dai classici francesi Henri Rousseau e altri pittori del Sacro Cuore - Bauchant, Bombois, Séraphin Louis e Vivin, che è stata al centro della sua attenzione dall'inizio degli anni '80, tanto che negli anni '90, e soprattutto dopo l'apertura del museo, hanno iniziato a dominare la collezione. In secondo luogo, oltre ad essere naif, iniziò gradualmente a concentrarsi sull'arte outsider, ovvero l'artbrutismo e l'art brut, diversi anni prima che questi fenomeni diventassero popolari e ricercati nei saloni delle gallerie dell'Europa occidentale. Questo è anche il motivo per cui nell'ottobre 1986, nell'invito/brochure per la mostra delle sculture di Milan Stanisavljević, ha aggiunto una significativa aggiunta al nome della sua galleria - Charlotte, Galerie Naive Kunst und Art Brut.(2) E come terza giornale, il suo interesse sempre più evidente per l'editoria è l'attività visibile e l'impegno in esso, motivo per cui sta iniziando sempre più a firmare lei stessa contributi di testo brevi o lunghi. Mentre nel primo decennio la sua attività di galleria si concretizzava sotto forma di mostre con modesti materiali promozionali di accompagnamento, quando produceva principalmente inviti dattiloscritti, ovvero inviti/cartelle con brevi note di accompagnamento sugli autori presentati, nel periodo successivo inizierà a pubblicare cataloghi e libri, che raggiungeranno la piena espressione dopo l'apertura del museo.

s1.7. Emerik Feješ: Worms,
intorno al 1964, olio, faesite, 540 x 635 mm

Dall'inizio del 1987 all'inizio dell'autunno 1995, quando la Charlotte Gallery fu chiusa dopo quasi due decenni e mezzo di attività continua, si tennero molte altre mostre diverse, una settantina di esse, tra le quali segnaliamo: Nikifor, Feješ , Wittlich, SchrOder-Sonnenstem (1987), Sffidte und Kifen in der Naiven Malerie und Art Brut (1988), llija Fifipovid (1988), Outsiders 1 (tra gli altri, la mostra comprendeva Bois-Vives, Ilija Bosilj, Conche, Feješ, Pietro Ghizzardi, Rosemarie Koczy, Nedjar, Schmitt, Schreder-Sonnenstern, Sekulić, Teucher, Van der Steen, August Walla, Wallis, Scottie Wilson, Wittlich, Živkovič, 1989), Wolfgang Teucher (1989), Outsiders 11 (Bois-Vives, Ilija Bosilj, Conche, Ghirardi, Sekulić, Van der Steen, Wilson, Wittlich, Schmitt, Teucher, 1990), Michael Nedjar (1990, 1995), Deutsche Naive (Bdeker, Sylvia Garde, Gertrud Hutz, Ennulat, Odenthal, Raffler, Wittlich , 1991), Conche, Bois-Vives, Gawlowa, Van der Steen (1991), Meisterwerke / 20 Jahre Galerie Char lotte (1991/92), Sun Wolf (1992), Johann Schrott (1992), Damien Conche, Scottie Wilson (1992), Bosilj, Feješ, Nikifor, Teucher (1992/93), Johann Schrott, Johann Fischer (1993), RefigiOse Darstellungen in der Naiven Kunst (1993), Accrochage / KOnstler der Galerie (1994), lnticona (1994), 50 Jahre Kunst aus Haiti (1994/95), Unverk&Iflich ( 1995). A tale elenco vanno aggiunte numerose esibizioni indipendenti di autori le cui mostre sono state organizzate nel primo periodo di attività della Galleria, cioè fino al 1987, e le cui esibizioni abbiamo già registrato dopo quell'anno. Senza contare i citati classici francesi, in primis Bauchant, Bombois e Vivin, Sava Sekulić, Ilija Bosilj e Josef Wittlich si sono distinti come i pittori più frequentemente presentati e artisticamente rilevanti negli ultimi dieci anni di attività della Galleria, il che testimonia chiaramente l'espansione della L'interesse di Lotte Zander per l'outsider art e l'art brut. È innegabile che la svolta verso questi fenomeni, e soprattutto verso l'art brut, sia stata influenzata anche dalla figlia Susanna Zander, gallerista di successo in KIn, che si è specializzata in questo tipo di creatività (è indicativo che nello stesso anno, o in in quegli anni si tennero mostre, ad esempio, Nedjar e pittori di Gugging sia alla Galleria Susanne Zander che alla Galleria Charlotte).(3)

s1.8. Ivan Lackovic: Villaggio d'inverno,
1964, olio, vetro, 345 x 600 mm

Nonostante tutti questi cambiamenti e novità, Lotte Zander non ha mai smesso di interessarsi al Naive e ai suoi classici, ai suoi primi amori e fascinazioni, che è ben visibile, ad esempio, dal programma della fiera d'arte di Kino nel 1988 e di nuovo nel 1989, quando sono state esposte opere di Bauchant, Bđdeker, Bombois, Ilija Bosilj, Minna Ennulat, Feješ, Ivan Generalić, Rabuzin, Henri Rousseau, Nikifor, Schmitt, Sekulić, Emma Stern, Wallis e Wittlich. Si tratta di artisti rappresentativi ed eccellenti che sono sempre stati, e sono, un punto fermo in tutte le sue collezioni e programmi espositivi. Ciò risulterà ancora più chiaro dopo un'analisi più approfondita delle attività espositive ed editoriali del Museo Zander. La specificità della politica della galleria di Charlotte Zander si è manifestata nel fatto che ha promosso e unito con successo tutti e tre i segmenti citati dell'arte moderna autodidatta: creatività naif, outsider e art brut. Mentre Anatole Jakovsky e Jean Dubuffet presentavano e interpretavano il naif e l'art brut sempre separatamente, considerandoli fenomeni incompatibili, li univa e faceva così un passo importante verso una nuova e diversa presentazione e lettura di queste arti. Quando, negli anni '90, tale approccio iniziò a essere praticato all'Insita di Bratislava (lo testimonio come membro di lunga data del Comitato Organizzatore e della Giuria Internazionale della prestigiosa manifestazione triennale della creatività autodidatta nella metropoli slovacca) , ha solo continuato ciò che Lotte Zander aveva effettivamente pianificato prima e ha iniziato la sua attività. E qui sta l'indiscutibile significato storico del suo ruolo di gallerista e proprietaria di un museo, nonché di promotrice e collezionista di queste arti.(4)

s1.9. Matija Skurjeni: Eclissi di sole,
1961, olio su tela, 685 x 875 mm

I nomi degli artisti e i nomi delle mostre che abbiamo fin qui apostrofato sono, ovviamente, solo una selezione del suo ricco e variegato programma, ma quando sono elencati con precisione tutti i suoi progetti e quando la sua attività di gallerista, e poi come fondatore e gestore del programma del museo, tutto ciò che renderà Charlotte Zander sempre presente e ricordata come una personalità eccezionale su scala internazionale diventerà ancora più evidente. dei primi quindici anni della sua attività di galleria si conoscono solo pochi cataloghi con i quali accompagnava alcune mostre - Wahn oder Wirklichkeit? (1980; prefazione: Oto Bihalji-Merin; testi sugli artisti: Anton Knyphausen, Elke Zimmer, Anatole Jakovsky, G6rard A. Schreiber e Lotte Zander), lvan Rabuzin (1985; testi: O. Bihalji-Merin, Charlotte Zander, Vladimir Crnković ), Skulpturen aus Jamaika (1986; testi: Charlotte Zander e Susanne Zander) - e il già citato libro bibliofilo di Sava Sekulić (1984; testo: V. Crnkovid), dal 1987 in poi, come detto, registriamo tutta l'attività editoriale più ampia . Così, nel 1987 e nel 1992, Lotte Zander ha pubblicato due nuovi libri bibliofili, sempre in collaborazione con l'autore di questi versi - Hommage a Matija Skurjeni e Hommage š Emerik Feješ, il primo dei quali ha accompagnato con un'autoriflessiva introduttiva e un libro di memorie, ricordando gli incontri con un noto artista e con brevi commenti su molte delle opere di Skurjeni dalla sua collezione; nella seconda voce discute brevemente del naif e pseudo-naif, arte e pseudo-arte, originale e ispirata, creatività commerciale, ecc.(5) Ricordiamo anche alcuni cataloghi e due cataloghi monografici che furono compilati in quell'ultimo periodo della sua attività di galleria:Emma Stern (1987; prefazione di Mathias T. Engels), Dragica Lončarić (1990; prefazione di Barbara Emde), Wolfgang Teucher (1991), Sun Wolf (1992; con prefazione dell'autore), Johann Schrott (1992; prefazione ) : Jochen Lucas), Bombois (1992, catalogo monografico; prefazione autori: Lotte Zander e Hans F. Secker), Bauchant (1993, catalogo monografico; prefazione autori: Lotte Zander e Eva Karcher). A quell'elenco va aggiunta la grande monografia Sava Sekulić / Malerel, che Lotte Zander ha avviato e firmato come editore, e che è stata pubblicata dalla casa editrice Brinkmann und Bose di Berlino nel 1993, con un testo introduttivo di G0nter Bose, autobiografica dell'artista record e studi più brevi Uroš Tomić e V. Crnković. Infine, vi ricordiamo i due libri che ha sponsorizzato: l'ampia monografia enciclopedica in cinque lingue Rabuzin / Zbomik studia, saggi, critiche, presentazioni e interviste, curata e co-autrice di Vladimir Crnković, pubblicata a Zagabria nel 1992 , e la monografia lvan Lackovic Croata / Crteži 1957 -1971, sempre di V. Crnković, pubblicata a Zagabria nel 1997.

s1.10. Ivan Rabuzin: La strada,
1964, olio su tela, 540 x 650 mm

Di tutti gli artisti di cui ha esposto, promosso e affermato, Lotte Zander ha ottenuto probabilmente il maggior successo con Savo Sekulić. È un pittore che è stato scoperto negli anni '70 come un'eccezionale personalità creativa nell'ex Jugoslavia, in Serbia e in Croazia, ma solo dopo che la Galerie Chadotte ha iniziato a esporre le sue opere - dalle numerose presentazioni individuali e di gruppo nel suo salone di Monaco alle apparizioni come ospiti in in altri spazi della galleria (Galerie Susanne Zander, Colonia, 1988 e 1990; Galerie Bismark, Brema, 1990; Galerie Rudolf Zwirner, Colonia, 1992) e in numerose fiere d'arte (a KčIn, Basilea, Francoforte, New York, ecc.) - è stato riconosciuto e accettato a un livello internazionale più ampio ed è salito ai vertici della creatività (o artbrutismo) da outsider su scala globale. È anche molto significativo che nel Museo Zander, quando fu inaugurato nel settembre 1996, nell'elenco degli artisti rappresentati nella collezione opportunamente pubblicato, Sekulić avesse il maggior numero di opere: più di mille dipinti e disegni. In conclusione, vi ricordo la mostra personale di Bombois che Lotte Zander, con opere della sua collezione, organizzò alla Otto Nagel Galerie, Kunstamt Wedding, a Berlino nel novembre e dicembre 1994. Se l'inizio dell'attività della Galerie Chadotte fu modesto, appena notato dal grande pubblico, la commemorazione della sua chiusura è stata spettacolare, con un'ampia accoglienza e media riccamente progettati. Questo non solo segnò quasi un quarto di secolo della sua proficua e continua attività, ma la Galleria si chiuse con il contestuale annuncio dell'apertura del Museo Zander. Con l'apertura di quell'istituto si è realizzato il sogno di una vita di Lotte Zander: la sua affascinante collezione e l'opera è diventata non solo disponibile al pubblico, ma ha anche ricevuto immediatamente lo status di bene culturale. In questo modo, Lotte Zander ha potuto esprimere e condividere la sua passione, il suo amore e le sue preferenze per l'arte con il mondo intero. 

Nota: 

La seconda e ultima parte di questo saggio, che descrive e analizza le attività espositive ed editoriali del Museo Charlotte Zander, sarà pubblicata nel prossimo numero di Informatica Museologica. In esso saranno elencate ed evidenziate alcune opere d'arte chiave di quella collezione, nonché la collaborazione registrata che questa illustre istituzione ha stabilito e mantenuto negli ultimi quindici anni con il Museo croato di arte naif. 

Note

1. Alla fine del 1969 la famiglia Zander si trasferì da Heidelberg a Monaco di Baviera. Arredando la villa di famiglia, oltre a mobili moderni, Lotte Zander acquista anche una serie di oggetti d'antiquariato, da armadi, cassettiere, tavoli e sedie ad oggetti di arte applicata. Dopo aver incontrato e stretto amicizia con il famoso commerciante d'arte e antiquariato Helmut Schppe, che aveva locali commerciali in Pfisterstrasse e Miinzstrasse, le venne l'idea di cimentarsi in tale attività. Con il marito, molto assente da casa per i numerosi impegni in clinica, e da illustre scienziato, partecipò anche a numerosi simposi e congressi nel paese e all'estero, e con i figli e la figlia che stavano crescendo, stavano sempre più a lungo nelle scuole e con i suoi coetanei, e sempre meno a casa dei suoi genitori, credeva che in questo modo non solo avrebbe riempito il suo tempo nel modo più significativo e appropriato, ma che la sua passione per l'arte avrebbe anche trarne vantaggio. Inizialmente ha assistito Schppe per un breve periodo, studiando come funziona il lavoro della Galleria, poi ha iniziato ad esporre i suoi dipinti tra i suoi pezzi d'antiquariato, e nel 1971 ha aperto Charlotte, Galeriepir naive Kunst nei suoi locali commerciali in Mfinzstrasse 7.

2. Il termine art brut si incontra per la prima volta nella prima pagina interna del catalogo della mostra Skulpturen aus jamaikq, inaugurata nell'aprile 1986. anni. Il mutato nome della galleria — Cbarlotte, Galerie frlr Naive Kunst und Art Brut — compare per la prima volta sull'invito alla mostra di Milan Stanisavijevic, inaugurata il 2 aprile. ottobre 1986 e per il quale il sottotitolo della mostra era Scultura brutta. Ricordiamo inoltre che la citata frase — Sculpture brute — è stata utilizzata per la prima volta nell'invito alla mostra di Hans Schmitt, tenutasi nel marzo dello stesso anno. Il termine francese art brut ha così ottenuto la sua versione tedesca, con la stessa forma scritta, ma diversa pronuncia, contenuto e contesto. (Confrontare con la nota 3.)

3. Credo di non sbagliare se affermo che Lotte Zander mostrava meno interesse per l'art brut prototipo e che aveva grandi tendenze per l'art brutismo. Con il termine artbrutismo intendo fenomeni che hanno molte affinità con l'art brut, ma non sono opere di autori che classifichiamo come persone gravemente handicappate mentali. Per essere più chiaro, noto che considero Adolfo Wèolffi e Carlo Zinelli come classici esempi di maestri dell'art brut, mentre classifico Sekulić e Ghizzardi, ad esempio, nell'art brutism. È anche interessante notare che Lotte Zander ha iniziato a utilizzare il termine inglese originale outsider art alla fine della sua attività di galleria, che è stato utilizzato per coprire, sistematizzare e interpretare i fenomeni di art brut nei paesi di lingua inglese, ma in seguito questo termine ha iniziato a essere utilizzato e in un contesto molto più ampio — per spiritualisti sofisticati, autisti, fantasisti, persone alienate, artisti "media", eccentrici, autori socialmente emarginati, ecc. Lotte Zander ha usato questo termine proprio in questo nuovo, ampliato contesto. come la terminologia utilizzata comprendiamo e proviamo a definire diversi fenomeni della moderna creatività autodidatta, che sono ancora inconsistenti, e come certi concetti abbiano significati e interpretazioni diversi nei diversi paesi.

4. Certo, c'erano altre gallerie che univano e presentavano i vari fenomeni citati dell'arte autodidatta, ma sembra che Lotte Zander sia stata la più riuscita e persistente in quel settore. Non ha mai abbandonato gli artisti che una volta aveva veramente accettato, sostenuto e promosso e, visti i mutamenti dei gusti del mercato dell'arte, non li avrebbe trascurati e/o abbandonati. Vale anche la pena ricordare che, ad esempio, Oto Bihalji Merin, la cui creatività e contributi Lotte Zander ha riconosciuto e apprezzato estremamente, ha incluso autori di ambiti diversi nei suoi numerosi progetti di moderna creatività autodidatta, quindi all'interno del concetto di naif, ha un tempo considerato l'opera di Scotti Wilson, Friedrich Schröder-Sonnenstern Josef Wittlich, che non hanno quasi nulla in comune con Naive classico.

5. Nella prefazione al libro Hommage a Matya Skurjeni (1987), Lotte Zander afferma di aver acquistato i primi dipinti di Skurjeni nel 1965, durante la sua seconda mostra personale alla Galleria Zwirner. Ha corretto questo errore nella prefazione alla monografia dell'artista, che ha pubblicato nel 1998, in occasione del centenario della nascita di Skurjeni, in cui afferma di aver incontrato il pittore due anni prima, nel 1963, alla prima mostra da Zwirner, che è stato consegnato da Parigi, dalla Galerie Mona Lisa, quando ha acquistato i 12 dipinti citati. Entrambi i libri citati — Hommage Mattja Skurjeni e Hommage a Emerik Feje (1992) — sono accompagnati da una selezione di opere esclusivamente dalla collezione di Charlotte Zander. In tal modo, vengono descritte in dettaglio, analizzate e interpretate ermeneuticamente alcune opere d'arte fondamentali e di eccellenza.

Ricevuto: 9 luglio 2014.

IN MEMORIAM, OR HOMMAGE A CHARLOTTE (LOTTE) ZANDER. FRAGMENTS FOR A BIOGRAPHY 

In March 2014, after a long and difficult illness, Mrs Charlotte (Lotte) Zander died in her house in Mauernkirchstrasse in Munich. From 1971 to autumn 1995 she was a successful and well-regarded gallerist in the Bavarian capital, and in 1996 she founded her privately-owned museum of Naive, Outsider Art and Art Brut, the first in Germany and one of the biggest and most important in the world, in Bennigheim, not far from Stuttgart. She was born in Krefeld, on August 21, 1930, into the well-to-do family of factory-owner Julius Willibald Stockhausen, and thus belongs among that tragic generation that had its youth shattered by World War II, but with a vast energy, élan and ambition overcame all hardships. In her earliest youth she showed an interest in art, learned ballet from her childhood, and was obsessed with music the whole of her life. Although Lotte Zander had started to collect her first votive paintings and glass paintings by anonymous 19'h century authors, as well as various specimens of the applied arts, particularly Zinn pewter pots and Art Nouveau and Art Deco German silver and glass vases at the end of the 1950s, it was not until she met and became friendly with the Cologne gallerist Rudolf Zwirner that she opted for the systematic collection of artworks. In early autumn 1962, she bought her first few works from him — glass paintings of Ivan Vetenaj and Mijo Kovatit, and soon of Ivan Generalie — and after a solo show by Matija Skurjeni was put on in the Zwirner Gallery at the end of May 1963, she bought 12 major paintings even before the vernissage. Something similar happened in 1965 in the same gallery, when there was a presentation of works by Skurjeni and Ivan Lackovit, where she also bought several pieces. From other sources she subsequently acquired several pictures by Mirko Virius, Dragan Gail, Martin Mehkek, Franjo Vujoec as well as of Emerik Feje§ and Ivan Rabuzin. This choice of authors reflected the huge popularity of the Naive at that time, particularly from the area of the former Yugoslavia, primarily the painters of Croatian and Serbia. If at the beginning of its work Galerie Charlotte was modest, hardly noticed by the general public, its closure was marked spectacularly, with a large reception and richly designed media coverage. This did not just commemorate the almost quarter of a century of her successful and uninterrupted career, for the gallery closed down with the simultaneous announcement of the opening of Museum Zander. When this institution was opened, the life's dream of Lotte Zander came true: her fascinating collection of artworks became not only fully accessible to the public, but at once acquired the status of a cultural asset. Accordingly she was able to express her passion, her love and her artistic preferences and share them with the whole world. 

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

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La prima mostra personale di Milan Nađ a Hlebine

Pubblicato da Branko Novosel - 6 marzo 2017

 
Abbracciando la sua terra con il palmo della mano, l'autore esprime grande amore, affetto e la necessità di proteggere ciò che è più importante per lui: la sua patria.

 

Dopo oltre 45 anni di creazione artistica, ha aperto la mostra personale La Patria nel palmo della tua mano di Milan Nađ nella Galleria d'Arte Naive di Hlebine.

La mostra porta il titolo di uno dei dipinti più rappresentativi in ​​cui si possono già intravedere alcuni dei principali postulati della futura creatività, in cui prevalgono composizioni simmetriche dissolte in profondità con più piani nettamente separati, sempre arricchiti da colori colorati. 

Qui manterrà la gamma più scura e tenue caratteristica degli inizi della creatività. Abbracciando la sua terra con il palmo della mano, l'autore esprime grande amore, affetto e la necessità di proteggere ciò che è più importante per lui: la sua patria. 

Milan Nadj è nato a Samobor, gran parte della sua vita è strettamente legata alla Podravina. È cresciuto a Podravina, a Ferdinandovac e Đurđevac. Nel 1965 si diploma alla Scuola di formazione per insegnanti di Križevci. A quel tempo era già impegnato nella pittura e ricevette dal prof. Ančić e Friščić. Il suo primo posto di lavoro è a Molve, dove lavora come insegnante e dipinge nel tempo libero. Ha ricevuto le sue prime istruzioni professionali da Ivan e Josip Generalić nel 1968, quando ha iniziato a dipingere più seriamente, in particolare olio su vetro. Dal 1969 espone in mostre collettive nelle città croate e all'estero. 

L'artista è fedele alla scuola di Hlebine, è uno dei fondatori del Virje Laboratorio d'arte e partecipa a diverse colonie d'arte a Zlatar, Rijeka, Vrbovac, Virje, Koprivnica e Vukovar. Oggi vive e lavora a Sesvete. La mostra rimane aperta fino al 4 aprile 2017.

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

Foto dell'inaugurazione della mostra di 

Branko Novosel

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