Gruppo Zemlja - una rivoluzione artistica di risultati duraturi

 

29 gennaio 2020

Mostra : Arte e vita sono una cosa sola -  Associazione degli artisti Zemlja 1929–1935, Galleria Klovićevi dvori, 28 novembre 2019–1 marzo 2020

Gruppo Zemlja - una rivoluzione artistica dai risultati duraturi.

Di Leila Topić

La mostra è preziosa non solo per la rivalutazione storica delle attività di Zemlja ma anche per l'attualità delle loro attività.

Scrivere dell'azione artistica congiunta in un'epoca di esaltato artistico, e di ogni altro individualismo del XXI secolo che considera con disprezzo l'idea della creatività collettiva è ingrato perché invoca un risentimento per tempi passati, meno competitivi. La contemplazione dell'azione congiunta è allo stesso tempo utopicamente stimolante perché rivela e delinea le potenzialità emancipative e i percorsi comparativi di importanti attività passate e presenti. Vale a dire, anche uno sguardo del tutto superficiale al gioco della scena artistica contemporanea globale, è chiaro che le carte vincenti sono attualmente nelle mani di individui distinti, "personalità forti" con uno speciale senso del successo finanziario come un importante valore legittimo. Tuttavia, prima che l'arte contemporanea diventasse un importante vivaio per i paradisi fiscali delle grandi capitali, le biennali internazionali erano teatro di mesalions museo-galleria, e le fiere d'arte contemporanea VIP-zone per i privilegiati esistevano l'Associazione degli Artisti di Zemlja. Si tratta di un gruppo di artisti che, tra il 1929 e il 1935, grazie ad un elaborato programma artistico e socialmente impegnato, riunì pittori, scultori, architetti, ma anche contadini e operai con l'obiettivo fondamentale di eguagliare vita e arte e insistette sulla performance collettiva di tutte le forme di creazione artistica per raggiungere l'obiettivo prefissato - aspirazioni che fino ad allora non erano state articolate nella cultura croata.

Un fenomeno imprescindibile nell'arte croata

Se dal 1935, anno in cui l'azione di Zemlja fu messa al bando, l'opera degli appartenenti al movimento è stata rivalutata e analizzata, seppur in funzione delle attuali congiunture socio-politiche, solo la mostra di Petar Prelog, L'arte e la vita sono una cosa sola: Associazione degli artisti Zemlja 1929-1935 , presentato nella Galleria Klovićevi dvori, ha mostrato chiaramente perché l'Associazione degli artisti Zemlja è davvero un fenomeno inevitabile nell'arte moderna e contemporanea croata. Vale a dire, nella sua breve esistenza, l'Associazione ha organizzato cinque mostre a Zagabria e una ciascuna a Parigi, Sofia e Belgrado, e i suoi membri tra il 1929 e il 1935 hanno presentato la loro produzione recente in mostre collettive a Barcellona, ​​Londra e Lubiana. Trentasette artisti e tre gruppi artistici ospiti (Gruppo di lavoro Zagabria,  Nuovi artisti di Sofia  e Scuola di pittura dei lavoratori Petar Dobrović di Belgrado) hanno preso parte a otto mostre su Zemlja, di cui una bandita dalla polizia, e gli stessi connazionali hanno esposto più di nove cento opere. Insieme a Petar Prelog, che firma il concept espositivo ed è anche autore del testo in un ricco e ampio catalogo di opere pittoriche, nella selezione di opere provenienti da numerose istituzioni croate e internazionali, Tamara Bjažić Klarin ha collaborato a una selezione di opere di numerose istituzioni croate e internazionali. Svjetlana Sumpor, che si è dedicata al ruolo dell'arte naif del paese, e Darija Alujević, che ha coperto la quota dello scultore nell'Associazione degli artisti Zemlja, mentre la mostra è curata da Danijela Markotić.

  Dall'allestimento della mostra a Klovićevi dvori/ Foto di Goran Vranić 

La linea artistica di sinistra

Con l'adozione dello Statuto, il 25 febbraio 1929, iniziarono le attività ufficiali dell'Associazione, con il Presidente Drago Ibler e lo spirito visionario Krsto Hegedušić, i cui obiettivi erano chiaramente definiti e le modalità con cui teoricamente dovrebbero essere argomentati con fermezza. Il paese ha avuto una forte influenza sugli eventi nell'arte croata, ma anche sull'intera scena culturale dell'unione statale jugoslava multinazionale tra le due guerre. L'associazione nasce come prodotto di un tempo complesso in cui l'arte si intreccia con i fenomeni politici, economici e sociali, un periodo in cui le rubriche dei giornali sono piene di notizie sull'assassinio di Stjepan Radic, la dittatura di Aleksandar Karadjordjevic il 6 gennaio e le questioni del ruolo dei croati nella comunità jugoslava tra le due guerre. Inoltre, il quadro ideologico di Zemlja è stato fortemente determinato dalle attività di intellettuali di sinistra come August Cesarac e Miroslav Krleža, nonché dall'orientamento verso i contadini secondo le strategie programmatiche del Partito Contadino Croato e del Partito Comunista, idee dell'allora bandito Partito Comunista. Oltre al quadro di cui sopra, Prelog sottolinea anche il lavoro di George Grosz, la cui mostra nel Padiglione d'Arte di Zagabria fu organizzata dai connazionali nel 1932 e fu riconosciuta come parente ideologico o formativo.

Schizzo per edificio commerciale e residenziale di Drago Ibler

Oltre ai contemporanei di Grosz, Prelog menziona il ruolo chiave dei saggi d'arte di Krleža come mediatore tra i connazionali e l'arte di Grosz. In un testo importante per la comprensione dell'arte dell'Associazione del problema dell'arte collettiva del 1932, Krsto Hegedušić definisce l'arte collettiva come "quell'arte collettiva che contribuisce allo sviluppo della coscienza sociale nella quarta classe" e continua come "quell'arte che non hanno avuto una pre-educazione pittorica civica, e sono consapevoli in senso sociale, con quella a loro destinata dell'arte degli intellettuali, formano il fronte obbligato dell'arte di sinistra”. Inoltre, Hegedušić ha concepito l'attività contadina come una nuova arte che, per la sua natura formativa ma anche ideologica, si sforza di creare un'espressione nazionale indipendente, come dimostra il nome dell'Associazione degli artisti. In questo senso è evidente il suo impegno per l'affermazione dell'arte naïf. Così, Svjetlana Sumpor nel testo Naive nel contesto dell'Associazione degli artisti Zemlja sottolinea che all'interno dell '"esperimento" di Hegedušić emersero i primi artisti naif croati: Ivan Generalić e Franjo Mraz, e una scuola di pittura contadina fu fondata a Hlebine nel 1929. Secondo per Svjetlana Sumpor, era solo un consiglio non sistematico e occasionale sulle tecniche di pittura e disegno di base che Hegedušić offriva ai giovani rurali senza un'educazione artistica formale. L'analisi delle loro reazioni ad alcuni esempi di pittura dal Rinascimento all'Impressionismo ha portato Hegedušić alla conclusione che la loro sensibilità è più adatta a "composizioni bilaterali, colore locale e ritmo accentuato, mentre non hanno il senso della luce e gli effetti dell'Impressionismo". Oltre al tutoraggio, Zemlja fornì ai pittori-contadini una piattaforma espositiva istituzionale e Generalić e Mraz furono ospiti della terza mostra di Zemlja nel 1931. Sebbene i critici d'arte sottolineino che né Generalić né Mraz hanno raggiunto la maturità artistica con le loro prime esibizioni, Hegedušić ha riconosciuto nel loro lavoro "maleducazione e primitività selvaggia o incolta" che potrebbe essere letta come un allontanamento moderno dai valori della pittura classica, una qualità molto apprezzata dai compatrioti . Inoltre, i pittori contadini tematizzavano programmaticamente la vita della campagna croata, la pressione, il tormento e la miseria della vita rurale in accordo con Zemlja, che è evidente nei dipinti di Generalić, Requisizione o Kanas, sebbene nelle opere di Generalić la partenza umoristica spesso smussa il limite del critica sociale.

Krsto Hegedušić, Requisizione, 1929

All'inizio degli anni '30 fu scoperto il più importante scultore naif croato, Petar Smajić, che nel 1934 partecipò alla quinta mostra di Zemlja. Sebbene le sue opere siano state create in modo completamente indipendente dal programma di Zemlja e fossero prive di impegno sociale e per lo più di natura intima, la sua presentazione, conclude Svjetlana Sumpor, ha svolto un ruolo attivista importante. Vale a dire, il fatto stesso che i creatori non privilegiati potessero esporre era più importante del fatto che i loro argomenti non fossero (sufficientemente) coinvolti. Inoltre, la connessione tra arte e vita è stata realizzata inserendo i lavoratori e i contadini nel quadro espositivo-istituzionale, in modo che il programma di Zemlja "si estenda attivisticamente all'intervento nel contesto sociale", conclude Svjetlana Sumpor.

Abitazioni a disposizione di tutti

"Un artista non può sottrarsi alla volontà di una nuova società e stare al di fuori del collettivo. Perché l'arte è espressione di guardare il mondo. Perché l'arte e la vita sono una cosa sola.” Lo ha scritto l'architetto Drago Ibler in una dichiarazione palese sugli obiettivi di Zemlja. In effetti, gli architetti del territorio non volevano o non potevano "stare fuori dal collettivo" in un periodo cruciale per cambiare il paradigma architettonico. Vale a dire, nel periodo tra le due guerre, architettura e urbanistica divennero strumenti per rimodellare l'intera società perché il proletariato arrivò in città costruendo abitazioni improvvisate ai margini della città, quindi la clientela degli architetti non è più solo individui facoltosi ma gruppi sociali emarginati che costituiscono la maggioranza della popolazione in Jugoslavia. Cambiare la struttura della popolazione della città, afferma Tamara Bjažić Klarin nel testo Architettura dell'Associazione degli Artisti Zemlja -  da nuova espressione stilistica a portatrice di cambiamento sociale coincide con il momento in cui matura a Zagabria l'idea della necessità di coinvolgere l'intera comunità nell'alloggio dei socialmente vulnerabili . Così, le prime due mostre di Zemlja a cui partecipa solo Ibler diventano un "preludio" al cambiamento, mentre la quarta e la quinta mostra con le unità tematico-documentarie Casa e Vita e Villaggio, che sono state parzialmente ricostruite in questa mostra, diventano una sorta di innesco per la necessaria comprensione dell'architettura come categorie socialmente creative, cioè l'idea che il cambiamento nel sistema sociale sia un prerequisito per un alloggio di qualità per le masse. La mostra presenta gli studi dei progetti più importanti selezionati da Tamara Bjažić Klarin, come il condominio Wellich Rental Apartment di Ibler a Zagabria, il Continental Café di Pičman a Sušak o il progetto di Planić per l'ospedale ebraico di Zagabria, ma visivamente i più affascinanti sono Secondo la storica Mira Kolar- Dimitrijević, Tamara Bjažić Klarin, la sezione fu una delle ragioni del coinvolgimento sistematico del sindaco di Zagabria Ivo Krbek nel 1932. 

Troppo avanzate per il loro tempo, le idee degli architetti del territorio furono ufficialmente inaugurate come fondamento dell'architettura e dell'urbanistica solo negli anni '50 come fondamento architettonico di una società socialista autonoma, ma il loro lavoro divenne un luogo comune nella storia croata dell'architettura del XX secolo e urbanistica. Quando Zemlja fu fondata il 25 febbraio 1929, solo due scultori erano presenti nello studio di Ibler all'Accademia di Belle Arti di Zagabria: Frano Kršinić e Antun Augustinčić. Kršinić espose una sola volta, nel 1929, all'Ullrich Salon di Zagabria, e presto lasciò l'Associazione, spiegando la sua partenza con le relazioni interpersonali. Analizzando le opere scultoree esposte di Augustinčić, come il Nudo femminile o la rappresentazione del corpo femminile chiamato Riposo, è chiaro che l'aggancio di Augustinčić a Zemlja era di natura più programmatica che morfologico-tematica.

Tuttavia, le opere più interessanti, nell'ambito del programma dell'Associazione, sono i disegni di Vanja Radauš. Si tratta di realizzazioni di disegno eccezionali come i ritratti di cortigiane o mendicanti, ovvero il ritrovamento di un taccuino dell'eredità di Radauš, conservato nell'Archivio di Belle Arti dell'Accademia croata delle scienze e delle arti. Disegnando con un inchiostro sontuoso, Radauš, in modo tipicamente grossolano, dipinge rappresentanti morbosamente decadenti di ceti sociali privilegiati in contrapposizione a individui svantaggiati rappresentati in modo empatico, idee a cui rimarrà fedele anche dopo il periodo di Zemlja.

La condanna ideologica dell'ingiustizia

L'allontanamento dall'ideale civico di bellezza, che già cresce nei pittori dei primi decenni del Novecento, sta diventando uno dei principi programmatici cruciali dei pittori di campagna. I temi diventano così contadini vittime dell'oppressione statale o di disastri naturali, mentre i paesaggi idealizzati vengono sostituiti da strade di campagna tortuose con sentieri sterrati con case fatiscenti e povere. Questi temi sono abbastanza evidenti nei dipinti di Hegedušić sull'atmosfera di Bruegel, di cui vanno sicuramente segnalati i dipinti che scuotono l'atmosfera Requisition del 1929 e la Quadri verdi del 1928. e l'illuminazione impressionista. Secondo Prelog, la strategia di Hegedušić implicava una forma estremamente semplificata connessa con la condanna ideologica dell'ingiustizia, della violenza e dell'oppressione dei potenti, e fungeva da "fattore decisivo nel distruggere la continuità di sviluppo della forma e dello stile della pittura moderna croata". Secondo Prelog, Hegedušić ha basato la sua rivoluzione del design sul patrimonio dell'arte popolare, i dipinti di Brueghel e Grosz, credendo che il modernismo della pittura locale sia solo una pallida eco delle tendenze pittoriche europee. Dipinto con le sue istruzioni teoriche, Hegedušić ha ottenuto una maggiore diversità e libertà tematica solo attraverso i suoi disegni. Lo dimostrano chiaramente i motivi della Podravina, trentaquattro disegni in cui trasmette direttamente e con consapevolezza le osservazioni quotidiane della vita urbana e rurale, realizzati tra il 1930 e il 1933 e pubblicati in un libretto con la famosa prefazione di Krleža. Oltre ai dipinti, ai disegni e alla grafica accuratamente selezionati di Hegedušić, la mostra nella Galleria del Palazzo Klović presenta anche le opere di pittori presenti al momento della fondazione di Zemlja, presentando così opere accuratamente selezionate di Vinko Grdan, Leo Junek, Omer Mujadžić, Oton Postružnik, Kamil Ružička e Ivan Tabaković, cioè dipinti di artisti che si sono poi uniti a Zemlja - come le opere di Željko Hegedušić, Fedor Vaić, Vilim Svečnjak, Edo Kovačević, Branka Hegedušić-Frangeš ed Ernest Tomašević - opere che più o meno corrispondeva alle impostazioni formali e ideologiche di Zemlja.

Tra i numerosi dipinti di qualità in mostra, insieme a quello di Krsto Hegedušić, c'è di gran lunga l'opera più interessante di Marijan Detoni. È un artista le cui opere mostrano una vicinanza ai dipinti di Hegedušić, soprattutto quando si analizza la tendenza alla piattezza, il colore locale o le semplificazioni formali si possono vedere, ad esempio, nel dipinto Fiera a Križevci del 1932. Con il dipinto Nutrizione del 1935, che mostra un gruppo di persone raccolte attorno a un calderone comune con un ragazzo in primo piano che sorseggia con cura un pasto liquido, Prelog, citando Grgo Gamulin, spiega che questa è una delle "opere più eloquenti e umane del nostro realismo critico". Prelog continua dicendo che il dipinto testimonia il viaggio di Detoni da scene urbane o rurali ampiamente rappresentate a un talento nel disegno sviluppato combinato con un senso pittorico della diversità dei colori all'interno della ricerca dell'unità coloristica dell'insieme.

Tra desideri collettivi e aspirazioni individuali

Spicca, d'altra parte, anche l'opera grafica di Detoni per la narrazione dettagliata, quasi comica, di scene della vita urbana degli impoveriti e degli oppressi. Così, la mappa grafica Brick del 1932 mostra la dura vita di un fabbricante di mattoni, mentre il ciclo Gente della Senna del 1934 descrive la dura e faticosa vita dei poveri urbani parigini in un modo vicino alle tendenze critico-realistiche europee. Pertanto, conclude Prelog, se Zemlja ha segnato in modo decisivo il segmento dell'opera di Detoni, Detoni ha segnato in modo significativo la percezione dell'attività terrena, dato che le sue straordinarie mappe grafiche hanno svolto un ruolo fondamentale nelle mostre dell'Associazione. Sebbene l'Associazione implicasse esibizione, unità ideologica e formale, si rivelò irraggiungibile poiché Zemlja, alla fine, era costituita da un gruppo insolitamente eterogeneo di individui le cui attività di gruppo erano state effettivamente interrotte da un divieto di polizia, e ideologicamente da individui. Pertanto, Zemlja si è trovata in un divario tra desideri ideologici e artistici e aspirazioni individuali. Tuttavia, dopo il 1935, la maggior parte degli artisti di Zemlja ha continuato a esporre all'interno di altri gruppi artistici, all'interno del Gruppo dei pittori croati e del Gruppo degli artisti croati, sostenendo ancora idee terrene, quindi, conclude Prelog, anche senza Zemlja, l'eredità terrena ha continuato a vivere, diventando una preziosa testimonianza di artisti e arti che non hanno esitato a porsi i compiti più complessi e nobili.

Invece di una conclusione, la mostra L'arte e la vita sono una cosa sola: l'Associazione degli Artisti   Zemlja 1929–1935 è preziosa non solo per la rivalutazione storica delle attività di Zemlja, ma anche per l'attualità delle loro azioni. Ne è prova il recente riconoscimento internazionale della Fondazione tedesca Hansa e Lee Grundig al collettivo curatoriale BLOK (Ana Kutleša, Ivana Hanaček, Vesna Vuković). I curatori hanno affrontato il problema del collettivo Zemlja analizzando il più ampio contesto socio-politico del periodo tra le due guerre, hanno ricercato le opere e le attività dei proprietari terrieri utilizzando metodi di analisi della rete e hanno presentato e visualizzato la ricerca in questa chiave.

Del resto, nonostante le aspirazioni individuali, le voci collettive di attività artistiche partecipative e collettive stanno diventando più pronunciate e interessanti sulla scena contemporanea; da situazionisti storici, esperti o la Comunità di lavoro Podroom alle attività di Andreja Kulunčić, Kristina Leko o il Focus Group, voci che affermano che creare arte veramente collettiva significa riesaminare il rapporto tra arte, reciprocità, coinvolgimento e pubblico. Costruire l'arte dell'esperienza condivisa significa andare oltre la progettazione di quella che chiamiamo "comunità immaginata" perché il collettivo deve essere più che ideale, deve essere un vero sforzo socio-classe per attivare gli emarginati, come mostra   Zemlja, che ha avvicinato più di un gruppo all'arte di vivere attraverso una rivoluzione formativo-ideologica di conquiste durevoli.

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

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LA RINASCITA DELL'ARTE NAIF: Inizia una nuova era femminile del naif croato

 

29 gennaio 2020

Pubblicato nel Nacional n. 480 , 25-01-2005

Mentre i grandi naif sono morti o non dipingono più, sono salite sul palco donne che hanno portato una sensibilità e un'atmosfera femminile intrisa di tenerezza e romanticismo in quest'arte un po' disprezzata, sebbene non abbiano ancora raggiunto prezzi da capogiro.

"Il naif croato è un fenomeno storico completo perché non ci sono autori più giovani e nella piscina di Hlebine ci sono centinaia di pittori, di cui solo una dozzina può avere uno stile individuale pronunciato. Inoltre, la maggior parte delle opere capitali dell'arte naif croata sono all'estero. Ad esempio, la "Đeletovačka buna" di Generalić si trova in Germania e 120 delle opere più preziose del decano Matija Skurjeni sono di proprietà del famoso museo naif tedesco Zander vicino a Stoccarda, che ospita le 500 opere più importanti del mondo. Il museo è stato fondato dalla gallerista Charlotte Zander, che nel 1963 acquistò tutti i dipinti della mostra di Skurjeni a Colonia. Ci sono anche molte opere di pregio dell'architetto e collezionista tedesco Fritz Novotny e del produttore austriaco Peter Infeld. ”

È quanto afferma Vladimir Crnković, direttore del Museo di arte naif croata nella Città Alta di Zagabria, rispondendo a una domanda sulla situazione dell'arte naif croata all'inizio del 21° secolo. Abbiamo voluto esplorare quanto questo fenomeno artistico autoctono croato, conosciuto anche come "l'arte del cuore", fosse un tempo molto popolare e redditizio, vivo e attuale in Croazia e nel mondo. Ci interessava anche sapere se i prezzi del petrolio sul bicchiere degli sprovveduti croati siano ancora vertiginosi come lo erano negli ultimi tre decenni quando le opere di punta di Ivan Generalić raggiunsero il prezzo di 100mila DEM, e le opere di Ivan Rabuzin furono stimate dal numero di "sterline" mille marchi tedeschi. Ci interessava anche sapere se ci fosse interesse tra i pittori più giovani per il naif, spesso definito come fenomeno politicamente e artisticamente discutibile, e quanto la politica abbia aiutato,

Queste domande sono particolarmente interessanti perché un dipinto di Krsto Hegedušić "Requisizione" è stato consegnato al museo la scorsa settimana dopo 37 anni di assenza dalla Croazia. Si tratta di tempera e olio su vetro del 1933, acquistata da una famiglia croata di Caracas in Venezuela. Questo è un dipinto chiave, dice Crnković, in realtà la proto-icona della scuola di Hlebine, perché il primo dipinto su vetro di Ivan Generalić è stato realizzato nel 1935, due anni dopo. Come scrisse lo stesso Hegedušić sullo sfondo del dipinto, nel 1933 realizzò il primo piano secondo il suo famoso dipinto omonimo del 1929, che si trova nella Galleria d'Arte Moderna di Fiume, e lo terminò nel 1959, che significa "un insieme di giovinezza è passata dentro quel tempo”.

Tuttavia, poiché il museo "abita" in uno spazio molto angusto in Città Alta, su soli 350 metri quadrati, di cui 200 metri quadrati di sale espositive, la domanda è se il quadro verrà appeso o finirà in un deposito. Perché sebbene il ministro della Cultura Božo Biškupić abbia lasciato intendere due settimane fa che il museo si sarebbe trasferito nella Galleria Gradec due volte più grande, nessuno ha ancora contattato il museo naif, quindi non si sa se fosse una frase politica o l'idea sarà realizzata .

"Questo edificio, noto come Palazzo Kulušić, è stato restituito meno di due anni fa ai legittimi proprietari, ai quali paghiamo l'affitto economico, che è troppo costoso", ha spiegato Crnković. "Inoltre, non possiamo organizzare mostre di lavori recenti perché non abbiamo spazio. Possiamo esporre solo 80 dipinti? Dipinti e sculture, e questo è solo il 4% dell'inventario del museo. Nei nostri depositi sono conservate un totale di 1680 opere, di cui circa 300 oggetti provenienti da tutto il mondo. Ad esempio, dobbiamo organizzare una grande mostra "L'arte della scuola di Hlebine" a maggio a Klovićevi dvori perché non abbiamo un posto ".

Dopo aver parlato con pittori, galleristi e storici dell'arte, possiamo concludere che le opinioni sono diverse, ma molti concordano sul fatto che la tendenza del naif come stile artistico sia passata. I prezzi sono scesi di circa il 50 per cento, e al momento sono le pittrici naif più creative e produttive, quindi si può parlare anche del fenomeno femminile naif. Ad esempio, il critico d'arte Tonko Maroević ha affermato che i pittori naif hanno portato una specifica sensibilità femminile e un'atmosfera intrisa di tenerezza e romanticismo. Inoltre, il tema tradizionale e indigeno è cambiato, così che i nuovi autori non dipingono più mucche, buoi e contadini, ma si sono orientati verso altri motivi, ad esempio paesaggi e semplicità urbana. C'era anche una stratificazione tra i naif: alcuni di loro, che si arricchirono di pittura naif, si sono rivolti a temi contemporanei e oggi quasi si vergognano del loro passato “naif”. Sembra che ci sia animosità tra il Museo di arte naif croata e la Società degli artisti naif croati, giustificata dalla rigorosa selezione e dal desiderio di qualità. Vale a dire, risentono del museo "per aver trattato solo i morti e il passato", e l'associazione per non essersi preoccupata abbastanza della qualità.

"Il fenomeno del naif croato è stato in gran parte distrutto dalla brutale commercializzazione", ha spiegato Dragutin Trumbetaš, pittore naif e presidente della Società degli artisti naif croati, che vive in Germania da anni. Al declino hanno contribuito anche gli stessi pittori, ma anche manager senza scrupoli e semplici truffatori che costringevano i pittori a lavorare giorno e notte e poi portavano i quadri in vendita nei furgoni. Molti di loro erano avidi di denaro e c'è stata una sovrapproduzione di naif, soprattutto quando hanno letto su Stern che il 'Toro Rosso' di Generalić ha raggiunto il prezzo di 125 mila DEM. Tutti volevano arricchirsi in fretta, così hanno iniziato a copiare i più grandi dell'arte naif croata, soprattutto Ivan Lacković. Apparvero gli Epigoni, il cui unico obiettivo era fare soldi. Anche alcuni pittori accademici dipingevano alla maniera dei naif, li firmava con nomi fittizi e li vendeva all'estero per un sacco di soldi. Il mercato europeo si è saturato di naif croato, negli anni '80 in Germania in ogni libreria sui banchi c'erano pile di riproduzioni di naif croati, che venivano venduti per niente”.

Secondo Crnković, una dozzina di grandi naif sono apparsi in Croazia negli anni '20 e '30, poi altri dieci dei loro compagni la cui pittura ha un peso, e "tutto il resto sta lentamente andando alle prese con la storia". "In Croazia non abbiamo un solo autore sotto i 50 anni? quasi tutti i grandi sono morti, ad esempio Matija Skurjeni, Emerik Feješ, Dragan Gaži, Mirko Virius, Ivan Lacković Croata e recentemente Josip Generalić. Ivan Rabuzin è gravemente malato e non dipinge da due anni. Mijo Kovačić e Ivan Večenaj rimangono tra i grandi”.

Alla domanda su quanto sia buona la quarta generazione di naif di oggi, Crnković ha evitato una risposta diretta: “Il naif è una creazione autodidatta che ha raggiunto il livello dell'arte, e tutto il resto è dilettantismo,folk o folk art. Inoltre, dagli anni '80, la creatività autodidatta, che senza educazione artistica, si divide in tre diverse direzioni: naïf, art brut come arte dei disabili mentali e pittura outsider. La Società di belle arti naive della Croatia ha circa 200 membri e noi nel museo rappresentiamo solo i loro 15 autori perché insistiamo sulla qualità. Il nostro concetto si basa su pittori collaudati e una selezione rigorosa. Alla grande mostra internazionale naif di Torino, dove erano rappresentati 17 pittori da tutto il mondo con 200 dipinti, la Croazia era rappresentata da ben quattro autori? Ivan Generale, Ivan Rabuzin, Matija Skurjeni ed Emerik Feješ, dunque, i migliori. Negli anni '90, c'è stata un'interessante scoperta di Penavuša, che ha vinto il Grand Prix nel 1994 alla più grande mostra al mondo di arte naif e outsider a Praga. Per quanto riguarda i più giovani, posso segnalare una forte linea femminile guidata da Nada Švegović-Budaj di Koprivnica e Dragica Lončarić, nata a Hlebine, che vive a Zagabria, e c'è anche un interessante fumettista Krešimir Trumbetaš”.

La Società degli Artisti Naif raffinati della Croatia ha 160 autori provenienti da tutto il paese. Oltre alla tradizionale e famosa scuola podravina, oggi esistono vari circoli pittorici regionali. Come ha detto Željka Zdjelar, direttore della galleria "Mirko Virius" specializzata in arte naif, la scuola più forte della Podravina è guidata da Ivan Generalić. Segue il circolo dello Zagorje, ad esempio Ivan Rabuzin e l'ingiustamente trascurato Franjo Klopotan, autore di motivi fiabeschi e fantasmagorici che un tempo ottennero un grande successo in Germania. Sebbene il circolo dello Zagorje sia ancora dominato da paesaggi arcadici modellati su Rabuzin, l'odierna generazione di naif, afferma Zdjelar, "dipinge in modo impressionistico, un po' surreale e molto personale".

Nel circolo Turopolje spiccano il pittore Dragutin Trumbetaš e gli scultori naif che continuano la forte tradizione di falegnameria della loro regione. Questi sono Krešo Trumbetaš, noto per le sue "statue", Katarina Parađ-Vojković e Mato Mihinica, che si è imposto su temi sacrali. "La scultura naif, che si è allontanata tematicamente dalla scuola di Hlebine, è stata ingiustamente trascurata per anni perché non è riuscita a incuriosire il pubblico e non ha mai realizzato profitti", ha spiegato Željka Zdjelar. Nel circolo istriano spicca la pittrice Olga Vicel di Kanfanar, che letteralmente "cuce" i suoi paesaggi con sinergia. Željka Zdjelar ricorda come Olga Vicel sia arrivata in galleria due anni fa con due valigie piene di quadri. Quando li ha aperti, è stata immediatamente ammessa a entrambe le società? pittori naif e HDLU. Insieme ad essa c'è anche lo scultore Marino Jugovac che lavora alla stilizzazione delle città istriane. In ambito slavo spiccano Josip Pintarić Puco e Tomislav Petranović Rvat, e nel cosiddetto Marica Mavec-Tomljenović, altrimenti la suocera del ministro della Cultura Božo Biškupić, è la più forte nel naif urbano, che si basa sulla tendenza mitteleuropea. In Dalmazia, i naif si concentravano sul decano Eugen Buktenica, come Ante Vukić e Anto Tadić.

"Sarebbe frivolo e irresponsabile pensare che una persona naif abbia un futuro", dice Dragica Lončarić, nata a Hlebine e membro dell'HDLU, che ha iniziato a dipingere su vetro 30 anni fa da studentessa. "La tendenza naif è finita perché non ci sono nomi più giovani e significativi. È un peccato che il naif nel suo periodo più brillante e di maggior successo non sia stato affrontato in modo critico. Vale a dire, quelle persone naif che hanno lavorato per interessi finanziari o hobby hanno portato nella mediocrità ciò che era geniale. ”

Dragica Lončarić, dice, non è mai stata gravata dalla "terra e da una mucca", ma ha cercato di dipingere onestamente attraverso il vetro, il mezzo che conosceva meglio, quindi i suoi primi lavori sono stati caratterizzati come psicogrammi. Disegnando, parlava di sé, delle sue frustrazioni e dei suoi pensieri. Ma quelle immagini oscure non hanno incontrato l'approvazione in Croazia. Come rappresentante dell'ex generazione hippie, dice, non è mai stata colpita dal denaro e dai guadagni, quindi ha continuato a dipingere ciò che sentiva di più. Fu allora che la gallerista Charlotte Zander organizzò una mostra dei suoi dipinti scuri a Monaco di Baviera. "Lo spettacolo è stato un enorme successo e mi ha mostrato che stavano affrontando anche altri argomenti, non solo le mucche che erano molto popolari negli anni '70", dice. Fondamentale per lei è stata la mostra collettiva "Alternativa", organizzata circa 25 anni fa nella galleria di Hlebine. che presenta l'ultima, quarta generazione di naif. La mostra ha presentato autori più giovani che hanno avuto un nuovo approccio e hanno affrontato un argomento diverso.

Sebbene i prezzi dei naif siano diminuiti di quasi il 50 percento, le sue opere si posizionano ancora bene nel mercato dell'arte. "Ho avuto un grande maestro", dice. "La gallerista tedesca Charlotte Zander, che è stata tra le prime a prendere sul serio il naif, mi ha offerto prezzi più bassi, ma una cooperazione a lungo termine. Si è rivelata intelligente".

L'esperienza di Nada Švegović-Budaj, pittrice di Koprivnica, è completamente diversa. Afferma che le persone naif si trovano in una situazione terribile perché le loro opere vengono vendute con più difficoltà che mai. Il pittore naif medio oggi può arrivare, dice, a un massimo di 500 euro per quadro su vetro di grande formato, e una volta i prezzi andavano dai mille ai cinquemila euro, mentre le opere di punta dei grandi andavano dai 50mila euro in su. Tuttavia, va tenuto presente che in Podravina c'è molta concorrenza di pittori naif e che la vita è molto più economica che a Zagabria, compresi i dipinti. Ad esempio, a Zagabria, l'olio su vetro di formato più piccolo non può essere acquistato per meno di mille euro e i dipinti di formato più grande raggiungono prezzi molto più alti.

"Il mercato è completamente crollato e le persone acquistano principalmente pastelli più piccoli per i regali di nozze perché non hanno i soldi e coloro che hanno buoni stipendi non amano l'arte", dice. "Ad esempio, di recente ho venduto due pastelli a Varaždin per 200 e 400 kune, e poi un dipinto su vetro per 300 euro a un acquirente di Zagabria. Quell'uomo di Zagabria ha poi ordinato un ritratto di suo nipote, che avrei dovuto fare secondo una foto molto brutta. Quando l'ho finito, ha annullato l'ordine per telefono. I collezionisti stranieri vengono ancora in Croazia, ma raramente acquistano dipinti. Inoltre, i galleristi stranieri raramente organizzano mostre naif nel mondo perché le opere di un pubblico naif, a quanto pare, non vogliono più. Nonostante ciò, dipingo ancora, e la mia forza è data dal riconoscimento e dall'amore per l'arte. E bellissimi cespugli lungo la Drava, a cui non posso resistere. Ma se non avessi un marito che mi sostiene, non so come sopravviverei".

Nada Švegović-Budaj è nota per la pittura su vetro con una speciale tecnica "bagnato su bagnato", e non come al solito "strato per strato". Ha attraversato diverse fasi artistiche della sua carriera, da scene di vita quotidiana rurale, attraverso paesaggi ai ritratti, che l'hanno ispirata di più ultimamente. Dice che ha anche pagato per la sua monografia in cui sono state stampate 50 riproduzioni in immagini. "Un tale metodo di pagamento non è raro nel mondo del naif croato", dice.

Si dice che la pittrice Nada Vukres, nata a Kalinovac, città natale di Ivan Lacković Croata, operi sulle tracce della scuola di Hlebine, ma con una particolare sensibilità femminile. I suoi dipinti sono in possesso della regina britannica Elisabetta II, dei presidenti della Repubblica Ceca e della Cina, e sta appena finendo il suo lavoro per il re norvegese. A febbraio, la Galleria Mirko Virius terrà una mostra per celebrare il 30° anniversario del suo lavoro e delle sue mostre. Alla mostra presenterà circa 30 oli su vetro, per lo più paesaggi della Podravina, che immortalano la pace e la tranquillità della regione. Lo ha notato anche il critico del quotidiano tedesco Frankfurter Rundschau, che ha scritto dopo la sua mostra a Francoforte che "vuole fermare l'assalto della civiltà con i suoi dipinti". Vale a dire, Nada Vukres è la più grande ispirazione della natura, "la bellezza che scompare",

"C'è stato uno stallo per diversi anni e non si è venduto nulla, ma ora sta tornando l'interesse per il naif, soprattutto tra gli intellettuali, che sono per lo più alla ricerca di paesaggi malinconici che trasudano nostalgia per la loro patria, come se volessero riportare indietro il passato, " ha detto Nada Vukres. Anche la pittura si occupa con successo di bioenergia. "Solo i veri pittori, che lavorano per amore, sono rimasti sul mercato, e quelli il cui motivo principale era il guadagno hanno rinunciato al naif o hanno fallito. E in ogni dipinto puoi vedere se è stato creato per amore o per denaro. ”

Alla domanda se il gusto del pubblico fosse davvero cambiato, ha risposto affermativamente. Dice che nessuno è più alla ricerca di classici motivi naif con personaggi di buoi e contadini. "I clienti non sono interessati a immagini oscure e pessimistiche, cercano opere che trasmettano energia ottimista e positiva. Ci sono due tipi di clienti: uno è alla ricerca di immagini che li illuminino, perché hanno abbastanza problemi nella propria vita, e l'altro sceglie con molta attenzione l'autore, il tema e la tecnica. E hanno tutti soldi, i dipinti non li comprano i poveri. Ho anche notato che ultimamente le persone prestano molta attenzione alle regole del feng shui. Si assicurano che, ad esempio, non ci siano immagini di acqua nella camera da letto e che le immagini scure vengano buttate fuori dagli appartamenti in massa. Penso che tutti abbiano bisogno di più luce", ha concluso la pittrice.

Nada Vukres ha un agente che si occupa della vendita dei suoi quadri. In una mostra a Chicago, ha venduto fino a nove oli su vetro su 25 dipinti esposti. Ma se non le piace il cliente, non vuole vendergli il dipinto, cosa che fa impazzire il suo agente. "È difficile separarsi dai dipinti", dice.

Katarina Henc, che negli anni '80 ha avuto un grande successo di mercato in Croazia e in Europa, si distingue spesso nella cerchia femminile. In Germania, le vetrine dei negozi erano piene dei suoi poster e alla mostra nella galleria "Mirko Virius" una volta ha venduto fino al 90 percento dei dipinti esposti, che è entrato nella storia della galleria come il più grande profitto. Katarina Henc deve la maggior parte del suo successo all'atmosfera nostalgica e oggi si è riorientata verso le vedute urbane e si è allontanata dal naif.

Secondo Željka Zdjelar, la campagna contro di lei per anni ha danneggiato di più i naif. "Questa campagna è condotta in clandestinità ed è guidata da snob ed elitari artificiali che hanno paura della campagna e vogliono dimenticare il passato", afferma. "Qui, la Società degli artisti naif croati non può entrare nella sua stanza nella Casa croata degli artisti fini, che ci è stata ufficialmente assegnata. Ecco perché penso che la divisione in pittura naif e accademica vada rivalutata in un contesto sano”.

"Il mio caso mostra il disaccordo dei critici sulla definizione di pittura naif", dice Dragutin Trumbetaš, che vive in Germania da anni e attualmente sta scrivendo un romanzo sulla storia personale e sociale, da Marx e Tito ai giorni nostri. "Alcuni mi definiscono un naif, altri un outsider, altri ancora un marginale, e i critici d'arte tedeschi mi hanno classificato come un gruppo di autori socialmente critici. Mi sono sempre allontanato da quel terribile dipinto naif che ha distrutto il naif croato. Ci sono decine di persone naif che rappresentano la Croazia nel mondo in varie mostre, e infatti sono pessimi pittori e sfruttano la tendenza. ”

Željka Zdjelar dice che non si vende molto, ma che in galleria arrivano sempre più giapponesi, americani e israeliani, che cercano soprattutto archetipi della scuola di Hlebine, paesaggi poetici e idilliaci con atmosfere romantiche. “Sono stupito dalla loro conoscenza? fanno una lista di pittori e poi, secondo la profondità delle loro tasche, scelgono il loro preferito o il suo surrogato. Queste sono per lo più persone altamente istruite che guadagnano bene. Conoscono anche gli autori croati più costosi, come Lacković e Rabuzin, anche se non acquistano i loro oli. Perché i prezzi dei più grandi sono ancora molto alti e l'acquirente medio non può permetterselo. Comprano per lo più le stampe di Lacković e gli epigoni più giovani della scuola di Hlebine, che possono ottenere da 500 a mille euro. Non appena abbiamo introdotto la possibilità di vendita su Internet, è arrivato un ordine per tre classici della scuola di Hlebine da una nota casa di design di Tokyo. ”

In Croazia, nel 1931, Krsto Hegedušić e membri del gruppo Zemlja decisero di presentare gli esperimenti di pittori autodidatti del suo villaggio natale di Hlebine. In effetti, voleva vedere se poteva scoprire persone di talento senza un'educazione artistica nel suo villaggio natale, che potevano dipingere. L'interesse per il naif cominciò a riapparire negli anni Cinquanta, in un momento in cui l'astrazione era più forte, in effetti come contrappeso all'astrazione. Il naif è stato poi accettato in modo affascinante dal pubblico, ma anche dalla critica. Secondo Crnković, le animosità legate al naif sono apparse quando i dipinti dei naif hanno cominciato a vendere bene. Ad esempio, Ivan Generalić ha venduto quasi tutti i dipinti della sua prima mostra personale nel 1953 a Parigi.

Ciò causò un duplice effetto: molte persone della sua città natale di Hlebine, continua Crnković, decisero di dipingere, così emerse una tendenza naif, e d'altra parte sorsero i primi aspri conflitti tra artisti istruiti e ignoranti. Così, Generalić insieme a Hegedusic ha partecipato a mostre fino al 1959, e poi c'è stata una spaccatura tra loro. Quando hanno esposto insieme al Palace de Beaux Arts di Bruxelles, la regina belga ha acquistato un dipinto di Generalić, non di Hegedušić. “Quindi, tra un grande pittore e un accademico come Krsto Hegedušić, che aveva la sua bottega maestra ed era una delle persone politicamente più influenti dell'epoca, e un pittore autodidatta di Hlebine, che era un talento originale e ha fatto un affascinante carriera, lei ha scelto questa e non c'è da meravigliarsi se si è verificata una scissione".

"Nel socialismo, cioè nel comunismo, il naif non era ufficialmente sostenuto dallo stato perché era sufficientemente sostenuto dall'esterno, ma poiché avevamo una popolazione a maggioranza contadina, è normale che l'arte naif contadina fosse vista con favore", ha spiegato Crnković. "Negli anni '90 la politica ha interferito con il naif, sono scomparsi i criteri, si sono perse le critiche e sono emersi molti valori problematici, è apparso il 'Miracolo del naif croato', la più grande zavorra di cui ci occupiamo ancora oggi. Era un affare privato sostenuto da strutture politiche e che promuoveva alcuni nomi la cui pittura non aveva alcun valore ma raggiungeva prezzi fantastici. So per certo che i quadri di alcuni autori in quel negozio costano da tre a quattro volte di più che a New York e Parigi. Quindi il 400 percento in più! Tali prezzi hanno creato un'animosità ancora maggiore nei confronti dei naif. Inoltre, l'ex presidente Franjo Tudjman ha visitato quel negozio in piazza Ban Jelačić per un capodanno e non ha mai visitato il nostro museo. ”

Alla domanda se il naif come stile possa tornare al centro dell'interesse, Dragica Lončarić ha risposto: “Difficile dirlo. Forse un giorno, quando le persone saranno stufe di video e performance, torneranno a interessarsi del naif come a un dipinto onesto che non ha un background intellettuale. ”

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

Tratto da

Josip Generalić - Nel vuoto della "fase nera"

Data di pubblicazione: 05.11.1985

Josip SKUNCA

 

Alla 4a biennale degli acquerelli jugoslavi a Karlovac - Galleria »Vjekoslav Karaš«, 29 -3 maggio 1 . Agosto 1985 - tra le opere recenti di pittori di tutto il paese, realizzate tra le due mostre della già citata Slava Raškaj, generalmente considerata la più eminente protagonista dell'acquarello e fondamento della modernità croata, c'erano anche due acquerelli di Josip Generalić della cosiddetta "fase nera". . Mostre dai nomi insoliti, drastici. La prima: "La vedova nera (latrodeetus) distrugge le sue vittime", e la seconda: "Grdoba allergica alle api"; entrambi i formati sono 100x70 centimetri, tranne dieci e cinque, che catturerebbero già l'attenzione dei visitatori nonostante il set più grande con 177 opere.

Josip G eneralić 1985.
"Una vedova nera (latrodeetus) disperde le sue vittime" - acquerello

“La vedova nera con le sue vittime è dispersa” ci è stato detto, ovvero la bizzarra anatomia di una donna obesa con quattro file di seni, cioè una trentina di seni. C'era un'enorme cincia di ragno sotto una testa mostruosa con occhiali, da cui, oltre a un naso, cresce un tronco-pene, mentre piante fantastiche strisciano sull'erba e crescono piante fantastiche, su cui due creature simili a elefanti, forse un padre e un figlio, sono stipati, e i serpenti strisciano in giro. Cosa direbbe a questo Günter Grass, che canta estasiato nel suo "Lumburu" ("Der Butt") del donatore di vita a tre risucchi di origine divina, senza nascondere l'irresistibile bagliore dell'astronomo erotomane del tono dell'intero romanzo di Rabelais, anche in apertura del poema in onore di Aua?

Aua

0 se dovessi sederti di fronte a tre seni

Non saprei solo dell'una o dell'altra succhiare

e se non fosse doppia, separata come al solito

e non ci sarebbe scelta

e non avrei mai dovuto né l'una né l'altra se non avessi nutrito rancore contro la gemella

e se fossi rimasto senza altri desideri. . .

Ma mi resta un'altra scelta

e sto appeso per tutta la seconda a succhiare.

Invidio la gemella.

Il resto del desiderio è separato come al solito.

E sono anche tutto metà e metà.

La mia scelta cade sempre nel mezzo.

Esiste solo un pezzo di ceramica (datato incerto),

Presumibilmente, viveva quella Aua: la dea

con una tripla sorgente,

una delle quali (sempre la terza) lo sa

ciò che la prima promette, la seconda trattiene.

Chi ti ha eliminata, ti ha emarginata?

Chi l'ha detto: due e basta?

Da qui il digiuno, o il pasto stesso.

(Nell'adattamento di Truda e Ante Stamać; romanzo tedesco 10 libri; University Press Liber; Zagabria, 1979; pagine 23. Di Hermann Luchterhand Verlag, Darmstadt und Neuwied, 1977). La vedova si disperde con le sue vittime" sopravvive ancora, nell'immaginario del pittore, con il peso credibile del mare, datato con certezza nel 1985. E non c'è carica di oblazione graduale, ora con segno negativo, e quindi il significato di latte è qui invertito. Non nutre il bambino oscuro di una vita produttiva, ma vittima di possessività maniacale, e il latte non è bianco, ma nero. È il cibo dei morti. Un personaggio è trafitto attraverso lo stomaco (bambino), l'altro attraverso la bocca (padre). Sono collegati da fili di ragnatele, i ragni stanno preparando una festa.

Ecco Aue nell'immagine capovolta di una strega che allarga i seni neri di una falsa promessa.

Troveremo una versione di "Vedova nere di Raznose con le loro vittime" in un acquerello intitolato "I compensi di Grdobina, dall'ottantaquattresimo, formato 80x100 centimetri, un'altra in serigrafia nella cartella "Anello del Serpente", edita nella stessa anno, chiamato "Avidità", come ultimo, settimo, ultimo foglio della cartella, completamente creato nell'atmosfera della "fase nera" ("L'avidità" è simile all'acquerello "I compensi di Grdobini", ma è leggermente più piccolo in formato: 50x35 centimetri). "I compensidi Grdobina", cioè "Avidità", hanno sei seni ciascuna e hanno più granate della dea Kali, in cui le dita depongono pezzi di carta con la scritta "compensi", mentre una rana lucente emerge dal canale del parto, e dall'ombelico emerge la punta della lingua di un serpente, la stessa di "Hlepnice", cioè la donna di nome Grdoba.

Il secondo acquerello della mostra di Karlovac, "Grdoba allergica alle api", sembra provenire dalle pagine del "Manuale di zoologia fantastica di Jorge Luis Borges in collaborazione con Margarita Guerrero, questo non è un trattamento da mostro letterario, ma espressione artistica dell'idea originaria, per cui non si può nemmeno parlare di presa diretta di motivi - proprio come nel caso di "Le vedove nere sono sparse con le loro vittime" per quanto riguarda "Lumbur" di Günter Grass  - ma di accidentale e parafrasi paradossale di ben noto (Lavori letterari). È così strano e soprannaturale, non è come l'animale immaginato da C.S. Lewis, o Franz Kafka, o Edgar Allan Poe, è forse, vagamente, il più vicino ai diavoli di Swedenborg, che "Ognuno di loro è bello, ma molti hanno facce bestiali o grumi informi di carne invece di facce...", e " non sono in alcun modo un ceppo speciale, sono già propaggini della razza umana" (citazione da "Handbook of Fantastic Zoology" tradotto da Ivan Ott; "Knowledge", Zagabria, 1980; Biblioteka "etc", libro 62).

Josip Generalić "Grdoba con elefante" - acquerello

"Grdoba allergica alle api" di Josip Generić si erge su degli sci corti, le sue gambe sono simili a quelle umane, ma il suo corpo è ricoperto di pelliccia, ha una lunga coda, la sua testa è composta da una scimmia e un volto umano, con i capelli lunghi il colore della pelliccia. Ha calpestato il fiore, quindi le api lo hanno mangiato. Tuttavia, il punto centrale della zoologia fantastica, nel senso del tessuto caratteriale di quella creatura, è portato dall'impiccagione intercostale, dalla vulva distesa. Pertanto, in tutti e tre gli esempi citati del simbolismo di creature orfiche antropo-zoom, l'attenzione è rivolta alla sessualità perversa come determinante accidentale della ragione e tale ossessione artistica, con un chiaro messaggio di condanna morale dell'iniziatore dell'azione artistica. Ovunque sulla scena c'è la scala standard del feticismo maschile nelle donne - seno, vulva e vagina, bocca, ombelico - con un effetto inversamente proporzionale, poiché si tratta di esprimere la connessione sesso - denaro, perversione sessuale, sesso - serpente, sessualità - baule con un sottotesto di disgusto e disprezzo. Se in Grass il seno è segno di gioia di vivere, in Generić, in questo caso, è una scusa per un'immagine dell'orrore. Anche l'organo genitale femminile e così via.

Ancor di più, questo impegno fuori serie nel campo dell'arte naif  emerge quando confronto gli acquerelli descritti e il foglio grafico con il significato simbolico più ampio delle manifestazioni sessuali qui proscritte, legate al declino etico del femminile attore, che contrasta la sua naturalezza con l'avidità e la satira pronunciate, e, infine, si trasforma in estrema repulsione. Prendiamo un serpente. Oltre a molti significati, ha anche alcune caratteristiche simboliche positive. Ad esempio, come medico serpente, come un retipo di base in stretta connessione con il calore della vita e l'immaginazione per la comprensione dei surrealisti, come quello che ispira Apollo e Dioniso. Nemmeno nella "fase nera" di Generalić, in cui esiste esclusivamente in segno di condanna. È una tentatrice, una ingannatrice, gravata di peccati, e quindi arrogante, egoista e avara.

Il culmine della beffa sarcastica e maliziosa sarà raggiunto dal simbolo serpentino nella cartella "L'anello del serpente" (sette pagine grafiche eseguite con tecnica serigrafica, con copertina, in 129 copie e con prefazione di Vladimir Maleković; Studio "S", Brano Horvat, Zagabria; editore: LIKUM, Zagabria, 1984). Come si diceva delle opere analizzate che sono terribili da vedere, così si potrebbe già aggiungere al nome della cartella che sono terribili da ascoltare (horribile auditu), o da dire di esse (horribile dictu). Naturalmente, tenendo presente la comprensione dell'artista del serpente nelle opere della "fase nera". Un totale di sette grafiche, il serpente ne abita quattro: fogli intitolati: "La sposa del diavolo", "Nell'anello del serpente", "La danza dei crudeli" e "Sagittarius". Una volta che sgorga dalla testa, sotto la corona su cui sono piantate due zucche carnevalesche, la seconda volta la regina mascherata con il becco lo tiene con i pugni, per facilitarne l'uscita eretta dal suo grembo; poi ancora, uno degli amanti tiene in mano un arto di serpente, e in "Strijelac" è uscita dal grembo materno come una bestia a due teste che attacca l'arciere e la sua vittima, con le risatine del gruppo mascherato.

Josip GeneraliČ 1978 -7 "Agonia"

C'è più indicazione che sia presente anche in "Avidità" - la spinta più prominente della lingua dalla bocca della donna e dall'ombelico - ma se prendo il seme maschio per i cuccioli del serpente, come indicato dalla testa serpente dello sperma, poi il serpente è sulla scena e nella lettera intitolata » Cavallerizza". È assente solo in "Delitto". Mentre il diavolo comunica con una donna travestita, dalla cui testa nascono gli insetti in quella foglia elettronica, un moncone con una testa maschile scolpita viene tagliato con un'ascia, e sopra una bara da cui le radici del ceppo stanno già sfondando (questa è una panoramica semplificata di quella foglia che tra le altre si vede un pesce capovolto. Poiché il pesce, a livello di simboli, è anche legato per nascita, con rinnovamento circolare - come affermato in »Dizionario dei simboli« di Jean Chevalier e Alan Gheerbrandt (Ufficio editoriale della Patria di Hrvatske, Zagabria, 1983).

Il serpente nel significato di oscurità, morte, discordia, lussuria, avidità e arroganza, avarizia e sessualità malata, ma con un'enfasi sulla liquidazione del serpente personificato e del suo oro, appare per la prima volta nel 1980, nel dipinto ad olio su fondo di vetro "Trauma II" (etere 38x40 centimetri). Da allora, ha attraversato la "fase nera" in varie forme e specie di immagine fittizia dell'autore, dipendente già dallo strato di possibili significati negativi che assegna loro nella realizzazione di un dipinto, acquarello o foglio grafico. Tuttavia, la "fase nera" nell'opera di Josip Generalić, il rappresentante sovrano della "scuola di Hlebine", cioè la pittura del bacino della Podravina, come dicono alcuni scrittori d'arte della "scuola di Hlebine", non inizia con questo pittura, visto che il fenomeno di Hlebine nel dopoguerra si diffuse da alcuni paesi limitrofi, e si fecero avanti anche altri autori originari della Podravina. La nascita della "fase nera" dovrebbe essere presa come l'anno 1978, quando: "Mostro dalla testa bianca", "Lacrime su un uccello morto", "Mostro che mangia fiori", "Bambino affamato", che mangia fiori", "Bambino affamato", "Agonia" sono stati creati in ordine.", "Guyana '78" e "Tempo fermo", con un pennello a olio su vetro, cioè sicurezza, di diverse dimensioni, e interpreta alcuni stati mentali traumatologici del pittore e il tempo in cui il pittore lavora.

Già prima il pittore era alla ricerca di un tema fuori dalla tradizione della "scuola di Hlebine", desideroso di confronto diretto e dialogo con il significato del tempo in cui sceglieva gli eroi del cinema e del rock, del varietà e dei voli internazionali, ridotti a il contesto dell'ambiente Podravina e qualche fantasia unica. In questo senso, la "fase nera" non è una rottura rivoluzionaria con i compagni in cui Generalić Jr. ha già occupato uno spazio notevole con il suo contributo. Ciò sarà confermato nel 1969 da Boris Kelemen nel suo libro "Pittura naif della Jugoslavia" (Zagreb City Galleries, "Spektar", "Tsvarnost", Zagabria). Scrive: »Sia Ivan Večenaj che Mijo Kovačić sono apparsi sulla scena artistica nel 1954, così come il figlio di Ivan Generalić, Josip. Forse è la cosa più difficile per lui. Forse sente più forte la presenza di Ivan, e questo è importante, è consapevole della pressione di suo padre. Ecco perché ha vagato e cercato per più di dieci anni una via d'uscita: come ritrovare se stesso, il suo discorso artistico, o forse prendere la linea di minor resistenza, per riconciliare il grigio lavoro all'ombra di suo padre. Tuttavia, il suo talento sembrava aver superato la sua insicurezza: ha recentemente rilasciato la tutela di suo padre e con i suoi paesaggi arcadici ha parlato di un paese pienamente adottato: naif, Hlebine, il suo".

È una pausa, se ho capito che con l'inaugurazione di "Crnelaze" in pubblico, nello stesso anno in cui è stata creata la serie dei sette oli citati - Galleria "Dubrava" a Zagabria - ha introdotto solennemente confusione tra i fan e gli estimatori della "scuola di Hlebine", che era ancora in qualche modo accolta o anche la "fase di fioritura" di Josip nei primi anni '70 e, prima ancora, i suoi galli e libellule, ma che ora temevano seriamente di non perdere l'autentico interprete della sensibilità della "scuola di Hlebine ". Vale a dire, le immagini alludevano a uno stato d'animo significativamente diverso: irrequietezza mentale, preoccupazione, l'aspetto tragico delle cose - ad esempio, "Bambino affamato" (70x50 centimetro di etere) o "Guyana '78" (98x118 centimetro di etere) - un crisi sociologica, crisi dell'umanità e crisi della religiosità attiva nell'autoomicidio collettivo di più di 900 padri, madri e figli come preoccupazione inaspettata dei pittori nel realizzare le loro visioni. Si diceva che fosse taludost, che Josip stesse tagliando il ramo su cui era seduto, che stesse completamente rinunciando all'accoglienza che le sue serie di dipinti di origine contadina e di carica lirica, anche colorate di rock-fantasy, subivano.

Josip Generalić 1984 "Amazzone"

L'autore ha comunque aderito al suo metodo per allentare la tensione interna e ha continuato con lo sviluppo della "fase nera". Dipinge e dipinge più sulle orme della "scuola di Hlebine" - e l'avrebbe fatto diversamente - ma di volta in volta ha ripreso il tema in cui viene alla ribalta la sua svolta nelle preoccupazioni urbane e planetarie dell'uomo di oggi . Non è una produzione regolare e grande - 1981. Nel 1982 fu realizzato un solo dipinto: "Mela della discordia" (olio/securit, 75x55 centimetro di etere); nel 1982 fu realizzato un altro dipinto: "La nascita del diavolo" (acquerello, 80x60 centimetro di etere) - ma sette e ottanta, nove e otto decimi sono più fruttuosi. A quel tempo, queste immagini erano dipinte in ordine sulla sicurezza e sul vetro: "Trauma I", "Non desiderare la terra del tuo vicino", "Spaventare con un embrione verde" e "Vespa parassita in zuppa d'oro", rispettivamente: "Trauma II", "Uribolovo individuale industrializzato", "Cuore trafitto", "Mula incinta e bambola con coltello davanti a un cappello", "Maniaci dei pesticidi" e "Pieno contatto", su tela, vetro e sicurezza. Ha creato la prima opera segnata dalla distruzione della guerra, così significativa per il nostro tempo: "Non desiderare la terra del tuo prossimo". Questa riuscita parafrasi del nono comandamento di Mosè nell'Antico Testamento ebraico trasmette un'immagine semplice, ma molto efficace, del conflitto armato. Un soldato decapitato si spara alla testa con un fucile, che gli viene posto davanti su un supporto improvvisato, con lo sfondo di un fungo atomico fiorito dopo l'esplosione della bomba, e in esso un pezzo ancora intatto di paesaggio con i villaggi e la città degli edifici moderni. 

Ora le esperienze intime si intrecciano con una vocazione e un problema universale di etica, a volte presenta una struttura narrativa di tipo confessionale - in relazione alla famiglia, alla cerchia dei suoi parenti e alla temperatura personale, elevata della vita emotiva - a volte spiega le conseguenze dell'uso dei pesticidi in agricoltura, o lavora su una nuova serie di mostri femminili ad acquerello, come è avvenuto nel 1983. Ha completato sette acquerelli della serie che ha poi continuato nell'"Anello del serpente". ", ovvero: "Grdoba allergico alla testa", "Grdoba con l'elefante Tonić" "Grdoba con topi", "Megattera verde", "Pieno contatto di un cammello e una chiglia", "Giovane del diavolo" - a differenza del stessa pagina in "Anello di serpenti", qui il giovane preme contro il ventre di un petto di pesce serpente, e nella cartella di un piccolo elefante - e "La sposa aspetta il bambino". 

Un anno dopo, nel 1984, ho acquerellato il titolo "Le tasse di Grdobina" - una pre-versione di "Avidità" dalla cartella  - mentre nel 1985 ho realizzato l'acquarello "Raznosisa vedova nera con le sue vittime" e quattro oli: "La L'amore di un pipistrello e di una bellezza", »La passione del verme bianco a due teste su quello a cinque occhi«, »La piacevole sorpresa della capra« e »La guerra«. Tre scene di rapporti tra animali degne di essere incluse nel "Manuale" di Borges e una visione nera di un campo di battaglia, con un carro armato, un razzo e una bandiera delle Nazioni Unite calpestata, dove i conquistatori sono frenetici come la popolazione disarmata, su cui cadde la cieca rabbia dell'esercito divoratore. Mentre all'orizzonte, da un camino rovesciato di una fabbrica, del fumo nero si alza a grumi, il capo militare sul razzo è l'unico che manifesta una volontà psicopatica di distruzione satanica. 

Josip Generalić "Nell'anello del serpente"

Che Josip Generalić tenga anche alla più ampia presentazione della "fase nera", e non solo alle critiche che lo sostengono nel suo impegno lavorativo, è testimoniato dal fatto che dopo la mostra nella Galleria "Dubrava" - nella realizzazione di cui ha partecipato anche l'autore di questo schizzo per "bugia nera" - ho esposto opere di provenienza in altre cinque rappresentazioni, a Zagabria, Motovun, Zlatar e Koprivnica, e in 13 rappresentazioni collettive a Zagabria, Parenzo, Cahors, Vinkovci, Osijek , Parigi, Kumrovac, Melbourne, Lunds e Karlovac, con un invito a eventi critici come i XXIII annali di Parenzo ("Arte originale oggi - situazione e prospettive") nel 1983, ovvero la 1a Biennale "Animalisti contemporanei" a Osijek (1983 ), ovvero il Salone di Zagabria (1984) e una retrospettiva orafa (1950 - 1983) in collaborazione con Vladi Malaković.

Diciamo lo stesso schizzo, perché l'inventario di Generalić non è stato toccato nella sua interezza, né è stata spiegata la certa visione del mondo naif di quella produzione, che tuttavia è facilmente distinguibile nell'iconografia, negli stereotipi morfologici e nel parossismo della performance artistica , nella rabbia infuocata della condanna morale dei sudditi, ed infine, nella certa innocuità dell'argomentazione artistica, nonostante l'inconfondibile narrazione diretta e condanna sotto le spoglie di apparizioni, o meglio di verismo spettrale. "Fase nera" non è una parata esibizionista dallo spettro della dissertazione psicoanalitico-sociologica di Klaus Thevveleit, "Male Fantasias" (Grafički zavod Hrvatske, Zagabria, 1983), che si nutrirebbe dell'ossessione della sessualità non vissuta, ma una sincera e vissuta protesta di un'anima ferita. Una condensazione così intensa di emozioni ferite, con una trama alternata di energia travolgente e impotenza, l'arte naif non ha ancora prodotto.

Vedi anche: https://www.generalic.com/the-black-phase/

 Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

Tratto da

Nuova terapia d'urto dell'artista di Vrbovec, Mladen Kefelja

 

Pubblicato da: Korana Kovačić Abramović    29 gennaio 2020

Il versatile artista Vrbovec Mladen Kefelja sta lavorando a tempo pieno in questi giorni, a giugno sta preparando una grande mostra retrospettiva a Vrbovec, che segnerà 50 anni di lavoro artistico e il suo 70° compleanno. Il prolifico pittore e scultore ci ha aperto le porte del suo studio nella casa di famiglia a Celine e ancora una volta siamo stati convinti che da lui possiamo aspettarci solo l'inaspettato. L'ultimo motivo fallico dei suoi dipinti e sculture ha sorpreso molti. -C'è un fallo qui, così lo chiamano in Zagorje, o dopo il locale k… c. 

Alcuni di loro erano imbarazzati, non so, secondo me o sono dei falsi credenti o degli ipocriti, non capisco. Beh, per me è un organo come un altro. Volevo dipingere l'orecchio in quel quadro, ma vedo che quei politici che sono anche nella foto non hanno orecchio o non hanno udito, devo dire a queste persone esattamente com'è e ora tutti sono imbarazzati per questo. Ho solo messo Juričan nel cuore di pan di zenzero, ha detto alla gente solo così com'è - Kefelja spiega l'immagine con il fallo al centro della tela circondato dai principali attori della vita politica croata.

 Kefelja invierà loro delle cartoline con una riproduzione del dipinto citato. - Ho già inviato a tutti loro una cartolina con l'immagine Demografia croata. A tutti loro ho fatto gli auguri di Buon Natale e Felice Anno Nuovo. Poi ho visto che tutti hanno iniziato a parlare bruscamente di demografia, hanno detto che probabilmente l'avevano capito. Ora riceveranno le congratulazioni con questo fallo, Milanović, Plenki, Todorić, Marić, Kolinda, Bandić, ce ne sono alcuni, ci sono. Ho già mandato a Juričan, e l'ho invitato alla mostra - dice Kefelja.

 Nuove sculture a forma di fallo sono apparse nel giardino davanti alla casa, mi interessava quello che dicevano i vicini. - Le donne per lo più hanno reagito, questi uomini non hanno visto niente. Gli ho detto, questo sul limone è piccolo, quello è quando ero piccolo, questo sul susino giapponese, è allora che potevo saltare, e questo è al tramonto, e questo è al tramonto... voglio solo dire tutti questi sciocchi che sono per niente, che per k… c. - precisa.

 La Croazia, e anche la realtà politica mondiale, è ancora una fonte inesauribile di ispirazione per un artista che parla dell'attualità e dello stato d'animo della nostra nazione in modo canzonatorio, ma appunto con aspre critiche. -Non appena sento questi sciocchi, anche se vengono tutti dopo, non posso agire così in fretta, ho speso almeno 150 ore su ciascuno. In questo momento sto lavorando a Tre pazzi, Putin, Trump e questo Chung Mung Jung. Sono su tra le nuvole, sparano i loro razzi, bombe atomiche, e sotto c'è una grossa pagnotta, dove hanno fame, rifugiati... Ma tutti quei personaggi che cito, sono tutti ritagliati dai giornali e incollati perché non volevo perdere tempo con quegli sciocchi, ma ne avrei sofferto. 

È una tecnica combinata, collage e olio, è tutto permesso, quindi anche Picasso lo ha ritagliato dal giornale. Sono costantemente alla ricerca e non posso permettermi di conservare la stessa cosa per cinquant'anni - afferma l'artista.

Il concept della mostra di giugno è ancora in fase di elaborazione, ma la maggior parte delle opere citate sarà sicuramente esposta, sottolinea Kefelja e ringrazia la Città, che ha orecchio per il suo lavoro artistico.

Finora, Mladen Kefelja ha esposto in più di 200 mostre collettive nel paese e all'estero. Tra le mostre collettive, le più importanti sono le mostre con i naif del mondo a Bad Homburg e i naif d'Europa a Kerfeld, e la mostra a New York nei primi anni '90, all'International Art Horizons, dove è stato il unico rappresentante dell'ex Jugoslavia. Ha avuto 53 mostre personali, è stato incluso nella monografia Miracle of the Croatian Naive, nella monografia di Max Fourny, nel libro "Pictures from Exhibitions" di Luka Paljetko e nel libro "Slovenian Samorastnik and Other Painters". Dipinge dal 1970 ed è membro della Società croata degli artisti naif dal 1975. È un artista versatile, quindi dipinge su tela, a pastello, disegna, modella in argilla, realizza sculture in pietra, legno e siporex.

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Dalla lanterna alla torcia: sul dipinto di Ivan Lacković-Croata

 di  Božica Jelušić 

Data di pubblicazione: 05.11.1988.

 Non credo alla tesi che Lackovic sia un pittore della sua terra. Almeno non letteralmente. La sua patria fisica è Batinska, Podravina. Il paese è giallo e veramente sahariano. A volte salta tra le onde e si trasforma in una mite forma di dune. Nella notte di luna piena vi brillano sassi cosparsi di perline dorate: questa pietra nel silenzio ne esprime la genealogia celeste. Il sapore della sabbia in bocca è ricordato a lungo, quando viene mangiato, sollevato da terra, come un frutto stramaturo. A volte il vento porta una vorticosa duna di sabbia e le anziane si fanno il segno della croce vicino alla finestra e sussurrano parole antiche, perché fuori "le streghe ballano". Alla luce del giorno, la terra è piatta, anche le stravaganti sabbie di Đurđevac, una reliquia del deserto estremamente bizzarra, ai margini della quale si trova il villaggio di Lackovic, addomesticato da foreste di acacie, piantagioni di ontani fitte come canapa, pioppi, arbusti, viti. Il paesaggio della Podravina potrebbe essere sostituito da olandese, nordamericano, polacco. Anche nel dipinto di Lackovic, il paese non è nominato con particolare enfasi. Lei va da sé. Nei ritmici mutamenti delle stagioni ci si veste o ci si spoglia con i colori; in essa, sopra e intorno, si svolge il concerto sparso in quattro movimenti di Vivaldi, non a caso, questa è la musica preferita di Lackovic. "I colori cantano", dice Jakovsky. Riguardo a cosa? Diamo un'occhiata al più caratteristico:

Il blu canta il vuoto.(1) Il vuoto è accurato, pulito e fresco. Grandi aree di blu nei dipinti di Lackovic richiedono unilateralità, privando il paese del suo peso nutriente (fare il pane) e modellante (donatore di vita). Anche il blu chiede la ricerca di un'altra essenza: vuole alzare lo sguardo dalla faccia della terra, la classica opposizione orizzonte/mappa.

Il giallo è la stella vivente e il santo Om: il colore saggio, solenne, divisivo. Anche ambivalente: la sua voce è doppia, è costantemente "oppure". Parlerà della vita con un tono escatologico, un'eco smorzata. Lackovic lo usa molto, in entrambi i significati: girasoli gioiosi e campi di grano sono una variante solare, il cielo ocra è molto sommerso di giallo, nella natura morta sono crisantemi, è ctonia.

Rosso,Rosso, nativo, potenziante, è il colore del cuore. Lui è forza, calore, azione. E ancora: sud, armonia e apertura. Non c'è colore migliore che decifra Lackovic, più precisamente, in sostanza. Un "Ivanjski kriješ" acceso nel 1956 su vetro di Lackovic, scoppiò un grande incendio sulla terra, che colpì il limite del cielo e si irradia da qualche parte nelle sue profondità. E affinché l'artista abbia significati simbolici più profondi, dirà, ad esempio, il dipinto tipicamente "naif" "Andarsene per sempre" (del 1968) dove una mucca rossa condotta al macello simboleggia il sacrificio, o il ben più complesso "Cavalli Rossi " (1968). ), un'immagine che apre una situazione di tarocchi con due arcani: i cavalli rossi sono il Potere davanti al quale la Giustizia si ritira (contrassegnato con la corretta combinazione rosso-blu). L'uso da parte di Lackovic del rosso in tutti i toni supera di gran lunga il cerchio significante dei valori terreni, così come il visibile in generale. Sul cui asse inizia il vortice di pigmenti, si aprono i campi di significato e i valori riconoscibili della pittura di Lackovic.

Il trionfo del marrone non è una resa al convenzionale: né una rapsodica ascesa del terreno ("grumi") né un ritiro prima della creazione di Adamo, che finirà tristemente come "polvere alla polvere". È il colore della malinconia di Lackovic, che penetra in ogni membrana, entra in tutti i pori, si combina con colori complementari ma anche toni che le sono direttamente opposti: l'immagine senza di essa è quasi impensabile. Per sua natura, però, il marrone non è descrittivo, ma una costante psicologica: risponde alla domanda della valeru interiore, ciò che qualcuno ha già abilmente chiamato "lividi sull'anima". E da lì, inizia una lettura personale attenta, che è ciò a cui ci atteniamo qui. Il nero, del resto, in tutta la sua gamma di significati, potrebbe aprire molte domande, o chiudere il cerchio. Le sue connotazioni sono: denso, pesante e ansioso. Alberi neri, uccelli neri nei dipinti di Lackovic. Bordi neri di entrambe le superfici, tutto qui. Sono propenso a pensare che lo dica un fumettista, un fumettista razziale che (e perché dovrebbe?) non rinuncia alla sua invenzione: il suo albero spoglio è un simbolo di grande portata. Iniziamo il paragrafo con esso:

FLORA

Il vetro, quel "simbolo originario dell'uomo", di per sé tesse l'intera rete del significato. Basti ricordare: nella Kabbalah, è l'immagine dell'uomo. Nel simbolismo giudaico-cristiano si erge come un simbolo dello spirito. In molte culture troviamo interpretazioni antropomorfe legate all'albero. In esso, si sostiene, c'è l'inizio del fuoco e l'inizio della vita. In generale: rappresentando la vita, racchiude tutto il simbolismo della rettitudine. È un "sentiero di comunicazione vivente", qualcosa che "disegna dal basso e ascende oltre". Si sa tutto degli alberi padri e degli alberi madri. Si sa dell'albero cosmico, dell'albero capovolto (ideogramma del cosmo), dell'albero dell'illuminazione (segno iconografico del Buddha) e dell'albero della conoscenza del bene e del male (iconografia biblica). C'è un'antica equazione circa l'albero della vita e lo strumento croce di redenzione. L'aspetto materno dell'albero è esaurientemente interpretato nei testi medievali. Si può quasi dire: l'albero è il "centro di raccolta" degli archetipi, un'impronta immagazzinata nella memoria della specie, nel subconscio più profondo dell'uomo. Gli alberi di Lackovic sono per lo più alberi senza foglie. L'originale, a cui ci riferiamo in precedenti riferimenti all'albero, afferma che un tale albero spoglio è una rappresentazione del ciclo della morte e della rinascita. Ma ciò che ci sorprenderà di più è la scelta degli alberi nei dipinti dell'artista, molto distintivi e tendo a credere, psicologicamente profondamente motivati. Non casuale.

Lackovic disegna acacie, quercie e salici. L'acacia, "l'albero della luce dorata", per la sua prevalenza e radicamento in quasi tutte le culture importanti, è un simbolo universale. Insomma: “Ovunque, dunque, troviamo l'acacia, il legno duro dei fiori profumati e delle spine pericolose; è legato a valori religiosi come roccaforte del divino”. Il ramo d'oro dell'antica tradizione è il ramo di acacia. La corona di spine di acacia di Cristo è tessuta. Cina, India e Occidente lo conoscono come un simbolo. Quasi lo stesso dell'onnipresente, antica, ornata quercia. Ricordiamo: Zeus, Giove e la quercia di Perun. Per gli antichi druidi, il popolo della quercia, la cui saggezza e forza sono incarnate nell'emblema del protettore della quercia. Salice, finalmente. Se terminiamo con il salice, menzioneremo la legge divina, l'immortalità, l'"albero centrale" tibetano. Ammettendo, ovviamente, di aver "arato" troppo a fondo le nostre interpretazioni, e che gli alberi di Lackovic sono una diretta "trascrizione dell'ambiente", semplicemente: la flora della Podravina. Ma per un non autoctono, residente nella "casa cosmica", il livello trascrizionale (imitativo, convenzionale) sarebbe troppo superficiale, e qui sta il pericolo di quelle altre interpretazioni letterali della sua arte. Alla serie floreale Lacković vanno aggiunti un ruscello (non ti scordar di me) e un crisantemo. Dimenticanza semplice, abnegante, quasi memorabile, e un crisantemo solenne, melanolico, in un senso nobile e patetico, descrivono bene anche questo pittore-poeta, direi. Lackovic è un malinconico che ricorda, crede e spera. Impressionante in tutto questo, la sua incrollabile perseveranza.

BORGO E CIMITERO RURALE

Il villaggio di Lackovic`. da qualche parte in un fragile dispositivo ottico, le cui lenti li avvicinano o allontanano, compattandoli in un mucchio di capanne di paglia, pagliai e lettiere, recinzioni di vimini, pozzi, forni per il pane, fienili, legnaie, aie, cesti di grano, trappole, picchi con nidi con torre conica o bulbosa e crocifisso tarlo all'incrocio. A volte un fuoco brucia sui tetti pacifici, la casa di qualcuno brucia. Un corteo si dirigeva verso la chiesa, portando vessilli di seta e cantando inni devozionali, nel giorno della festa. Sulla stessa strada del paese passano feste di matrimonio e cortei funebri. Oppure un facchino solitario porta lì una manciata di bardana essiccata, mazzi di crisantemi, mazzi di agrifoglio e souvenir azzurri. O una terrestre incinta si fa strada attraverso il fienile in direzione di casa, portando una lanterna, svelando dentro di sé pensieri luminosi e nascosti. Anche gli zingari con un cavallo a due teste vagano per il villaggio e "carnevali" (mascherate) appesi si allineano di casa in casa. I ruggiti dei bambini si sentono in inverno sugli stagni ghiacciati, come se qualcuno stesse spargendo noci secche in soffitta. Molto spesso, però, i villaggi si sono estinti, si sono allungati e sono cresciuti tranquillamente fino a una sorta di radura: come nella raffinata prosa di Henri Bosco, qui vivono persone "dotate di immobilità". Ma è solo in una scena notturna, quasi mistica, che ogni semplicità si stacca: le case vengono "rifilate", e il pittore, trasformato in un gufo o in una creatura notturna irreale, percepisce solo tetti, finestre mansardate e chiome degli alberi. La luna coperta di nebbia sorge sotto le nuvole di canapa bagnata. Tutto è gonfio di polvere di caffè, terra d'ombra. Il villaggio è sommerso da sedimenti notturni. Solo un uccello rigido, con la testa e il collo rosso sangue, spiegava le ali bianche, a volte ondeggia in cima a un ramo artigliato, e il dipinto prende il nome da esso: "Uccello morto nella notte" (1962). Nel dipinto "Tetti notturni" (1964) non c'è più, e anche la Luna è privata di quel po' di giallo trasparente: regna la notte totale, niente vento, niente obsolescenza. 

Il funerale del povero, 1966

Nella pittura di Lackovic si tratta di una discreta inclinazione alla narrativa, per ora provocatoriamente interessante e inesplorata. Meritano un'occhiata più da vicino anche una strana versione del cimitero del villaggio del 1966 e la replica del 1977. Il cimitero è sotto la neve (argento, desolazione, costume) e su di esso un piccolo corteo come formiche: un portatore della croce, un sacerdote che legge da un libro aperto, portatori della bara e vecchie vestite di fazzoletti di lana nera. Nella bianca landa desolata puoi vedere i frammenti di cumuli con croci, rami strappati e qualche uccello congelato. I tulipani rossi crescono intorno alla fossa appena scavata! Nel primo ramo, più antico, anche le anziane portano fiori rossi, e alla fine della processione un cervo striscia, portando un triplo fiore rosso rubino in una pinza giuntata. 

Funerale, 1977

La luce, irradiata dalla fossa, fu poi sostituita dal sole nascente sul freddo satinato del cielo azzurro invernale, e addizionata di spine ricoperte di crocifissioni, illuminate dal cerchio dorato del sole, nel punto in cui verrà la testa del defunto. Per la forte e visibile "carica" ​​emotiva e il simbolismo che rimanda a riti segreti, mistici, occulti e in senso più ampio religiosi (rosso e bianco come il colore dell'accolito al servizio di Dio, o, implicitamente, il colore di Yahweh , dio della saggezza e dell'amore), un modo toccante per esprimere amore e fedeltà all'Ignoto (per un osservatore) che riposerà in una fossa con fiori sulla neve, direi che questo lamento pittorico è uno sconvolgente addio fraterno: quello di Lackovic il fratellino Petar giace nel cimitero del villaggio in Podravina. Suo fratello maggiore gli regala dei tulipani, invocando la sua infanzia, l'Eden, un legame ardente e un legame di sangue. Disegna anche una corona caduta nella neve: segno di vita inappagata, ma anche di colui che "è volato fuori dal cerchio delle lacrime e si è avvicinato alla corona agognata con passi rapidi", come ci insegna il racconto delle tavolette orfiche .(2)

TEMPO, VOLTI, ANIMALI

I personaggi di Lackovic sono caratterizzati, ricordando uno schema generale. L'impressione è che tutti abbiano lo stesso padre e la stessa madre. umanità, una grande famiglia. Batinska, un vero villaggio, o un villaggio planetario chiamato Terra, non ha importanza. Uomini e donne al lavoro, lutto e gioia, sono rappresentati principalmente dal semiprofilo: uomini con il cappello, donne con il fazzoletto. Costume antico, stoffa fatta in casa, spesso (per i personaggi femminili) una simbolica combinazione rosso-bianco-blu. Non c'è quasi nessuna differenza tra l'apostolo che passa per il villaggio, calvo, serio, ricoperto di barba (San Paolo) e il dotepenca-vagabunda, che vaga dal mondo bianco con una scatola piena di ninnoli bizzarri. Il tempo scorre a livello siricronico e diacronico: Matija Gubec, scalzo, in pieno inverno, il viso oscurato da pesanti presentimenti, potrebbe essere un uomo preoccupato nei nostri tempi plumbei. Il viso della madre, pulito, non toccato dal cambiamento, è come una pagina di un libro sacro. Artisti e maestri: Hegedušić, Galović, Tadijanović, Jakovsky, Ungaretti, appaiono in un sottile trattamento iconografico, circondati da segni che indicano la particolarità artistica o il significato del destino. Un'abile interpolazione di citazioni artistiche o testuali rivela l'ampia cultura e la costante sete di conoscenza di Lackovic. Il sigillo del secolo imprime lo stemma della maschera sui vetri e sui fogli grafici di Lackovic. Lo stesso artista spiegherà (nelle conversazioni) che il travestimento sostituisce il volto perduto dell'uomo del 20° secolo. Colui, dirà, che ha capito di non essere altro che materia, materia in eterno mutamento, fenomeno temporaneo e di trascurabile importanza nel moto ciclico.

Infine, l'animale (appropriato) appartiene anche all'uomo mascherato, la personalità in crescita. Sarà demoniaco, mostruoso, apocalittico. Cornuto, peloso, codato, sesso spudoratamente esposto, cresciuto in qualche serra genetica o nel calore della fantasia schizofrenica, questo mostro lascerà l'impronta dei suoi zoccoli in mezzo alla pagina della nostra storia esteticamente levigata e crespa: un segno di malattia, paura , bruttezza, violenza, male, distruzione. Il sacro e il profano cadranno nel fango, impigliati in un cerchio indissolubile: la testa lanosa, un angelo decapitato, un uomo ossessionato dalla lussuria e il suo spietato cavaliere L'arte di Lackovic non è moralista, maliziosa anche qui: la sua tranquillità sognante, l'inverno cristallino , mostri del sole e della luna allevati su campi di grano, prati e nidi. Lackovic è un sognatore e un profeta dell'età dell'oro, catturato e imprigionato durante l'eclissi, profondamente radicato nel male. Tutta la sua arte è un servizio devozionale, una Messa silenziosa per il ritorno della gioia nelle nostre case, nei nostri cuori, nei nostri pensieri e nelle nostre azioni. Merita, come tale, i suoi seguaci e credenti. E li trova, fortunatamente, in numero crescente, su tutti i meridiani, in tutto il mondo. Ora est.(3)

DA UNA LANTERNA AD UNA TORCIA

L'uomo con la lanterna, il portatore di luce, è il motivo puro di Lackovic, direi quasi un'ambientazione. Sarebbe necessaria una spiegazione stimolante (ad esempio Bachclard), che metta in relazione la lanterna con l'anima, per capire quanto sia ossessionato l'artista dalla questione dell'anima e della vita spirituale in generale, e chi illumina (o vuole illuminare ) che negli intricati percorsi della vita e dell'arte che oscura l'orizzonte. La promessa della lanterna di Lackovic è: Post tenebras luz.(4)

 Secondo l'evangelista Giovanni, "un atto ispirato dall'amore è un segno per camminare nella luce". Credo che questo detto si possa applicare all'esempio di Lackovic, senza il resto. Vuole donare luce e vuole guidare attraverso la luce.

Mettendo prima, modestamente, una piccola lanterna nelle mani di un uomo di ritorno dalla mezzanotte, e poi, sollevando quella lanterna su un bastone per illuminare con la lanterna tutto il corteo, espanderà logicamente il simbolismo della luce (e perfezionando, a allo stesso tempo, l'arte di trasmettere lanterne luminose, su cui c'è una bella discussione zen) arriva alle lanterne, alle torce, all'arco, alla randa. Tanti nomi per una cosa significativa. Sventolando ampiamente una torcia, nei disegni di Lackovic, un uomo o una donna descriveranno un cerchio di fuoco, che racchiude la forma del cielo, il nostro universo sferico e vorticoso. Le lanterne, come simbolo di purificazione e illuminazione, illumineranno tutti gli esseri e tutti e tre i mondi, toccando in noi l'essenza stessa divina. Niente rimarrà intatto e impregnato. Sospetti, esitanti, ameboidi, persone fatte di fango di terra, persone dall'aria dolce e dura, tutti, senza eccezioni, non resisteranno a questo splendore, dolcezza e calore, a questa limpidezza solare. Per quanto riguarda Lackovic, la storia russa del cuore di Ivan, trasformato in lanterna, torcia, raggio di sole, va citata per intero. Senza la sua tragica fine, se mai si potrà evitare il sacrificio (come riscatto).

LINEA

Esistono già libri, monografie tematiche e studi sui disegni di Lackovic. Apre un nuovo, molto sciatto ed esteso capitolo nell'arte di Lackovic. Ci sorprende costantemente con viaggi e penetrazioni nei luoghi "proibiti" e "chiusi" per il pittore autodidatta, originale, ingenuo fino a ieri. Lackovic, ovviamente, non lo faceva da molto tempo, non fin dall'inizio. Sta solo continuando uno dei suoi lavori di lunga data. Non ha scelta. Lo dirà lui stesso in modo più sintetico e migliore: "Il disegno mi ha portato in un mondo di passione da cui non c'è ritorno."  "Beh, arrivederci, e tante altre volte BUON  GIORNO, Ivana Lackovic. Ti auguro una mano leggera e tanto bianco. Saprai come riempirlo.

APPUNTI:

1. Tutte le interpretazioni si basano sul "Dizionario dei simboli" di Chevalier e Gheerbrant. Sono state utilizzate le conversazioni dell'autore con I. Lackovic e gli appunti raccolti durante i sette anni di raccolta. Ringrazio l'artista per la pazienza e l'aiuto.

2. Lacković ha chiamato questo dipinto "IL FUNERALE DEL POVERO", il che significa che, cercando su base simbolica, siamo andati volutamente all'ampiezza interpretativa, che voleva superare la descrizione vista, una trascrizione del dipinto.

3. È ora, è il momento giusto.

4. Dopo l'oscurità la luce.

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

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