Milan Generalić e Mato Generalić in mostra

 

Catalogo della mostra

DUE DALLA PODRAVINA

Milan Generalić e Mato Generalić 

presso la 

Casa della cultura di  Graz

dal 24 aprile al 24 maggio 1985

MILAN GENERALIC E L'ARTE NAIVE COME COMPITO

Dopo il grande Ivan, è dura per qualsiasi Generalić, essere un Generalić. Quindi è stato a lungo un problema anche per Milan Generalić scontrarsi con il cognome. Nel frattempo, nonostante tutte le difficoltà, ci è riuscito. Una delle immagini più belle di questo ultimo scatto della famiglia di artisti Generalić di HIebine mostra padre Mato sotto una quercia, circondato dalle sue creazioni scultoree. Un gufo gigante è quasi completamente modellato dal tronco. Il suo artefice riposa, gli strumenti dello scultore nelle sue mani, accanto al suo lavoro, che non solo viene eseguito all'aperto, ma è in un certo senso esso stesso un'immagine di questa natura: un'opera d'arte (cioè un pezzo d'arte) cresce a poco a poco dal legno radicato, non più e non meno lavoro dell'uomo di quanto lo sia per Mato Generalić il lavoro della terra. Il figlio Milan si è recentemente specializzato nella raffigurazione di campi di grano, in spighe ondeggianti verdi o gialle, in steli di mais disposti in stocchi. Un vetro, insolito per lui, mostra l'autunno a Hlebine con arbusti di mais bruniti, un certo numero di zucche giganti in giro, mucche, caste, con la chiesa di Hlebine all'orizzonte che è scivolata in alto. Gli alberi spuntano dalla zona come fiori in un prato. Il cielo è un cumulo di blu in blu. Nel caso delle rappresentazioni combinate, tuttavia, ciò che la tecnica della pittura su vetro rovesciata, la pittura da dietro, la acquisisce e diventa sua: la combinazione del disegno a pennello (cioè un metodo fondamentalmente grafico) con un ampio tocco pittorico. Gambo a gallo, spighe dopo spighe, foglia dopo foglia, le curve fitte sono ben ordinate e considerate il colore di sfondo. Anche con Milan Generalić , questo metodo e questa combinazione pittorica sono più di un semplice mestiere, vale a dire un mezzo per avvicinarsi all'apparenza del mondo in modo rappresentativo, cioè una agevolazione per la visione del mondo. La storia della pittura su vetro inverso nella Podravina registra tre fasi: in primis quei pittori che dipinsero anche prima della seconda guerra mondiale, poi quei costruttori edili che iniziarono subito dopo il 1945, e infine la 20° e 30° generazione di oggi. Milan Generale appartiene a questa terza fase, che differisce in una certa misura dalle istruzioni e dall'impegno impiantati nella pittura contadina croata da Krsto Hegedusic. L'approccio del giovane e del più giovane è diverso, più trasferito, confuso con ogni genere di cose. Puoi dire dal loro dipinto che sanno della prossima cosa migliore. Il »ingenuo. La natura "naif" della sua pittura non è più una condizione indubitabile, ma un vero e proprio compito, dalla cui soluzione dipende molto. (per non dire: tutto). 

Otto Breicha

MATO GENERALIC COME RAPPRESENTANTE DELLA SCULTURA

Accanto a Petar Smajic, Mato Generalić è la seconda grande personalità scultorea tra gli artisti popolari autodidatti della Jugoslavia. Smajic è un artista gotico nato dopo il nostro secolo. Le sue figure, che sono caratteristicamente allungate contro natura, sono spesso e volentieri combinate in gruppi, simbolicamente accatastati l'uno sull'altro. A Mato Generalić , i gruppi e le coppie crescono in modo più ampio. Con i loro piedi saldi e le gambe corte, le sue enormi creazioni sono vicine alla terra. Il piedistallo su cui stanno ogni volta indica un pezzo di lastrone, un'isola, un continente in miniatura, sicuramente radicato nell'ignoto. Le figure sono figure di attributo, provviste di fiori, botti e tronchi trasversali. Un uomo è ciò che tiene nelle sue mani. Le figure di uno Smajic sono costruite rigorosamente in modo simmetrico. L'effetto a Generalić si basa su irregolarità. Nessuna metà della faccia corrisponde all'altra. Ciò che è appena cresciuto viene tirato storto. Le sue figure, siano esse umane o animali, sono soprattutto esplicite, »espressionistiche« a modo loro. A differenza dei suoi colleghi dietro i pittori del vetro, lo scultore non inventa storie su ciò che è, ma si occupa di problemi di rappresentazione. Laddove i pittori spiegano il diverso e l'atmosfera nelle loro immagini in un modo diverso e suggestivo, il lavoro figurativo dello scultore lo rappresenta. Gli sposi appesi insieme a un emblema di girasole, simboleggiano la comunità d'amore post-Paradiso dell'uomo e della donna. Come una specie di gemello siamese, illustrano letteralmente il comando biblico »Sarai un solo corpo.La plastica è esemplare e rappresentativa: un crocifisso per la sofferenza di ogni creatura, una vacca parto per le circostanze dolorose dell'ingresso in questo mondo. Le sue figure rappresentano musicisti, cacciatori, zingari e altri viaggiatori. Mato Generalić popola il suo ambiente essenziale con creature che contengono questa essenza come un nucleo, la incapsulano. Con piede di porco e accetta lavora i tronchi in modo da espandere meravigliosamente e superare il legno. Idee e intuizioni sono catturate nei personaggi. Un gufo, l'uccello del filosofo, scolpito in un pezzo di quercia, è ancora il tronco di un albero. L'arte nasce dalla natura, la quale, pur divenuta forma e compendio, in sostanza non vi si oppone minimamente, pur essendo un'invenzione artistica. Quello che per molti è un problema (spesso irrisolto e irrisolvibile) sembra una conclusione scontata per Mato Generalić , un peccato parlarne. Se vuoi insistere su ciò che è importante nell'arte contadina jugoslava, devi iniziare con questa autocomprensione. 

Otto Breicha

Josip Pintarić - Galleria d'arte primitiva Zagabria

 

 Forse la soluzione (in una valutazione critica, ma anche come indicazione per il futuro -) del problema di questo pittore naif di Mala vicino a Nova Gradiška si trova in una frase della sua autobiografia: "le foreste della patria". Vale a dire, ciò che è prezioso nella pittura di Josip Pintaric e il nuovo nel senso veramente naif della parola è la pittura di paesaggio: un mondo di alberi, cespugli di fiori ed erba trasposto con fantasia e completamente individualizzato. In contrasto con questo alto grado di astrazione, che rende l'unità della superficie del dipinto e l'intero corpo di Josip Pintaric, stanno i suoi "personaggi" dipinti alla maniera del crudo naturalismo. Escono dall'arte naif e si trasformano in dilettantismo di un certo tipo. Non solo sono realizzati con altre tecniche, senza inventiva pittorica, ma lo sono anche nel contenuto in un certo senso appena sopportabile: forme pesanti, volti grotteschi e mutilati - tutto in conflitto con la natura idilliaca con strutturazione fogliare inventiva. È raggruppato in particolari file o cerchi su rami, su baldacchini, foglie immaginarie che questo pittore (lavoratore intagliatore del legno) ha estratto dalla sua fantasia e ne ha fatto un fondamentale mezzo espressivo. Con essa ritma le parti e l'insieme della pittura, la costruzione dello spazio e la poetica che lo introdussero nel famoso circolo dell'arte naif croata. 

A differenza di Ivan Rabuzin, la cui fine strutturazione luministica è al di là di ogni ornamento, e Bahunek, il cui stile è anch'esso basato sull'elemento floreale, ma con una tendenza alla sensazione cromatica, Josip Pintaric orna (nel senso migliore del termine) i suoi spazi al ultimo centimetro, variando "ornamento" nella forma e nel tono più che nel colore. Questo crea uno stato "incredibile", erboso che a volte entra nel regno della fantasia (così fanno le parti superiori del paesaggio nei dipinti "Pesca di pesce" e "Vagaodoka"). Ci sono, ovviamente, opere con cui Pintaric, anche con questo metodo, rimane all'interno di una realtà paesaggistica molto semplice; sono ancora opere in cui questo pittore naif della Slavonia rimane al livello della sua media; ma è solo che la strada va attraversata. E la domanda è se non debba essere nel senso di "Arbusto di fiori" o "Albero nel campo", o "Natura morta", ecc., quali immagini siano ancora all'interno di quella "poetica ornamentale", senza quel tocco di fantasmagoria che sappiamo evocare le migliori visioni luministiche di Rabuzin o le storie colorate di Ivan Večenaj "Ma anche quando troviamo quel tono violaceo sullo sfondo nel dipinto chiamato" Prati della foresta ", ci sembra che il pittore abbia previsto alcune delle sue nuove possibilità. Abbiamo dimenticato che tutte le opere di Ivan Pintaric sono state dipinte "affondando", più precisamente con una discreta scala cromatica, realizzata per lo più nei colori verdi di natura decidua? Ecco perché il colore viola ci ricopre e ci sorprende, così come ci fermeremo con interesse davanti a un piccolo quadro "Fiori e stelle", l'unico quadro "coloristico" della mostra, che - secondo lo stesso pittore - dovrebbe essere i primi del nuovo periodo, i citati dipinti "Prati del bosco", realizzati per lo più in un registro cromatico ristretto, hanno in questa mostra un'opera che sicuramente si eleva al di sopra della sua media; è la "Nuvola di ghiaccio", un'opera di fine poeticità e misurata immaginazione. Forse questo livello e le possibilità percepite di questo pittore dovrebbero essere sottolineate. C'è, come ho visto tante volte, in questa "riserva" naif la possibilità del pensiero critico di difendere alcune aree superiori dell'esistenza artistica, e di stabilire, in ogni caso, linee alte della delimitazione più efficace.

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

Tratto da

Franjo Vujčec - galerija »vladimir nazor« Zagabria

 

Uno di terza generazione, quindi doppiamente condizionato: un circolo di espressione già determinato e un clima generale, materialmente troppo "inclinato". Né la condizionalità deve essere assolutamente degradante, non lo era neanche in questo caso, ma rendeva difficile dissolvere i valori. Cioè (ed ecco il problema teorico fondamentale di ogni scuola, specie di quelle naif), il circolo morfologico e stilistico già stabilito avrebbe potuto consentire il "primo discorso", e poi qualche sequenza epigonale in genesi; ma allora? 

Poi c'è stato il problema che si è imposto a ciascuno di loro in Podravina dalla seconda generazione: uscire dal vicolo cieco e - padroneggiare la scuola, solo apparentemente contraddittorio: Potrebbe crescere solo se ciascuno dei suoi membri fosse diverso e "qualcos'altro". Molti di noi hanno compreso questa lenta crescita, hanno avuto i progressi che già stavano avvenendo, e la sommatoria delle "proprie esperienze", uno straordinario fenomeno di cerchi concentrici: dalla prima generazione, dalla seconda, fino all'ultima terza, e ora questa diffusione della quarta generazione delineano caratteristiche che non possiamo nemmeno immaginare senza interventi tangenziali di coscienza e morfologia. 

Ma Franjo Vujčec all'interno della sua (terza) generazione è ancora un classico nel senso di "scuola", e quindi il suo sviluppo ha un certo significato teorico: come e quanto nel tempo è diventato "qualcos'altro", al di sopra della convenzione, e cos'altro lo rende davvero un artista? Il muro della convenzione, tutto già visto e comune, gli schemi apparsi negli anni Trenta nella prima generazione e quelli della seconda generazione, che alcuni hanno già chiamato "accademia di Hlebine" - questo è stato a lungo il problema più grande del nostro naif ciascuno è cresciuto per se stesso ed è rimasto completamente diverso *. 

* Si tratta infatti di un gruppo puramente territoriale, "adiranoj" ma non cresciuto dalla terra - sebbene ognuno di loro sia un indubbio valore per se stesso: Ivan Rabuzin, Matija Skurjeni, Slavko Stolnik e Drago Jurak. Si sono collegati per la prima volta con una mostra a Zlatar nel 1971. ("Arte originale del circolo Zagorje"), e questo è forse un interessante tentativo di formare un gruppo o una scuola ex post; ma proprio questa mostra serviva a insegnare meglio le disparità genetiche e stilistiche dei "zagoriani", la mancanza di un'unica linea determinante, o del suolo, o di qualsiasi impulso vicino, se non comune, che creasse coesione. Ma in futuro, quando le loro mostre o attività saranno stabilite nello Hrvatsko Zagorje, la domanda è cos'altro potrebbe accadere nel nostra urbanizzazione tardiva.

Forse non si tratta nemmeno di rompere quel muro, perché allora farebbe  scoppiare la coesione del cerchio, piuttosto che la sua sovrapposizione ed espansione. Nella terza generazione, questa espansione è continuata, ma dopo le straordinarie scoperte dei pittori più importanti della seconda generazione (I. Večenaj, M. Kovačić, F. Filipović e D. Gaži), i turni sono cambiati e, molto spesso, più discretamente : con J, Horvat-Zdalski, I. Lacković , S. mi sembra non siano meno interessanti dal punto di vista teorico. Pensiero critico, con una certa simpatia più vicina al problema e al destino di ciascuno di loro, come se non seguisse e supportasse la loro decisione, anche con il nostro pittore. Ma dalla mediocrità, o dalla stessa non esistenza. Dobbiamo ancora temere che si temono interventi critici: -di recente? 

L'intera evoluzione inferiore nel bacino della Podravina (I. Večenaj, M. Kovačić, ecc.) e in quello esterno (I. Rabuzin) non ha mostrato come un insieme di nuclei possa preservare e sviluppare ulteriormente, anche a nuove aree psicologiche di fantasmagoriche, diaboliche e precise, oppure a poeticizzazioni luministe di straordinaria finezza? Nella mostra di Franjo Vujčec vede l'insieme tra convenzione e momenti ispirati, spesso in una media che dura semplicemente in un piano narrativo con un inventario familiare; forse "Gorički pajdaši" (1970), "Na paši" (1970) e "Jesen" (1970) sono esempi di questa narrazione convenzionale, con un colore più chiaro che è apparso davvero negli ultimi anni come segno del suo stile (V. Crnković, nella prefazione al catalogo).Sia le nature morte che i fiori sono qualcosa di nuovo che Vujčec può raggiungere un nuovo livello ("Peperoni rossi", 1970, ma molto meno "Gerani ", 1969 e "Fiori", 1970).Ci sono anche tentativi di ottenere qualcosa oltre con l' effetto ":" Notte "(1968), con quella neve color bluastro, o "Mezzanotte" (1969), con enormi tronchi d'albero. La sua ironia raggiunge un nuovo valore con il dipinto "Il gallo decapitato" (1971), leggera inventiva e cromatismi ariosi, senza inutili fardelli, é "Čovjek pod teretom"(1970) è un esempio di grandi masse colorate in un equilibrio che raramente si incontra. Forse la futura espansione del cerchio di Vujčec dovrebbe essere cercata in questa direzione; forse in qualcosa di molto più "classico" nel senso Hlebine del termine: nei due migliori dipinti della mostra (fuori catalogo): nel piccolo "Vigilia di natale", e nel più grande "Vigilia di natale" (1971), in cui il già noto "inventario" della Podravina raggiungeva una nuova ipostasi che ci caricava di burlesque o di atmosfera. Forse questa moderazione lirica è la seconda o già la terza possibilità di questo pittore naif.  Poche possibilità aperte dopo otto anni di esposizione! Questo significava che la genesi non era ancora completa e che la stabilizzazione del suo percorso e del suo livello doveva ancora arrivare?

Tradotto s.e.&o. da Naive Art info

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