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| Ivan Rabuzin, Inverno, 1966 |
Galleria d'arte primitiva
Zagabria
9 Febbraio 1967
di Grgo Gamulin
Ai margini della nostra arte, ma con una significativa tendenza a trasformare il centro vitale sminuito (fenomeno che porta con sé una definizione simbolica per il nostro tempo), l'arte naif si sta evolvendo nell'ampiezza delle nostre vite, nonostante molte previsioni e aspettative. Si arricchiscono anche i suoi registri morfologici ed espressivi. Quindi quello che molti dicono è che si stanno diluendo. Dalle alture (o dai margini, ovviamente) della critica storica, deve essere presto possibile distinguere i veri valori in questo fenomeno.
Alla mostra di Bratislava, l'estate scorsa, ci sono state delle sorprese, e le stiamo vivendo nel nostro Paese, anche con il microcosmo chiuso della Podravina, alla mostra di Ivan Rabuzin queste sorprese non ci sono state, né potrebbero esserci. Il pittore ha una visione molto specifica e uno stile consolidato. Li ha individuati e (direi) limitati, realizzando così un prezioso “momento di isolamento”.
Si è separato da tutto ciò che è simile all'ambiente dell'arte naïf ed è esistito per diversi anni con i suoi dipinti nel nostro paese e nel mondo. Quale può essere il compito della critica adesso? Non certo nell'accettare o rifiutare l'isolamento (di quello stile), perché la pittura di Ivan Rabuzin è un fenomeno che già esiste e non solo nelle nostre cornici. Forse quel compito è nell'interpretazione e negli impulsi iniziali? Nella valutazione di nuovi valori? O, forse, a causa delle etichette che sono "nella definizione" dell'arte naif, il critico non ha nulla da cercare, e dovrebbe sussurrare con attenzione intorno a questa creazione immediata di ex nihilo, per paura di ferire proprio il "nucleo dell'arte naif "?
Ciò significherebbe che non ci sono alti e bassi (o nuove creazioni, quindi) e che l'identificazione dell'artista con un'espressione definita è così grande che il suo valore nello stile è con me come segno, e non in una particolare, concreta realizzazione. Ciò significherebbe anche che il critico si limiterebbe alla qualificazione, una volta per tutte, di quel segno, e l'opera dell'artista alla ripetizione o variazione.
La critica che non accetterà una simile posizione, che quindi vuole rimanere una critica, dovrà assolvere la sua funzione all'interno del fenomeno nel suo insieme, che significa in un ampio spazio dal segno artistico all'ultima esperienza intuitiva e sempre nuova prima di un lavoro particolare.
Vale a dire, ciò che è importante e, di fatto, l'unica cosa significativa avviene in questo "spazio": l'arte dello stesso Ivan Rabuzin, il suo costante rinnovamento e mantenimento al livello raggiunto, e forse anche più alto; poiché il problema dello sviluppo e del progresso nell'arte naif è appena toccato nella sua teoria. Questa mostra di Ivan Rabuzin potrebbe dirci qualcosa in questo senso?
La sua motivazione? - Lo stesso ha fatto eco ai dipinti di Rabuzin in generale. Rabuzin ha detto in un'intervista per il catalogo della mostra: "Vivo nella natura. Il mondo visto ha bisogno di essere cambiato, piantato e tutto pronto per essere in ordine. Essere un giardino di cibo per un brav'uomo. In quel mondo dipinto io faccio ordine, pianto fiori, do il sole". Un rapporto attivo, quindi, di fantasia, benevolenza, ingenua speranza che qualcosa si possa fare, così ora sogghigno alle teste di questo romanticismo rurale che, in compenso della nostra moderna povertà, è apparso vicino, e non possiamo sfuggirgli. Allora dov'era necessario? Ci sono davvero delle lacune in noi in cui questa arte entra irresistibilmente, in alcune lacune nostalgiche che a malapena riconosciamo e di cui ci vergogniamo un po'?
E la sua morfologia? - L'interlocutore, che ha avuto un colloquio con l'artista (R. Putar) per la prefazione al catalogo, ha posto questa domanda sull'origine di questa "brina colorata", ma ha ricevuto risposta. (1)
Non riusciva nemmeno a capirlo, perché non c'è risposta a questa naif "generatio spontanea". Ma con questa "nebbia" e con questi "veli di nebbia" Ivan Rabuzin dal 1959. costruisce i suoi dipinti, come con qualche strumento bello, ma mai indossato, che è così consolidato che il vero problema consiste in questo: Quale miracolo può questo pittore, con un registro così ristretto del suo segno stabilito, creare sempre nuove situazioni senza affaticare se stesso e gli spettatori? I miracoli segreti sono semplicemente in una diversa disposizione degli elementi o in un'esperienza insondabile e nuova, immaginaria insieme a priori e "vista" nell'interiorità?
E questa potrebbe e deve essere la funzione della critica (non certo solo in questo caso): stabilire questi nuovi valori al di sopra del limite che separa la routine dall'esperienza, e ritrovare quel limite tortuoso, spesso nascosto nella "brina colorata " (segno "artistico" di Ivan Rabuzin). È come se con un bisturi entriamo nel tessuto vivo di una cultura pittorica concreta e personalissima, in un microcosmo singolare che ci resiste con tutti i mezzi autentici a sua disposizione. Ma c'è un indizio: quando cediamo a questo bisturi davanti a qualcuno, con la nostra predestinata intenzione di criticare (con la nostra fatica, appunto), può essere almeno un segno che siamo un'opera artistica e che abbiamo bisogno di mobilitare le nostre capacità analitiche. Chissà quali sorprese incontreremo. Nel mondo dell'arte naif non ci sono solo oscillazioni, momenti sicuri e incerti della media già stabilita, ma anche ore straordinarie di concentrazione, che di solito chiamiamo ispirazione, c'è, forse, evoluzione e progresso.
Così, in questa mostra, ci siamo imbattuti in uno straordinario momento di concentrazione in "Inverno" (cat. 21), quella grande immagine in cui non ci sono molte cose, ma il ritmo unico pervade l'intera superficie. Una collina si erge verso il cielo e ci sono molte nuvole nel cielo, ma non c'è stato un ispessimento in termini di quantità o somma narrativa di dettagli. Al di sopra delle sottili sfumature delle strutture colorate, il pittore enfatizza improvvisamente il cielo rosso con nuvole rosa, e sembra che sia così che ottiene il "colpo" finale di cui questo paesaggio aveva bisogno. Qualcosa di simile è con il grande sole rosso che illumina "Viale di casa mia" (Cat. 9), un'immagine in cui questo motivo centrale sopra l'ampia strada forma un forte nucleo di esperienza, compensando così completamente la composizione sparsa. Questo è in realtà subordinato al motivo di base, un sole rosso in bilico tra due alberi e alcune nuvole bianche nel cielo.
Probabilmente sarebbe sbagliato misurare ogni dipinto di Ivan Rabuzin con questo criterio (cioè "shock" che condensa l'esperienza e conduce "energizzazione" dell'intera superficie), perché cosa faremmo con il già classico paesaggio "Sulle colline e il bosco" ( cat. 1) dal 1960? Oggi, quando ci piace parlare di strutture in questo modo, forse il problema di quel dipinto potrebbe essere spiegato da questa semplice strutturazione della superficie in quattro fasce, con cui il pittore ha dipinto miracolosamente il silenzio dello spazio profondo. Quanti altri elementi e varie strutture mobilitò il pittore nel molto più tardo “Il mio bosco” (cat. 32) del 1966, ma senza questa forte impressione. Ma in tempi più recenti Rabuzin ha saputo affinare questa "strutturazione" ad una sottigliezza inaspettata, e forse questo è l'"altro polo" della sua evoluzione: invece di sorprendere nel tema e nel "tratto coloristico", nello straordinario "Una giornata uggiosa" (cat. 33) (1) "Inverno" del 1966 (cat. 15) cerca la poesia di paesaggi velati, con atmosfere tremolanti, trasparenti e colorate. Di fronte all'epica bellezza del già citato grande paesaggio "Sulle colline e la foresta pluviale" del 1960, ora si aprono nuove possibilità per il pittore. Forse non li ha ancora soppesati nella giusta misura, perché con i "naif" il problema della cognizione, cioè un atteggiamento critico nei confronti del suo lavoro, mi sembra del tutto aperto. In ogni caso, la costruzione dell'ambiente con l'ausilio dell'"atmosfera" ha acquisito negli ultimi anni una nuova qualità, così come il metodo "shock" ha acquisito una nuova particolarità. In "Il mio mondo" del 1962 (cat. 5), questo metodo è stato "portato" dall'invenzione nel suo insieme, bizzarra e inaspettata all'epoca. In "AIeja" (cat. 7) di quello stesso anno, indossa i cromatismi "insolenti" di grandi fiori piantati lungo un sentiero che conduce alla profondità senza prospettiva. In "Fiori" del 1965 (cat. 13) sembra che il focus sia sull'effetto inaspettato della profondità, in "Pećina ma" (cat. 31) su una nuova invenzione accompagnata da nuove "strutture". Questo è anche il caso di molti dipinti del 1966. "Due vasi" (cat. 27), "Fiori gialli" (cat. 25), "Cinque fiori" (cat. 16), mentre "La Grande Foresta" (cat. 14) esclude ogni "dépaysement surrealista, e l'" oggetto" e l'idea si riducono a un nuovo ornamento della superficie. A volte, ovviamente, ci rammarichiamo che l'ornamento di Rabuzin non sia sempre accompagnato da un'adeguata fantasia cromatica, ma siamo da tempo abituati alla sua discreta colorazione in giallo, verde e rosa.
Una volta ho parlato del problema della "consapevolezza del proprio atteggiamento e della propria espressione naif" (2), ed è stato il caso di Ivan Rabuzin a spingermi a dubitare: dopo tante nuove esperienze e viaggi a Parigi, non è questione di programmata e sistematica " conservazione" della propria arte naif. Qualcosa di simile è stato ipotizzato da Dorival per lo stesso H. Rousseau, ma è chiaro che la vera arte naif resisterà a qualsiasi tentazione. Cioè, è per sua natura immunizzata, e ogni nuovo atto è di per sé una prova di quella resistenza. Si può simulare questa resistenza?
Nelle evoluzioni graduali e discrete di Ivan Rabuzin, sembra che si possa trovare conferma del suo nucleo naif e, allo stesso tempo, di una resistenza non passiva, ma creativa in quel senso naif. È importante che il principio di isolamento non venga violato. Se l'isolamento morfologico di Rabuzin è il risultato della "realizzazione dello stile", come nel caso di qualsiasi vero artista naif, persisterà finché le evoluzioni menzionate si muoveranno all'interno di quello stile. Nel caso di Ivan Rabuzin, è chiaro che qualsiasi "tangente" o tangenziale uscita dal suo stile sarebbe immediatamente percepibile, perché il nostro pittore all'inizio ha avuto la fortuna che il suo isolamento fosse molto radicale: la sua morfologia distintiva era molto diversa da quella tutto ciò che si conosceva nel bacino della Podravina, e oltre, nell'arte naif del mondo e nell'arte in genere, che si difendeva in sé e da ogni "incursione".
E la domanda rimane, ovviamente: quanto ne sono consapevole pittore? "Mantiene" la sua arte naif, il prescelto la alimenta consapevolmente e "secondo il programma"? Ma quanto è rilevante questa domanda solo per la creazione e l'autenticità di quella creazione, fino a quando sarà irrilevante? Alla prima crepa? - La crepa del "nutrimento" può manifestarsi principalmente attraverso il raffreddamento dell'ispirazione e lo svuotamento interiore, la routine della ripetizione e l'"accademismo" che è stato notato tante volte in Podravina. Una crepa di altro genere, che potrebbe segnare l'inizio della dissoluzione dello stile, potrebbe anche manifestarsi con penetrazioni non assimilate di elementi altrui, arricchimento e sperimentazione "programmatica". Entrambi sarebbero segno di un grado "più alto" di consapevolezza della propria posizione e della propria arte naif.
Ma la pittura di Ivan Rabuzin non ha manifestato questi sintomi, il che significa: la sua arte naif di motivazione è da qualche parte negli strati più profondi del suo essere, nella struttura interna del pensiero e del sentimento. Potranno quindi resistere alle tangenti e alle secanti più pericolose, quelle che nascono in costante contatto con l'alta e nervosa cultura artistica di Parigi.
Vuol dire che il blocco artistico e psicologico è completo? Rimane ancora la domanda: è possibile e, in generale, è necessario e utile?
Note:
(1). Catalogo della mostra nella Galleria d'Arte Primitiva, Zagabria - Febbraio 1967.
(2). G. Gamulin, Secondo le teorie e l'arte naïf, "Kolo", n. 5, 1965.
Tradotto s.e.&o. da Naive Art info
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