Donne nell'arte naif

27.02.2018

Bara Mustafa

La maggior parte delle persone associerà automaticamente il concetto di arte naif con la pittura su vetro a quella dei nomi più famosi come Ivan Generalic, Ivan Lacković, Ivan Večenaj, o le grandi tele a pastello di Ivan Rabuzin.

Se si scava un po' più in profondità nella nostra conoscenza del naif, probabilmente ricorderemo che sono autodidatti, cioè, per lo più, autori non istruiti, o almeno senza l'educazione artistica ufficiale, che come spunto prendono la vita quotidiana del villaggio che non è sorprendente ma almeno è la più popolare. Il naif si è formato nella regione delle zone rurali di Hlebine, un piccolo villaggio vicino a Koprivnica. Il naif nasce partire dal 1930 in modo molto assopito, durante il 1950 e 1960, si è evoluto, cresciuto al punto, che negli anni 1970 e 1980 è culminato nel creativo, con inventiva e senso del mercato.

Fino a quest'ultimo decennio la vita e l'opera delle donne in campagna è silenziosa e "faticosa", agli occhi predominante una primitiva semplicità di vita. Anche se le donne mantengono i "tre angoli della casa" preoccupate allo stesso tempo della famiglia, della casa, dell'agricoltura e dell'economia, il loro lavoro è "implicito", spesso dato per scontato, e quindi non valorizzato. Non c'è nessuna idea di partecipare alla scena artistica, e ancor meno parlarne.

"Il motivo per cui ci sono così poche le grandi artiste femminili nella storia dell'arte non è perché le donne hanno meno talento, o che sono deliberatamente trascurate nella storia dell'arte", scrive Ljiljana Kolešnik. "La ragione risiede nel fatto che sono stati dati diversi ruoli nel corso della storia, e in alcuni periodi non sono state incoraggiate nella loro formazione artistica, professionale e nelle opere d'arte."

Tuttavia, alcune, in seguito, una cerchia di donne notevoli, saranno incoraggiate a intraprendere nel mondo dell'espressione artistica e plasmandosi per rendere più facile per se stesse, per esprimersi, e poi per mostrare agli altri di quali imprese sono capaci. Proprio in quel periodo (anni '70 e '80) si tenne un ciclo espositivo femminile alla Galleria delle arti naif di Hlebine, che forniva un annuale "confronto creativo e considerazione critica di ciò che le donne attingono nell'arte naif" ", [i] cioè contribuì a sentire (e vedere) la loro voce.

Quando il naif cominciò a cadere nella svalutazione, kitsch e sovrapproduzione, la loro voce si spense. Ora che abbiamo avuto uno sguardo equo nel 21 ° secolo, è giunto il momento di correggere questa ingiustizia almeno un po '. Pertanto, in questo testo solo una manciata di donne saranno presentate , evidenziate e almeno brevemente dato loro l'opportunità di brillare sotto le luci dei riflettori.

Dragica Belković (foto di proprietà di Marija Hegedušic)

Ana Matina – un approccio organico all'immagine

Il citato ciclo di mostre a Hlebine ha mostrato ogni volta un numero crescente di autori attivi e le loro capacità più sicure. Iniziamo la storia nel solito posto,a Hlebine, ma con un autore del tutto insolito. Ana Matina è una pittrice autodidatta che ha lasciato un opus piuttosto grande come prova del lavoro intensivo dal 1960 fino alla morte (1989). Come una donna tipica del tempo, Ana Matina si occupava della famiglia e lavorava in agricoltura, utilizzando momenti liberi per l'espressione artistica attraverso la poesia e la pittura. Pertanto, la sua motivazione è di solito orientata verso personaggi femminili in diverse situazioni di vita e elementi religiosi in cui trova conforto e significato. La sua comunicazione sbalordiva con la sua semplicità e l' espressione elementare unita ad alcuni elementi fantastici. Secondo sua figlia, trova ispirazione e incoraggiamento per la pittura nelle profondità del proprio essere, crea perché sente di dover "registrare" i propri pensieri e le proprie esperienze..

È questa necessità primordiale che la lega con l'arte naif e Outsider Art . L'arte outsider è parzialmente identificata con i concetti di RAW Creation, Raw Vision o Art Brut, e si riferisce all'arte in cui il processo di creazione diventa il più importante, stimolato dalla necessità di un'espressione spontanea. Si tratta di una creatività incontrollata e spesso automatica liberata dalla zavorra razionale, e basata sul subconscio, sogni, fantasmi inconsci e allucinatori. Le forme sono spesso morbose, il prezzo è la bellezza del brutto, l'anarchia, mentre la tradizione è completamente oscurata e ignorata. Perché si basa sull'atto di espressione, i messaggi e i significati sono quasi sempre criptati, esistenziali ed estremamente personali. L'identità della vita e dell'arte è rappresentata dall'illuminazione della mitologia privata dell'autore, della visione o dell'ossessione attraverso disegni, dipinti, sculture, oggetti.

Ana Matina non abbandonerà completamente la tradizione, ma in ogni caso rinuncia all'ordine e alle formalità in favore della spontaneità, che confermerà applicando il colore esclusivamente con le dita, creando un approccio "organico" alla pittura e all'arte. Non compra il vetro per i suoi dipinti, ma li trova nelle soffitte e le sue creazioni sono un po' goffe, ma estremamente interessanti, la semplice composizione di colori vivaci che, indipendentemente della materia riflettono in gran parte la gioia e la serenità. Già nella 1970, è stata riconosciuta dal critico d'arte Marijan Špoljar ed esposta sui cicli delle mostre femminili. Dopo di che, il suo nome cade lentamente nell'oblio, le cui opere conservate con cura da Marija Imbriovčan, la figlia di Anna, anche lei pittrice, e che nel 2013 ha donato al Museo della Città di Koprivnica. Il numero è cresciuto nel 2015. Arricchito dalla grande donazione del dottor Hrvoja Neimarević, così il Museo di Koprivnica è oggi orgoglioso di avere più di 100 opere di questa artista, il cui tempo di affermazione e di stabilire la scena artistica deve ancora venire.

Mara Puškarić-Petras – la sua unicità

Nel villaggio non lontano da Hlebina, Novigrad Podravski, Mara Puškarić-Petras nacque il 6 aprile 1903. Ha completato quattro gradi di scuola elementare, e come la più anziana di sei figli, ha fatto tutto il lavoro agricolo. Si sposò nel 1922 con Matu Puškarić morto poi nel 1926 in seguito a un forte raffreddore. Mara rimane sola e si preoccupa per la figlia Marica facendo tutte le faccende agricole e domestiche da sola. Dipinge per sbaglio, nel 1955, aiutando la nipote Jasenki a fare i compiti. Queste diverse "opere" furono tenute nascoste fino al 1962/1963. Ivan Generalić da amico la incitò a dipingere ciò che la stava circondando..

Mara Pushkarić-Petras, Vitlanje, 1969. Museo della città di Koprivnica

Mara Puškarić-Petras nel campo dell'arte partecipa alla vita. Da giovane ha tessuto, filato e ricamato, ha lavorato nel campo della cultura popolare e nell'arte collettiva fino agli anni 60 da cui si muove per un mondo individualizzato della pittura. Mara, a differenza della maggior parte degli autori, come supporto nel dipingere, usa la fibra (tela più rara), che inizialmente dipinge con dei colori murali mescolati con vernice (più tardi e olio), e un pennello fatto di peli di mucca. Nella pittura, la perpetuazione della riproposizione (caratteristica dell'arte del folklore) si rifletterà nella ripetizione di temi e motivi importanti, più spesso le scene del mondo "femminile" (scene di lavandaie, tessitrici, madri ...), vita quotidiana e natura.

La sua opera pittorica si forma al tempo della terza generazione della scuola di Hlebine, ma non segue i modelli, ma rimane con la sua unicità. I suoi motivi autoctoni sono pervasi dall'interpretazione poetica di una donna che cerca con nostalgia di evocare il mondo dell'infanzia e della gioventù, evitando il sentimentalismo a basso costo. Le scene esterne spesso si concludono con alberi verticali e cespugli fioriti, colori armoniosi intuitivi, l'immagine realizzata meticolosamente e con molta attenzione, prestando attenzione ad ogni dettaglio. Per il resto della sua vita, dipinse circa 250 quadri. Morì il 4 marzo 1998 a Novigrad Podravski, poco prima del 95° compleanno.

KATARINA Henc – la pittura come la vita

Anche a Hlebine, nel vicino villaggio di Sigetec, l'infanzia e le prime giornate scolastiche sono svolte da Katarina Henc, nata il 19 Ottobre 1948 in una famiglia contadina. Dopo aver completato i sei gradi della scuola elementare, si trasferì a Zagabria dove continuò gli studi e si laureò alla facoltà di filosofia. Nonostante l'aspirazione all'Accademia di belle arti, ha rinunciato alla sua iscrizione per le voci di un esame difficile. Ma come dice lei, la pittura è come respirare. Sto dipingendo perché devo. Dipingendo vivo.[ii]

Ha fatto i suoi primi passi di pittura da bambina, imparando attraverso le immagini di Branko Lovak, che a sua volta si affidava ai successi del già grande Ivan Generalic. In seguito, all'inizio della 1970, ricevette lezioni presso lo studio Vilima Svečnjaka, un pittore e insegnante membro del gruppo terra, importante per la formazione del fenomeno della scuola di Hlebine di arte naif. [iii] Con Svečnjaka, ha imparato l'abilità del disegno e ha adottato la finezza tecnologica di usare il colore e la pittura con il pennello.

Il tema ritorna sempre nel periodo della sua infanzia, cercando di superare la separazione di periodi pieni di nostalgia, dosato idealismo con un pizzico di critica e di tuffo associativo nel passato e nei ricordi. [iv]La sensibilità enigmatica delle sue immagini nasce dall'atmosfera malinconica raggiunta dalla sapiente selezione di colori scuri e di giochi miracolosi di luce e ombra. Il suo percorso differisce dalla maggior parte dei pittori ingenui, solo perché è un intellettuale, anche se senza educazione artistica ufficiale, a prima vista si sarebbe detto che il suo percorso verso il successo era più semplice e più facile. Ecco perchè all'inizio del suo lavoro, è stata rifiutata dalla Galleria d'arte naif (oggi il Museo croato d'arte naif) a Zagabria, che in seguito poi l'accolse. Katarina Henc appartiene alla scuola di Hlebine, la arricchisce spostando l'interesse sulla fantasia dell'immagine interiore, con l'idea di separare sia la natura che i modelli di ruoli ideali creandoli "da sé".

Dragica Belković – aspirazione verso l'indipendenza

KATARINA Henc, all'inizio della sua carriera, ha acquisito tecnica e un guadagno dipingendo biglietti per gli auguri. È proprio il desiderio di guadagno per il proprio reddito che si collega alla prossima donna forte, Dragica Belković. Se il percorso per l'artista pittore era difficile, lo scultoreo era molto più difficile ed esigente. Dragica Belković è nata il 15 giugno 1931 a Hlebine. Di scultura si occupa dal 1967. Quando le fu diagnosticata una specie di tubercolosi agli occhi, nella scultura trovò conforto, speranza e oblio, e più tardi la ricompensa, il riconoscimento e il profitto. Indicativo, il primo lavoro che ha creato era una donna cieca e fu riconosciuto dalla critica artistica e fu selezionato per la presentazione alla fiera internazionale naivi '70.

Dragica Belković (foto di proprietà della nipote di Marija Hegedušic)

I suoi personaggi sono semplici e realistici, fatti di forme oblunghe, radicati nel cerchio in cui tutto inizia e finisce. In questo modo, la sua creatività passerà da forme semplificate a sculture con dettagli sempre più complesse a quelli dell'originale: semplici, intime, familiari. Dragica ha iniziato a creare per bisogni emotivi, ma anche il desiderio di guadagnare il proprio reddito, che sarà in grado di gestire indipendentemente, ciò che alla fine è riuscita a ottenere con la sua arte alla base di diverse generazioni familiari. Nonostante le delusioni del marito e dell'ambiente, non esitò ad affrontare il modo di esprimersi fisicamente faticoso. Senza esitazione andò alle colonie d'arte in altri luoghi e città per sviluppare, scambiare esperienze con i suoi colleghi e, infine, ci riuscì. Con il suo esempio, negò la convinzione consolidata che solo l'uomo era per lo scalpello e la mazza, e sarà anche confermata dalla sua "vicina" Bara Mustafa, uno delle poche grandi artiste viventi.

Bara Mustafa - scultura per dispetto

Bara Mustafa è nata il 17 febbraio 1935 a Hlebine. Ha cominciato a scolpire dal 1970. La sua prima presenza è alla mostra delle donne nel 1970 a Hlebine, e già nel 1973 ha partecipato alla mostra internazionale di Naivi '73 a Zagabria. Ancora oggi vive e lavora a Hlebine. Siamo negli anni d'oro del naif, Bara Mustafa non ha scelto la scultura; la scultura ha scelto lei. Si è insinuata ai bordi della sua vita senza soluzione di continuità. La prima scultura nasce da una sorta di dispetto verso se stessa e nella paura di ridicolizzare l'ambiente, temendo il riconoscimento del fallimento. Suo marito, nel periodo di prosperità dei naif negli anni 70, decise di provare lui stesso la scultura, ma non ottenne risultati e la abbandonò. Al fine di "salvare" la loro famiglia e la faccia, Bara Mustafa fece una scultura per lui. Poiché la famiglia è connessa con la famiglia Generalić, l'incentivo, formalmente, lo trova nella creatività di Mate GENERALIC.

Ma il vero stimolo in realtà viene da lei sola. Non ha realizzato molto, ma ha lavorato sodo. Già all'inizio della sua creatività, è stata riconosciuta dai grandi nomi dei critici dell'arte naif, ma rimane comunque una donna modesta e autocosciente. Tradurrà quegli attributi nell'espressione scultorea e come postulato di base mette la semplificazione, la riduzione all'essenza, senza troppi dettagli. È possibile associare tutto ciò ad una mancanza di tempo, dato i numerose impegni con l'economia famigliare e rurale, è certamente ad una sensazione naturale di armonia, ordine e composizione. Anche se le sculture di Bara Mustafa sono per lo più lavorate su tutti i lati, il metodo di lavorazione rimane superficiale, monolitico e statico, per lo più simmetrico e semplicemente decorativo.

Bara Mustafa, 2016. (Foto: Museo della città di Koprivnica)

Kata Vizvari – arte nata dal dolore

La stessa semplicità che farà un ulteriore passo avanti, per astrazione, sarà riconosciuta anche nella creazione di Kata Vizvari. Cresciuta come una donna comune a Novigrad Podravski, ma lei ha tutt'altro che una vita ordinaria. La sua vita tessuta di sofferenza, tragedie, malattie e la morte. Tutte le esperienze di disagio e di ansia non volute, di cui non osava esprimersi, sono state registrate nelle sue sculture. Kata Vizvari (1918 – 1999) scultrice dal 1968 lavora l'argilla e il legno, esibendo dal 1970. Anche se per lo più statue di piccolo formato, la loro suggestività è enorme. Kata vive da un paese all'altro. Modellando l'argilla tra le dita era completamente libera, in grado di mettere tutta la frustrazione e il dolore in lei e poi sigillarla nell'argilla cotta. Dopo la morte.................... .............................................., il secondo figlio, promettente pittore accademico.

Per sopravvivere, le sue mani plasmano parti della vita quotidiana semplice e di routine e una crisi di tormentato tumulto interiore. Si concentra principalmente sui volti delle figure, che vanno dal segno della ritrattistica, introducendo in alcune, caratteristiche fisionomiche riconoscibili, mentre altre si basano sulla completa espressione attraverso manifestazioni grottesche di elementi facciali specifici. A volte, tuttavia, decide di dare forma con tratti morbidi, con caratteristiche di rottura o fusione nelle singole unità, fino a forme accentuate, fluide e quasi astratte. Come ha la sua vita quotidiana era infelice, così artisticamente è stata preziosa e speciale. L'arte di Kate Vizvari è un catalizzatore tra il mondo esterno e interiore, reale e ultraterreno, attraverso l'eterno splendore della terra invincibile.

Le donne della società durante la colonia d'arte (foto di proprietà di Marija Hegedušić)

Alla fine di questo esame sommario all'ombra dell'oblio, ci sono ancora molti nomi preziosi che si possono incontrare venendo alla Mostra delle donne nella Galleria d'arte naïve a Hlebine, 3. 3. – 1. 4 ° 2018 (Se si viaggia in treno, si otterrà anche il diritto a uno sconto!). La mostra si svolge come parte del 50 ° anniversario delle attività della galleria d'arte naif ed è una sorta di omaggio per le donne, ma soprattutto per le donne, come ringraziamento per la loro audacia e grinta. Artisti naif, e anche oggi, partecipano attivamente alla scena artistica, come donne, muovono instancabilmente e inconsciamente i confini e rompono le barriere. Questi autori modesti e ritirati parlano del loro lavoro e della passione della vita attraverso le opere. Non hanno avuto e non hanno una formazione artistica, ma la qualità delle loro opere, unita a l'intrinseca onestà e genuinità, dimostra che non è necessario.

Bibliografia

[i] Špoljar, Marijan, 78 donne. (Catalogo mostre), Museo della città di Koprivnica, Koprivnica, 1978.

[ii] Bihalji Merin, Oto, Katarina Henc – il cuore di Veglia sotto il vetro. (Catalogo delle mostre), Museo di arte ingenua a Svetozarevo (1986) e nel "centro culturale" di Belgrado (1986).

[iii] il gruppo terrestre si formò all'inizio del XX secolo. E radunò gli artisti attorno all'idea che era necessario vivere nello spirito del suo tempo e creare nel suo spirito. Essi ritenevano che i membri di tutti gli strati sociali potessero agire per cambiare il loro status sociale se conoscessero se stessi e la loro posizione sociale. Il Segretario del gruppo, Krsto Hegedušic, andava spesso a Hlebine (luogo di nascita del padre) a incontrare giovani come Ivan Generalic e Franjo Mraz, e, attraverso incontri occasionali e suggerimenti, cominciò a insegnare i segreti delle tecniche artistiche e a incoraggiarli a non copiare nessun altro se non a dipingere cosa vedono intorno a loro, la vita quotidiana dell'ambiente rurale. Questi eventi sono considerati l'inizio della cosiddetta Scuola di Hlebine (pittura), in cui non c'era un'educazione visiva sistematica, ma erano solo incontri occasionali e conversazioni con Krsto Hegedušić, e più tardi Dimitri Bašičević Mangelos. Cfr. Crnković, Vladimir, l'arte della scuola Hlebine, Museo croato di arte Naive, Zagabria, 2010.)

[iv] Zlamalik, Vinko, KATARINA Henc – oli, pastelli, acquerello, disegni 1970. – 1990., associazione degli storici dell'arte di SR Croazia, Zagabria, Galerie Hell e Hell, Monaco di Baviera, Zagabria, 1990.

Testo e ricerca storica curata da

Elena Kušenić