Andrašić: A Koprivnica ci sono autori di altissima qualità e la Galleria Hlebine deve essere migliorata in termini di marketing
Nasce il 21 dicembre 1959 a Molve. Ha frequentato la scuola elementare lì e ha terminato il liceo a Đurđevac. Si è laureato presso la Facoltà di Filosofia di Zagabria nel 1983 presso il Dipartimento di Pedagogia. Ha iniziato a dipingere come artista autodidatta in stile naif croato e ha tenuto la sua prima mostra personale nel 1973. Ad oggi ha partecipato a più di 380 mostre in tutto il mondo e ha organizzato quasi 90 mostre personali. È membro della Società degli Artisti Naive e della Comunità Croata degli Artisti Indipendenti.
Ivan Andrašić si è dedicato alla pittura sin dalla sua giovinezza. Ha percorso un cammino lungo e in continua evoluzione dalle scene naif del paesaggio della Podravina fino ai dipinti impressionisti su vetro e ad acquerello. Ha partecipato a numerose colonie, mostre e progetti umanitari. Il suo talento, il suo impegno e la sua volontà sono stati riconosciuti da molte persone e, come sottolinea, questa è la cosa più importante per lui. Sebbene viva dipingendo con la moglie, che è anche un'artista, il suo piacere viene sempre al primo posto. Ivan Andrašić è una delle figure chiave nella vita culturale e pubblica sia della Podravina che del resto di Lijepa Naša.
Sei un famoso pittore di arte naif. Mi puoi dire come e quando è iniziato tutto?
Ho amato dipingere fin da bambino. Ci sono nato e dipingo davvero sin da quando ero piccolo. Un tempo, cioè per 12 anni, sono stato il membro più giovane degli Artisti Indipendenti della Croazia. Dipingo dalle scuole elementari e devo ammettere che sono stato fortunato ad essere circondato da persone fantastiche come Ivan Generalić, Mijo Kovačić e altri. Molte persone hanno detto che le piante piccole non possono germogliare accanto a quelle grandi, ma qui, a quanto pare, sono germogliate. Mi sono staccato molto rapidamente grazie al mio insegnante d'arte alle elementari, Rudolf Špoljar, che ha visto che avevo talento, che dovevo educare me stesso e andare avanti, e non copiare alcuni grandi maestri. Quando sono arrivato in palestra, mi sono educato ogni giorno, non vedevo l'ora di dipingere e ho imparato nuove forme d'arte. Più o meno, ho viaggiato in tutte le gallerie d'Europa e ho costruito il mio mondo.
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| "Paesaggio in tardo autunno" |
Quante mostre indipendenti hai organizzato e qual è stata per te l'ispirazione?
La mia mostra è attualmente a Dubrovnik, nella Galleria Sebastian, ed è durata dieci giorni. Penso che sia l'89a mostra personale. Nel 1973 ho iniziato con la prima mostra personale e fino ad oggi ce ne sono state in tutto il mondo. Ogni mostra è per me un'ispirazione speciale. Vale a dire, quando il pittore è solo con i suoi dipinti in studio, pensa molto e parla a se stesso e si chiede se tutto ha un senso. L'immagine è un essere sociale, ed è per questo che è importante mostrare e sentire l'interazione con il pubblico. Vuoi condividere ogni nuovo ciclo con qualcuno, quindi ogni mostra mi eccita davvero in un modo speciale e poi tutto ha un senso. Fa bene a un pittore quando riceve in galleria un certo ciclo, una panoramica, le sfumature in cui può vedere dove si è mosso, in che direzione sta andando, cosa è successo negli anni e da cosa si è ispirato prima. Personalmente sono interessato ad altre cose oggi. Nelle tue mostre personali, vedi esattamente questo: piccole sfumature che portano a nuovi cicli. Ad oggi sono state circa 88 o 89 mostre personali e oltre 380 mostre collettive.
Quali sono le caratteristiche della tecnica della pittura su vetro e quanto è difficile dipingere con quella tecnica rispetto all'olio su tela? Con quali tecniche pittoriche preferisci dipingere?
La pittura su vetro è una tecnica caratteristica della scuola di Hlebine, unica al mondo. Possiamo dire che in realtà siamo una specie di marchio. Tutto è iniziato con Ivan Generalić. È la pittura dove dipingi per la prima volta i dettagli su un lato del vetro. Tale pittura su vetro è davvero difficile perché c'è un procedimento speciale; asciugatura dei colori applicati e successiva applicazione di nuovi colori. In breve, devi avere una visione pronta dell'immagine prima ancora di iniziare a dipingerla. Devi avere un'idea trasformata nella tua testa su ciò che stai per fare. Con questa tecnica, non puoi apportare correzioni come puoi fare su tela. Qui devi avere una visione dall'inizio perché è una tecnica specifica.
In un certo senso, l'acquerello è il mio preferito, e direi che questa tecnica è anche la più difficile. Indipendentemente dal fatto che dipingo olio su tela, che è estremamente impegnativo e ha i suoi elementi, l'acquerello è qualcosa che in realtà non molte persone fanno. Lì devi combattere con acqua e pigmenti e devi sentire quando fermarti. Puoi solo esagerare un po' e poi non è più così. Ho letto molte biografie di pittori che hanno la loro storia di come hanno lottato con essa. L'acquerello è estremamente impegnativo e ho imparato molto da esso. È difficile ottenere ciò che amo nell'acquerello: delicati colori pastello in cui qualcosa di completamente diverso può essere visto attraverso gli elementi. È una tecnica estremamente impegnativa, ma la adoro.
C'è un motivo, un colore, una tecnica o uno stile per cui sei riconoscibile? Quali sono le tue fonti di ispirazione più comuni?
Di solito ho un tono speciale nei miei dipinti. Prevalgono sempre i delicati colori pastello. Mi interessa di più il terzo piano, che sia acquerello o olio. Mi interessa l'atmosfera del dipinto sullo sfondo. È un surrealismo lirico, ed è per questo che sono un'alternativa al naif. Ho quasi completamente abbandonato la narrativa. Sono più un pittore di paesaggi delicati che hanno una certa figuratività, e con questo molte cose si uniscono. Ho alcune fasi, per esempio erotiche, in cui è una simbiosi di una bella donna e della natura. Quell'armonia è per me un'ispirazione inesauribile e mi interessa di più.
Inoltre, la mia fonte di ispirazione è sicuramente la natura in un ambiente surreale. Quindi, un uomo che guarda alla natura. È la mia eterna ispirazione in modo impressionistico. Trasformo quel paesaggio attraverso alcune delle mie visioni. Faccio spesso un ciclo di stagioni: un paesaggio si trasforma in primavera, estate, autunno o inverno e lo mostro in diversi momenti della giornata. Tutto si svolge a modo mio perché aggiungo un po' di tonalità ad esso. Mi interessa la natura e il rapporto dell'uomo con la natura; qualche relazione protetta. Non sono un pittore d'avanguardia, ho sempre a cuore il bello e il tradizionale. Forse a volte sembro conservatore, ma dipingo senza alcun pathos. Mi piace l'erotismo tenue e per me questi sono argomenti affascinanti.
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| "Villaggio", fonte: alm.hr |
Quanto tempo dedichi in media alla creazione di un dipinto?
È difficile determinare quanto tempo passa in un dipinto. Tutto dipende da quanto sei ispirato e da quanto puoi rilassarti durante il giorno. Oltre all'olio su vetro, dove sono un pittore d'atmosfera, lavoro da molti anni anche con l'acquarello. L'acquerello in sé è una tecnica relativamente rapida. Certo, non tutti i dipinti sono sempre ugualmente forti, ma questo succede a tutti i pittori. Le immagini più forti sono sempre quelle che nascono spontaneamente. In effetti, la cosa più importante delle immagini è che non ci dovrebbero essere torture. L'immagine o c'è o non c'è. Si può vedere immediatamente se è stato fatto con la forza. Mia moglie ed io lavoriamo molto e abbiamo dei rituali per le nostre pause. Questi sono piccoli momenti che ti rivitalizzano e penso che siano individuali per tutti.
È noto che molte celebrità hanno i tuoi lavori. Chi sono i tuoi clienti e pubblico più frequenti?
Come pittore, sono completamente nel mio mondo, quindi non ho in mente i miei clienti o il mio pubblico. Creo semplicemente e posso dire che si tratta di persone diverse: i miei vicini e le persone che vivono a Koprivnica o da qualche parte più lontano sono ugualmente importanti per me. Secondo me non ci sono posti piccoli e ogni volta che faccio una mostra lo faccio in modo da presentarmi nella luce migliore, che sia Peteranec o San Francisco. Ho amici che sono pittori in tutto il mondo e non credo ci sia un continente dove non ci siano miei dipinti. Alcune delle mie opere sono di proprietà di Ivo Sanader, allora ex presidente della Repubblica di Croazia, Ivo Josipović, oltre a molte altre personalità note che non vengono dal mondo della politica, come Teresa Kesovia e Papa Benedetto. Dal '71. Sono impegnato nella pittura e sono felice quando le persone vedono che lo faccio con amore e ovviamente poi si interessano ai miei dipinti.
Perché il naif è stato abbandonato come marchio e qual è il tuo commento a riguardo?
Di recente, questa è una domanda molto comune. Il culmine dell'arte naif croata è stato negli anni '70 del secolo scorso, e allora è stato un boom. Credo che ci sia stata un'iperproduzione. Questa è la ragione principale, ma poi ci sono stati momenti in cui il pubblico era desideroso di un motivo naif. I dipinti furono venduti e si tennero numerose mostre. C'era saturazione, ma in termini di qualità si è creato un vero marchio, giustamente. Il Museo di Arte Naive di Zagabria ha opere recenti e la Galleria di Hlebine deve essere rinnovata in termini di marketing. Forse la scuola di Hlebine si è presentata nel modo sbagliato. Oggi devi andare con le mostre giuste, devi promuovere, trovare un nuovo curatore, avere esperti di marketing per trasformare tutto in una vera opera. Alcuni autori non ci sono più, ma ci sono molti nuovi autori. Organizziamo camp con giovani che non copiano ingenuamente i vecchi maestri, ma scoprono alcune novità dei loro talenti. Credo che questo sia il vero futuro dei naif.
Qual è oggi il ruolo della scuola di Hlebine nel Naif?
Abbiamo diverse scuole di pensiero sul naif, ma Hlebine è la più forte. È una scuola che si basa sui suoi predecessori Generalić e Hegedušić ed è specifica sotto molti aspetti. I primi lavori furono socialisti, ma in seguito assunsero un tono diverso. Immaginazione è la parola più caratteristica della scuola di Hlebine, dove alla narrazione si è aggiunto un mondo meraviglioso che ha conquistato persone non istruite. Poi vennero altri pittori e l'epicentro fu proprio a Hlebine. Questo concetto di scuola del tempo è estremamente importante e ha una certa caratteristica. Tutti questi sono pastorali con una certa fantasia, legati a questo nostro mezzogiorno.
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| Galleria Hlebine, fonte: tourpack.eu |
Qual è la tua opinione sulla scena artistica di Koprivnica - la contea di Križevci e la città di Koprivnica?
Penso che ci siano autori di altissima qualità in questo campo. Questo è esattamente il motivo per cui ci sono molti errori perché il flusso di autori è grande. Molti eventi si svolgono con molti membri. Capita spesso che curatori e giornalisti interpretino male le cose, così dicono che nella colonia c'erano cinquanta o cento artisti. Oggi è una parola troppo difficile per essere usata così. Si può dire che ci sono stati molti autori e che ci sono diversi artisti tra loro. Quella parola non va presa alla leggera, perché ogni artista oggi la pronuncia con timore. Ho sempre seguito l'idea di Kant secondo cui dovresti lottare per qualcosa e lavorare su te stesso. Ci sono certamente insegnanti d'arte nella contea che fanno un lavoro di qualità. Dico sempre che ci dovrebbe essere un legame più forte tra musei e gallerie con le scuole e che i gruppi devono andare alle mostre.
Sono piuttosto critico su questo problema. Tuttavia, devo essere obiettivo perché l'ambiente è abbastanza buono. C'è molto da fare qui, sia nel teatro e nel cinema, sia nel settore delle mostre. Penso che ci siano città che ci invidierebbero per questo, ma questo non significa che non potrebbe essere ancora meglio. A volte mi dà fastidio che non ci sia coordinamento all'interno di alcuni eventi culturali a Koprivnica, e poi non c'è niente per tre giorni. Al contrario, hai un pubblico che sarebbe in teatro il quarto giorno e all'apertura della mostra o della promozione del libro, e quindi tutte queste manifestazioni sono contemporaneamente. Quindi ci sono alcuni piccoli antagonismi tra il museo e la biblioteca. Sicuramente ci dovrebbe essere qualche attore obiettivo che sradichi tutto questo in un modo migliore. Penso che qui a Koprivnica ci siano persone che si sentono locali, ma anche globali.
Le uova di Pasqua esposte a Koprivnica erano una promozione naif?
Non era la vera promozione naif. Qui dovresti andare con opere recenti e mostre reali. Tutto questo può essere solo un supplemento turistico. Ci sono storie frequenti su come questa sia una linea sottile che bilancia il kitsch e l'arte naif. Questa è una storia molto pericolosa. L'ufficio turistico della contea potrebbe essere stato più attivo di alcuni dei curatori che avrebbero dovuto promuovere la vera arte naif. Devi stare attento perché ha causato un controeffetto in molte persone. Abbiamo le cose giuste da presentare. Questo è quello che ho detto al direttore del museo, e non è una novità né un miracolo. Per Hlebine, la soluzione migliore sarebbe promuovere le cose giuste e concordare un team di esperti di marketing per promuovere le cose giuste. Gli storici dell'arte farebbero il loro lavoro e si otterrebbe molto di più. Scrivere libri è stata colpa di una percezione naif, e anche quando si aggiunge un certo kitsch, diventa davvero una cosa pericolosa.
Sei mai caduto in una crisi creativa?
La crisi creativa è parte integrante dell'arte, cioè della creatività. Quindi, ci sono vari fattori parassiti che sono per lo più su base giornaliera. La crisi creativa deve essere un cosiddetto "verme", ad esempio, quando ti scontri con te stesso all'interno di qualcosa, una sorta di significato. Quindi metti in dubbio cosa stai facendo, ma di solito si traduce in qualche cambiamento. È come quando impari qualcosa e succede a tutti di sicuro. Pertanto, è un approccio attivo che deve essere nella vita e si traduce sempre in un cambiamento. È lo stesso nella pittura. Quel tempo può essere definito una crisi creativa, ma non nel senso che smetto di lavorare.
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| Fonte: SibenikIN |
Quale consideri il tuo più grande successo nella pittura?
Il mio più grande successo è che ho la passione di continuare a creare e questa passione mi fa andare avanti e mi guida. Tutto ciò che ho fatto finora ha ovviamente senso perché sto ricevendo feedback. Lavoro spontaneamente e razionalmente. Ho il mio stile che apprezzo e mi dedico a qualcosa, e questo può essere visto in alcuni elementi. Tutto questo è già un certo successo. Ho la fortuna di poter andare avanti, di avere la voglia di lavorare, di avere ancora quella passione per la creazione. Per lo più si verificano alcune riduzioni e modifiche, ma meno - questo è di più.
Dato che dipingi da molti anni, puoi spiegarci la posizione degli artisti/pittori durante l'era socialista e oggi?
Durante l'era socialista, ho già viaggiato molto in giro per il mondo. Non ho avuto problemi finché non mi sono arruolato nell'esercito. Poi hanno inviato il passaporto ed era molto sospetto dove fossi stato. Sono riuscito a convincerli che ero stato in varie gallerie e che nessuno aveva niente contro di me. Penso che prima c'erano mostre più serie di oggi. Il mondo virtuale si è insinuato anche nella sfera dell'arte e penso che le aspirazioni di pittori e artisti fossero allora progetti che avevano un peso maggiore. Prima si sapeva esattamente cosa si poteva e cosa non si poteva fare. La conclusione è che la vera arte non conosce confini. Devi entrare spontaneamente in alcune informazioni, ed è stato un brivido per me in quel momento. In ogni caso, ero convinto che quegli artisti che amano quello che fanno, hanno una propria firma che è estremamente apprezzata. Se lavori onestamente, esattamente nell'interazione con il pubblico vedrai che lo riconoscono. Tutto dovrebbe essere fatto sinceramente e con amore. Dovresti avere qualcosa di tuo, sono come delle norme etiche - per loro non ci sono né confini temporali né spaziali.
È possibile vivere bene dipingendo in Croazia?
Questa domanda è sicuramente una combinazione di esistenza ed essenza. È difficile determinare quell'equilibrio senza diventare una prostituta come artista. Poche persone possono farlo perché non è certo facile. Se sei tenace, onesto e se riesci ad avere un senso del marketing che non è molto naturale per un artista e se riesci a stabilire quell'equilibrio, allora puoi guadagnarti da vivere dipingendo. Ho molti amici che sono grandi artisti, ma non riesco proprio a farcela. Oggi nessuno garantisce che qualcuno comprerà i tuoi dipinti. Devi avere un piano, e non è facile, soprattutto se non vivi una vita da bohémien. Abbiamo una famiglia e due figlie. Lavoriamo, ma è possibile: viviamo.
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| "Autunno", fonte: adriaticnews |
Come viene determinato il prezzo di un singolo dipinto? Dipende dal nome, dalla qualità o da qualcos'altro?
Ci sono esperti che possono determinare la qualità del dipinto e c'è un mercato che può determinarla. In effetti, c'è molto da fare, e in definitiva l'esperienza soggettiva del pubblico, che in definitiva è colui che decide. Un dipinto a volte può essere artisticamente forte, ma non necessariamente commerciabile. Il pubblico, cioè le persone che non hanno gusto raffinato e che non sono educate, hanno ancora quell'esperienza. È un campo molto astratto. C'è solo una casa d'aste in Croazia, Kontura, che tiene aste una volta all'anno, e lì sai esattamente cosa può essere esposto, qual è il prezzo di partenza, ecc. Spesso si tengono varie aste che ai pittori non piacciono. Hanno uno scopo umanitario, ma molte persone concordano sul prezzo del dipinto, che generalmente è troppo alto, indipendentemente da quale sia il dipinto. Quindi creano il caos nel mercato.
Sei affascinato dall'arte diversa dalle belle arti?
Sì, naturalmente. Sono affascinato dalla letteratura, dall'arte cinematografica e dalla musica. Queste sono tutte aree che significano molto per me nell'arte. Penso che ci sia sempre una correlazione tra un'arte e l'altra e che dovrebbero completarsi a vicenda. Quando si incontrano, emergono buone soluzioni e alla fine possono essere grandiose. Per esempio in letteratura, mi affascina come un buon libro possa essere proiettato su pellicola. Quando due grandi artisti si incontrano, nascono cose eccellenti. Ci sono sempre aggiunte che alla fine si traducono in qualcosa di nuovo nell'arte, e penso che sia fantastico.
Se potessi cambiare qualcosa nel tuo lavoro o nella tua carriera, quale sarebbe?
Non cambierei se voglio fare il pittore, ma se sono soddisfatto, non sono mai completamente soddisfatto perché credo che si possa sempre migliorare. E non nel senso che potrei avere più soldi o qualcosa del genere, ma che scopro nuovi mondi come pittore e che non mi stanco di questo, ma che mi sforzo di migliorare. Senza alcun pathos, senza niente. Penso che ci sia molto di più che posso esplorare. Non sono una specie di narcisista e voglio assolutamente continuare a fare cose nuove.
Come artista e pittore, cosa viene prima per te, piacere o profitto?
Per me il filo conduttore è sempre stato la soddisfazione, quindi accontentarsi dei dipinti. Naturalmente, devo menzionare il fatto che mi guadagno da vivere con la pittura, e questa è esattamente una grande storia tra esistenza ed essenza. Se alla fine sei ancora soddisfatto del dipinto e lo vendi bene, allora sei rilassato e soddisfatto.
Tradotto s.e.&o. da Naive Art info
Tratto da
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