IL ROVETO ARDENTE DI VECENAJ

di Božica JELUŠIĆ

PAGINA DELL'APOCALISSE

Se lo "straccio giallo sopra il Golgota" di TINTORETTO - come dice Sartre - l'orrore e il cielo giallo allo stesso tempo", allora nei cieli soffocanti di VECENAJ c'è un riflesso dell'Inferno, che vibra nelle oscure catacombe, che brucia la lampada a olio di LEONARDO sopra il ventre azzurro del cadavere, nella fornace dell'astronomo travolto dal movimento dei pianeti: tutta, dunque, storia del fuoco, dal fegato insanguinato di Prometeo al lato aperto dell'Apocalisse, da cui emana l'odore sulfureo dell'universale rovina.

La pittura di Večenaj è completamente segnata da un cataclisma cosmico, e tutta questa Bibbia popolare ha conservato le complesse metafore e il folclore nudo dei suoi creatori, trasposte, ovviamente, nella tonalità mentale del nostro tempo e con una forte impronta del tema pittorico di Večenaj . (Il che vuol dire che gli interpreti delle sue opere conservano ancora un vecchio enigma escatologico, adatto ad esibizioni critiche professionali e meno professionali).

Collocato con successo in un quadro geografico riconoscibile (Podravina), questo esercizio manieristico con un tema biblico ha permesso al pittore di esprimersi come un grande, sottile paesaggista, maestro ritrattista e (soprattutto) dotato animalista, e di massimizzare i suoi cromatismi, il possibile e si distingue come una figura indipendente fuori dal "cerchio", sempre un po' "indigeribile" per chi ama i modelli estetici standard e i talenti in divisa.

Ma a chiunque abbia visto conigli spellati, piume sconosciute e piume maschili di anatre selvatiche, lingue e cuori di cervo su foglie di bardana, sarà chiaro dove Večenaj "prende in prestito" i suoi incredibili colori e dove la sua audacia di organizzare la tavolozza in modo così fauvista: da autodidatta per il quale la natura è un modello e una maestra, prende senza complessi ciò che stimola il suo nervo creativo ed entra nella sfera del suo gusto personale, convinto di essere buono (giusto, bello) come in realtà.

Ritengo, tuttavia, che il Christo emaciato, i cantori gutturali, le sante famiglie che vagano nei boschi di Zdala-Gola, gli Evangelisti, Mosè, i martiri e il resto della Bibbia, perché è un artista sempre pronto (capace) di sorprendere, e mettersi in una direzione che poi altri cercheranno di seguire e che con tenacia e senza successo cercheranno di seguire spirito, coraggio e fede fanatica nella sua opera. All'interno di queste indicazioni si troverebbe probabilmente una risposta al reale potenziale creativo e alla grandezza di Ivan VEČENAJ, "il pittore contadino di Gola", come ama dire.

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Presumendo l'immaginaria possibilità di evadere da ore stanche, malattie e parole logore nell'oscurità a palpebre abbassate, apro l'intima cartella di Vecenaj e sprofondo con la carta stropicciata del cimitero del paese nel fresco della cantina dove qualcuno ha lasciato sul tavolo un lillà, ago e filo, un vaso scheggiato... Cerco una luce di settembre in un acino di moscato, un girasole bruciato o un prato autunnale con due mucche e un villaggio che ha facciate ben calcificate e si è trasformato in una tranquilla pianura.

E sto cercando più ragazzi che giocano con le "corna", un colore in cui si nascondono tutti i colori del sonno e dell'infanzia, e che - credo di non sbagliarmi - prenderà il nome di Večenaj. Perché, anch'io credo, che nella pittura di Večenaj accadranno tante altre cose, tanti piccoli miracoli, incontri con l'ignoto e librarsi in uno spazio di continua sfida, dove “c'è e non c'è memoria”. Večenaj (oggi) sta sprofondando sempre più negli strati dell'esperienza, la sua linea è libera, il suo colore è vivo, ma il suo cuore è costantemente in fiamme e brilla come un roveto ardente.

COSTANTI E INFILTRAZIONI

Quando ho pubblicato questo testo tredici anni fa (1978), il sistema artistico di Večenaj aveva coordinate ben definite. Anche nell'arte naïf le carte sono già state divise: il fatto che in quasi quindici anni non sia emerso un nome nuovo e più significativo suggerisce che il centro del "gioco" si sia rivolto a valori provati e autori di provata autoctonia. Una recente mostra retrospettiva alla Galleria Hlebine (27 dicembre 1980 - 31 gennaio 1981) ha confermato che lo ione è innegabilmente uno di questi. Sfrutto, tra l'altro, l'occasione per sostanziare la tesi di Joseph DEPOLO sul "Barocco di Vecenaj" (modello barocco dell'immaginazione): il "Mosè e il Mar Rosso" del 1973 "tocca" visivamente le figure di Abramo e Mosè, realizzato nel 1756 da F. ROBBA, che oggi adorna l'interno della chiesa di S. Della Croce a Križevci. Per l'arte, in ogni caso, le acrobazie produttive della "proprietà" sull'eredità barocca sono state trovate nelle mani di Večenaj!

Anche la nostra immagine trovata intuitivamente nel roveto ardente ha trovato la sua conferma di valore. Nella Bibbia, il roveto ardente simboleggia la presenza di Dio. E avvenne, mentre Mosè pascolava le pecore sul monte Sinai, che il Signore gli apparve in un roveto ardente. Quel cespuglio è in fiamme, ma non brucia. Questa immagine è stata trasmessa attraverso l'iconografia cristiana fino al Medioevo, quando la Vergine è stata raffigurata come un cespuglio di fuoco. Si tratta, quindi, di rivelazione e di ispirazione, di permanenza della virtù, e di fuoco che appare come elemento purificatore, non distruttivo: il fuoco visionario, il fuoco dell'esaltazione. Ho detto che l'ispirazione e lo stato d'animo sublime di Večenaj erano qualità speciali; alcuni dei suoi dipinti più famosi portano il "sigillo di fuoco", che non può sfuggire all'attenzione dei ricercatori o al gusto raffinato di alcuni esteti, irritando il bizzarro e l'"extraterrestre". Ed è proprio questo il patrimonio artistico di Večenaj, dove inizia l'infinito di Pascal, di cui è scritto: "Il quartiere è incommensurabile, il cui centro è ovunque e il cui scopo non è da nessuna parte".

San Giorgio, 1962

Ma anche la posizione di partenza di Večenaj era molto alta: il colorista più tardi appassionato ha saltato il bravo fumettista; la fantasia supererà l'osservatoree il classificatore. La cornice tradizionale esploderà prima della forza della svolta nella finzione. Ed è, in effetti, un peccato: il dipinto "St. Giorgio" (Đura) del 1962 mostra che dalla tradizione della pittura su vetro (glaža) fu lui a poter estrarre un vero e proprio piccolo capitale di freschezza e ingegno. Questo cavaliere cristiano prediletto che uccide un drago con la lancia (simbolo del peccato e dell'impurità) nella versione di Večenaj è un giovane ussaro sotto un cappello, dai capelli fluenti e con un mantello, con i capelli arruffati e un mantello, il cui colore rosso sangue risalta sullo sfondo indaco di un cielo sereno e teso. Cavalca un cavallo bianco, il cui collo si torce come un serpente, e lui stesso che sottomette il drago sotto i suoi piedi, e nel cui cuore è puntata la lancia del cavaliere. Invece di una sella, la groppa del cavallo è ricoperta da un normali drappo colorato. La battaglia si svolge in uno strano paesaggio verde ondulato, dove crescono fiori giganti; sullo sfondo della scena, invece, splende il sole rosso apocalittico, con una corona radiosa. Sputando fiamme, il drago si aggrappa al terreno con i suoi artigli, mentre il cavallo e il cavaliere si libravano, privi di gravità, nello spazio, nell'aria.

L'interpretazione di Večenaj, dal punto di vista dei simboli, è una grande combinazione di intuizione sulla conoscenza della combinatoria. Partirò dal colore blu predominante, che trasforma l'immagine in un simbolo di sognante irrealtà, e ad ogni dettaglio appartenente a quella composizione, arriverà a spiegazioni sorprendentemente coerenti. Quindi, ad esempio, le ali del cappello di St. Giorgio significa liberazione e vittoria. Li hanno, dicono gli interpreti, eroi che uccidono mostri, animali fantastici o crudeli. Il mantello rosso è segno di fiamma, perché "il fuoco dello Spirito Santo arde nel cavaliere". Anche il cavallo bianco, simbolo archetipico della sublimità, appartiene al simbolismo dell'ordine superiore. Su di esso ci sono cavalieri, santi, vincitori spirituali. Nella cristologia, così come nell'iconografia orientale, parla dell'azione del divino. A volte, in un contesto mitologico, un cavallo e un drago si fondono in un unico personaggio. Ma questa fase può essere suddivisa in parti costitutive, che ricevono valori contrastanti, iniziano la lotta fino alla morte, la lotta tra il bene e il male. Così facendo, il cavallo acquisisce un valore positivo, perché rappresenta il volto umano del simbolo, e il drago è l'animale in noi che ha bisogno di essere ucciso, cioè rifiutato. Il pasto del primogenito è una vittoria su se stesso. Si tratta, quindi, di una lotta spirituale, concepibile solo sul piano interno (interiorizzazione dei simboli) e il suo esito ultimo è il consolidamento della virtù e della virtù, contro le quali il male è inefficace. E S. Michele (distruttore di demoni, padre dei cavallieri) e S. Giorgio appartiene al complesso allegorico ed esemplifica le lezioni morali della visione del mondo cristiana.

Il Večenaj ha mostrato una simile misura di invenzione nel raffigurare le figure degli evangelisti: Giovanni, Marco, Matteo e Luca. Ne ha usati i tratti ufficiali ed emblematici: aquila, leone, bue e angelo, ma l'intero ambiente e la formazione sono decisamente diversi. Le forme appartengono al tipo Vecenaj monoclonato: capelli lunghi, figure ermetiche, arti robusti, mani ruvide, pelle abbronzata; assomigliano agli abitanti di foreste e grotte, pellegrini, intenditori di flora, esche di uccelli, consumatori di oppiacei, pazzi. I loro figli sono logori e impolverati, con grandi toppe malfatte. gnuno di loro ha una certa stagione: la primavera di Giovanni, l'estate di Luca, l'autunno di Marco e l'inverno di Matteo. I tre hanno una candela accesa, che significa "la sintesi di tutti gli elementi della natura" ed è anche "simbolo di individuazione, nel senso della vita cosmica elementare che in essa si raccoglie". Questo iconico segno di Večenaj è stato omesso nella scena invernale, dove Matteo, circondato da uccelli e angeli congelati, scrive il suo vangelo su pergamena mentre la neve cade sulle sue spalle e un copricapo da tenda, simile al cappello di uno sciamano. Naturalmente, questo corrisponde all'età in cui sono all'opera le forze involutive della natura: tutto si spegne, ma la fiamma dell'ispirazione riscalda il prescelto, e lui, pienamente impegnato nel suo lavoro, ardentemente entusiasta, vive in un altro, interiore clima, dove si sentono suoni allettanti, musica e immagini chimeriche e consapevoli oscurano la grossolana realtà negativa.

San Giovanni evangelista, 1971

Di molti dei ritratti di Giovanni, quello del 1972 è il più pulito e strano. L'aquila possente, come un pensiero dalle ali leggere, esce quasi dalla testa di un giovane evangelista, dalla fisionomia raffinata e appassionata. La bellezza regale è accentuata dai capelli biondi (il colore del Sole, segno di privilegio) Quella che segue è una consistente associazione di simboli: Giovanni scrive con inchiostro viola, il colore del sangue dei discepoli; e "l'inchiostro viola è una lettera di sangue che unisce in un'unità indistruttibile". Accanto al piede del giovane c'è una zucca, "simbolo di luce, parole, acqua e semi, inizi fertili" e "immagine dell'intero corpo umano del mondo nel suo insieme". Il terreno è ricoperto di funghi, che evocano il "mondo dei vivi e il mondo dei morti", servono da cibo per gli immortali che ne traggono la leggerezza corporea, e la loro forma a cupola è considerata "l'immagine del cielo primordiale" . Se aggiungo che alcuni funghi con il loro colore dorato ricordano l'amanita muscaria, un fungo sacro che contiene un forte allucinogeno e provoca illusioni, concludo che Večenaj ha un uso complesso e saggio dei simboli, che rende il suo psicogramma più complicato del previsto.

L'affermazione è chiaramente illustrata dalla serie dei Galli di Večenaj ("Gallo col pranzo", "Gallo con libro", "Gallo con i numeri", "Gallo sul tavolino", "Gallo con eclissi di sole", "Gallo in primavera", "Gallo in estate", "Gallo in autunno" "," Gallo in inverno "...) dove questo simbolo araldico, occulto, ierofano e sincretico, con le integrazioni di Večenaj, si arricchisce e si trasforma in un nuovo codice di significato. Il gallo è, in un certo senso, una controparte del cavaliere, ha trucioli chiari e un'uniforme piumata. Egli vigila e custodisce il tesoro a lui affidato, perlopiù di natura spirituale: perché è il più delle volte la Bibbia, il primo e più importante libro, e il rosario, che il gallo porta nel becco, e per mezzo dei cui grani si invoca il nome di Dio, dirà che questo benefattore, portatore di luce e custode della vita promosso direttamente tra gli emblemi messianici, e annuncia il "giorno che sostituisce la notte" ed è legato a Cristo, il simbolo della luce.

Gallo sul girasole, 1971

È atipico e, in termini di metafore artistiche, il più impegnativo in una serie di dipinti "Gallo sul girasole" del 1971. Esausto, l'antico gallo appoggiato sul girasole, che nel turchese paesaggio invernale sembra estremamente irreale e confuso, il suo oro eliotrofico si è scurito. Il rosario è andato in pezzi: sulla foglia introdotta c'è solo un granello turchese cavo: il mondo è, a quanto pare, caduto all'ultima lettera, una sola parola. Sulla seconda foglia c'è un simbolo lunare una raganella verde, una voce dal mondo dei morti. Il gallo lancia un altro sguardo severo e perspicace alle spalle, e poi assume il ruolo di uno psicopompo, una guida delle anime: in questo giorno gelido in cui le acque gelate luccicano, è venuto per colui il cui respiro si è indurito secondo uno schema, per condurlo oltre, dove cessano le pene, i dolori e le ansie terrene. Ci piacerebbe proprio così (anche se abbiamo compreso un'interpretazione simile con Ivan Lackovic, collega di Večenaj al pennello!) potremmo spiegare la presenza di questo "uccello senza domicilio" in un ambiente bizzarro, calendario e logicamente irreale. Naturalmente, dobbiamo accettare il fatto che la fase di modificazione (trasmutazione) dei simboli iniziò a Večenaj non appena fu completata la pittura classica e canonizzata del Circolo di Hlebine, nell'aria di cui alcuni impressionanti paesaggi, nature morte, scene di massa e ritratti. Nel ciclo è stato operato uno spostamento sul tema della passione di Cristo (che spesso è ampiamente descritto, e non qui oggetto di nostro interesse), per portare l'autore a dettagli virtuosistici nell'ultimo decennio quando il ciclo mistico-meditativo " Egloga su vetro". dove il simbolismo è scarso e denso come una ragnatela di un ragno trascendentale.

MORSETTI E PARABOLE

Includerà in questo gruppo "Fiori" (1975), "Rane" (1980) e "Farfalle" (1987). "Fiorellini" è un fascio tagliato di ramoscelli di ciliegio, avvolto in un panno e legato con una corda. Nella regione arida, quasi desertica, dove uno stretto sentiero si snoda verso un'oasi alberata, le gemme vengono mozzate in segno di vita interrotta, tristezza e ammonimento: l'albero ricorda la ferita e porta le cicatrici. Ma può fiorire anche la bellezza sacrificale: il colore azzurro, immateriale, indica uno spirito liberato, che si librerà verso la dimora celeste, quando i nodi della corda saranno sciolti: legami e beni terreni.

Rane, 1980

Il dipinto "Rane" (1980) sembra ancora più mistico e stratificato. Silenzio e mistero, accentuati da un pesante fondo marmoreo, dominano la scena notturna, in cui la rugiada gocciola sulle foglie della ninfea e tre grandi rospi - viscidi, piumati e pelosi - siedono in rigida anticipazione mentre la luna velata sorge sotto il nuvole scure. Contrassegnato con colori rosso, ocra e arancio e "decorato" con attributi esoterici che li tengono in bocca: boccioli, vermi, corona strappata (e quest'ultimo ha un braccialetto sulla gamba!) Rospi (negromanzia) oltre al frasale culturale complesso che comprende rituali, credenze, miti, stregonerie, culti, tecniche di guarigione e antiche usanze di civiltà scomparse ed esistenti. (Vedi: JG Frazer: "Ramo d'oro").

Se scomponiamo l'immagine in simboli, visiterò, forse, un elemento di fissaggio alchemico (trasformativo) o cosmologico (creativo). Ricordo innanzitutto la ninfea (ninfea) dove "la radice insieme al fiore simboleggia la fine della creazione, saldamente al di sopra dell'acqua. La ninfea (o radice) che esce dall'acqua è un simbolo della la stessa processione cosmica "creando il mondo". Il rospo, invece, «è un simbolo di successo, sebbene scarlatto di forza, coraggio e ricchezza. In occidente è un simbolo regale e solare, ma ha anche un lato oscuro: assorbe e trattiene il solare luce. (...) È un attributo dei morti, esprime esotericamente la nozione di morte e restaurazione. La pietra, che esisteva nella testa del rospo, era un prezioso talismano, che serviva per raggiungere la felicità terrena. Era un soggetto importante nella magia e nel ritorno dei rospi: le streghe li adornavano, li vestivano, insegnavano loro a ballare…”

L'immagine di Večenaj, ovviamente, è una parabola sulla trasformazione: il fatiscente in imperituro, il terreno in eterico, il vegetativo e il sensoriale in spirituale. Proprio come quel verme (nella bocca di un rospo) è "un simbolo del passaggio dalla terra alla luce, dalla morte alla vita, da uno stato larvale a uno stato di ascensione spirituale", così è un'allusione ai riti magici (la rana piumata decorata ), o tre colori alchemici: piombo, argento e oro, a conferma che si tratta di un dipinto "oscuro", come creato per uno scarabocchio junghiano, da cui la sua ultima suggestione.

Quasi tutte le osservazioni fatte si riferiscono anche al dipinto "Farfalle" (1987). Ce ne sono seicento sopra e intorno alla ninfea problematica più grande! Questo è abbastanza significativo: il sesto nel culto numerico è il numero di imminente rovina, catastrofe, peste. L'idea sarebbe, quindi, legata al "cerchio apocalittico", se non fosse smentita dalle farfalle! Sono un simbolo di leggerezza e impermanenza, e racchiudono l'ipotenziosità dell'essere: la farfalla che emerge dal cappuccio significa resurrezione. Sta uscendo dalla tomba. Ne troverò conferma nella mitologia (Psiche con le ali, per esempio!). E negli aztechi, la farfalla è un simbolo dell'anima o del respiro della vita che si librava dalla bocca dei morenti. L'idea della resurrezione è sicuramente presente nell'"Elysia" del paesaggio idealizzato, con colori freschi e gioiosi e composizione svolazzante. Ho permeato tutto di leggerezza, come se, secondo le parole di Cristo (secondo Maria Valtorta), si realizzasse lo stato che ama il Salvatore. Ti porto dentro di me come una madre che plasma la sua creatura, ti circondo, ti proteggo con me stesso, ti nutro con il mio cibo per partorirti immortale in quella che tu chiami "morte", e non è altro che un passaggio .la separazione in uno spazio limitato nella libertà illimitata, dalle tenebre alla Luce, le carezze sbarrate nell'abbraccio completo dell'anima con il suo Creatore”.

Le "farfalle" di Večenaj non sono un'illustrazione di messaggi escatologici. Sono un'altra interpretazione stranamente inventiva e indipendente, che conferma l'atteggiamento riflessivo dell'autore nei confronti dell'eredità della civiltà cristiana dell'Europa occidentale e dei suoi fondamenti, nonché l'alto potere di plasmare (articolare) parabole visive. Egli "predica" con un pennello, ammonisce, incoraggia, testimonia... un'epoca "in cui fioriranno la scienza, la conoscenza, la cultura, l'umanesimo e tutte le virtù della natura umana.

CERCHIO DEL SERPENTE

Le antiche scritture direbbero che prima dobbiamo attraversare il crollo o almeno la catarsi della nostra civiltà "impura". Porta alla disintegrazione dei valori, rivolte e disordini, tracce cancellate, deliri e allucinazioni di massa, corruzione e bugie, marciume, paura, delusioni, il mare della rovina. Voglio essere d'accordo con la conclusione che proprio ora, nella nostra vita quotidiana, il "cerchio dei serpenti" si sta chiudendo? Un "Serpente" del 1990 di V ečenaj così scurrile suggerisce qualcosa, in piedi minaccioso in mezzo a una corona di serpenti? Fissò i suoi occhi turchesi nel cielo e tese verso di lui la sua pericolosa lingua biforcuta. Formalmente, come simbolo di Esculapio, attributo della poesia, dell'arte e della medicina, è stato creato su richiesta e intenzione di un medico, un collettore di fuoco. Ma non è senza inferno disegnare un serpente, in qualsiasi versione! Al contrario, lei è con l'Empietà, e ha rotto una stretta relazione! L'iconografia cristiana ce l'ha mediata in questo modo. Fin dall'inganno fatale dell'Eden con la mela, il serpente è apparso come un segno di Satana, una manifestazione della sua presenza. Il drago e il serpente sono partner simbolici: peccato, impurità, non c'è nemmeno una parte della natura soggetta al male, che deve essere distrutta. Per questo la Vergine (o Cristo) schiaccia con il piede la testa del serpente, proprio come i cavalieri uccidono i draghi. Non è facile sconfiggere il serpente, ma è una conditio sine qua non, condizione necessaria per raggiungere il trionfo della virtù.

È un serpente potente, un concorrente dell'uomo, ha le possibilità di innumerevoli trasformazioni, conoscenze nascoste, possedimenti terribili, è più antico di qualsiasi cosa creata e immaginata. Più precisamente: "Il serpente è un principio. Gli dei creatori nella loro prima manifestazione sono i serpenti cosmici. (...) È nell'alfa e nell'omega di ogni fenomeno, all'inizio di ogni cosmogenesi, (come) un primordiale indivisibile unità." Sono passati migliaia di anni e così si è formato il cerchio del serpente: dal divino e dal devoto, all'uno e al tutto distruttivo.

Se accettiamo la "satanizzazione" del simbolo del serpente, dobbiamo tornare all'ammonimento di Cristo (nello stesso luogo): "Satana è il capo di questo esercito che ebbe inizio a Gerusalemme, nelle braccia del sinedrio, tra la casta dei farisei, scrittori, sadducei, che trovò il suo vessillo in Giuda, che si moltiplicò ancor di più nella secolare persecuzione di cristiani., dottrine demagogiche, partiti politici, nuove forme di governo, che culmineranno nell'Anticristo, che opporrà il mio torrente di grazia al torrente di atrocità e sangue in cui vagherai e cadrai, e pochissimi cadranno santi sacrifici invocando Cristo!, nutriti e ingrassati dai vizi, tormentati, avvelenati, diabolici dalle scienze maledette, come diavoli nella parola che maledice, nella mente che rinnega, nel cuore che rinnega»

Ci sembrerebbe che tale interpretazione sia oscura e doppiamente ortodossa, se la realtà non ci fornisse conferme evidenti della presenza del Male, delle sue molteplici forme e della sua inestirpabilità. È difficile credere che il soleggiato panorama di più giorni sarà coperto da oscurità, oscurità infernale e silenzio. Crediamo nel carattere filantropico e benevolo della sua arte. Qua e là sull'orrore della donna: ci siamo tagliati gli occhi sul filo tagliente e abbiamo riconosciuto il mondo come una ferita, un luogo di fuga e di sconfitta. Per chissà quante volte abbiamo sostituito l'Arte per la vita, perché l'artista ha fatto troppo bene il suo lavoro.

Davvero, non può che essere fantastico.