IVAN LACKOVIĆ CROATA - HOMMAGE Á LACKOVIĆ - 20 dicembre 2004 - 15 gennaio 2005

Ivan Lackovic Croata (1931 – 2004)

Ivan Lackovic Croata è un pittore croato autodidatta, un classico della scuola di Hlebine e dei nostri naïf, e uno dei più eminenti pittori naïf mondiali. È nato il 27 dicembre 1931 a Batinska, Podravina. Dopo aver terminato le scuole elementari, lavorò in casa e nei campi, poi trovò lavoro nella fattoria forestale come operaio. I suoi primi disegni risalgono al 1952, i suoi primi dipinti al 1956. Venne a Zagabria nel 1957, lavorò come postino e contemporaneamente frequentò la scuola serale, che gli permise di diventare impiegato postale. Nel 1962 incontra Krsto Hegedušić e da allora lavora occasionalmente nel suo Master Workshop. Questa è anche l'età in cui inizia a esporre. Nel 1968 lascia il lavoro presso l'ufficio postale e inizia a dipingere professionalmente. Dal 1992 al 2001 è stato membro del parlamento croato. Morì a Zagabria il 29 agosto 2004.

All'inizio degli anni sessanta, Lackovic perfezionò i suoi disegni e la tecnica pittorica su vetro e si concentrò su diversi motivi ai quali rimane fedele: in primis i paesaggi, le sue preoccupazioni più tipiche e distintive. Per questo artista, tuttavia, il paesaggio non è geograficamente specifico, è sempre un ricordo poetico pieno di numerosi elementi del paesaggio della pianura podravina: alberi spogli, cespugli, erbe, fiori, piccoli nidi, stormi di uccelli neri, ecc. L'immagine è di villaggi desolati e allungati, distesi, spazzati via dalla neve e dal silenzio, un'atmosfera cupa e malinconica, dove tutto è pieno di cariche liriche e romantiche. Col tempo crea sempre meno in base alla visione diretta e ricorda sempre di più: l'immagine della memoria diventa il suo principio di partenza.

Dagli anni '70, Lackovic usa sempre più allegorie e simbolismo e si sforza di rappresentare il fantastico. Successivamente realizza anche opere con una forte inclinazione verso l'astratto: dal lirico, romantico e arcadico, si volge al surreale, con cariche simboliche; dall'approccio istintivo, che lo ha caratterizzato all'inizio, si avvicina sempre più all'intellettuale.

Lackovic è autore di numerose cartelle grafiche e libri bibliofili. Ha avuto più di duecento mostre personali e ha partecipato a un gran numero di mostre collettive, comprese molte mostre prestigiose di naïf croati e mondiali. Sono state pubblicate 12 monografie sul suo lavoro. Tra i suoi successi più notevoli ci sono i premi alla 2a Triennale del Disegno Jugoslavo Contemporaneo a Sombor nel 1966 e alla 2a Mostra di Zagabria del Disegno Jugoslavo al Gabinetto della Grafica di Zagabria nel 1969, e il Premio della Giuria Internazionale alla mostra I Naïfs di Lugano nel 1973.

Raramente qualcuno nell'arte croata e nel mondo è stato descritto naif come Lacković, nessuno, come lui, ha messo la maggior parte della sua energia creativa nel disegno e ha fatto del disegno la base del suo intero interesse e visione del mondo, del suo intero essere spirituale.

Il primo periodo della capacità di disegno di Lackovic, che si protrae fino al 1962, dalle prime opere alle prime mostre, è il momento della formazione e della maturazione. È un periodo di metodi realistici e descrittivi, in cui l'autore disegna solo ciò che vede, "secondo natura", e inventa una serie di soluzioni prototipiche personali. Già a quel tempo si utilizzava come mezzo espressivo di base una linea semplice, chiara e sottile, presentando tutto piatto e senza sfumature.

Dopo aver incontrato Krsto Hegedušić nel 1962, inizia a semplificare le forme e sintetizzare, liberandosi dalla narrazione, dalla frammentazione e dal disegno dettagliato. Da allora, Lacković disegna direttamente con inchiostro su carta, senza un modello e senza possibilità di correzioni o cancellazioni. Sta abbandonando sempre più il riconoscimento locale e crea sempre più antipasti fantasiosi, concentrandosi su un'atmosfera pulita.

Dal 1964 sono stati realizzati numerosi capolavori del fumetto: armonia e pace regnano nei paesaggi, la bellezza della Natura si rivela ovunque. In questo riconosciamo il forte idealismo dell'autore. Alcuni anni dopo, l'artista inizia a individuare singoli segmenti del paesaggio - alberi spogli, cespugli con fiori o frutti - e concentra tutta la sua attenzione su di essi. Dopodiché, inizia a mostrare ciò che è piccolo in sé, appena visibile nella realtà. Molto spesso si tratta di vegetazione: erba, piccoli fiori e piccoli frutti colti da paesaggi più ampi, modellati con precisione in miniatura e delicatezza sensibile. Come un poeta haiku, Lackovic avverte dell'importanza e della bellezza dell'ordinario, del quotidiano, del piccolo, dell'insignificante. Rivela il significato e l'essenza di tutto ciò che esiste in un petalo di fiore, un filo d'erba, una tela di ragno, un ramoscello, una goccia di rugiada. In quel microcosmo, il pittore accenna all'intero Universo. Disegna ciò che vede in sé, non davanti a sé, ciò che è visibile dietro un occhio chiuso.

A metà degli anni Sessanta la narrazione scompare quasi del tutto dai disegni di Lackovic, e l'artista inizia a ridurre tutto a pura atmosfera: il lirismo prevale assolutamente. La vista da una posizione elevata, su cui costruisce la maggior parte delle sue vedute paesaggistiche, gli consente di catturare in profondità, orizzonti distanti e molto lontani, dove sia il grande che il piccolo sono presentati in modo cristallino. Nel disegno U trnju (1966) vediamo quattro piante orizzontali, strati quasi separati - nella prima ci sono fiori secchi e un pozzo, disegnato con grande successo (particolarmente nero nel secondo è un villaggio con tetti prevalentemente bianchi, nel terzo un foresta (a forma di "zona oscura", con i tronchi e i rami più minuziosamente disegnati, fittamente intrecciati tra loro) con una serie di piccole case, nel quarto piano è il cielo (il candore della carta). elementi, piantine essiccate e alberi di tessitura delicata, penetrano in ciascuno degli strati citati, si intrecciano con essi e li avvolgono in tutte le direzioni, stabilendo così la completa unità dell'opera.Se si comprende che Lackovic si avvicina alla composizione globalmente, diventa chiaro che alcune parti narrative vengono create successivamente, come arricchimento, nella forma di definire le singole parti del disegno nel modo più completo possibile. Nell'opera indicata tali dettagli sono evidenti nella zona centrale sinistra - con un fienile, un cesto di mais , un forno per il pane, zucche sparse e un mucchio di mais in un piccolo prato.

Non c'è nulla in questo disegno che possa interrompere l'armonia lirica assoluta con il realismo, l'autore ha persino tralasciato le figure umane, al fine di ottenere l'armonia più perfetta. Si libera quindi dalle caratteristiche e dalla narrativa locali, e crea la visione di un paesaggio (e di un villaggio) ideale. Stabilisce un tale sistema di forme in cui è pacifico e felice, dove esistono solo armonia, pace e bellezza. Questa è precisamente l'essenza dell'idealismo di Lackovic. In termini di contenuto, questi disegni significano lirismo, belcanto e larpurartismo portati a un parossismo. Testimoniando la bellezza dell'esistenza, l'artista testimonia anche la dolcezza e la bontà - e in questo scopriamo i tratti del suo vero panteismo. Borghi tranquilli, immagini di pace e di contemplazione, assumono anche il carattere di santità. Dato che i borghi sono spesso rappresentati da abitazioni estremamente fitte e compatte, delimitate (dalla vegetazione) - spesso poste al centro di un'ellisse o di un cerchio - può essere letto anche come un "giardino recintato", che è, in senso figurato, un immagine del paradiso. Nei più perfetti di questi disegni, Lackovic non mostra né l'uomo né l'animale, così che l'assoluta armonia della Natura non sarebbe disturbata da nulla.

Con un'immagine così ideale del mondo, ha creato un prototipo di paesaggio, emblema del governo, segno e simbolo di riconoscimento. Anche se, dopo diversi anni di persistenza in questa forma, romperà deliberatamente una struttura così armoniosa, rimarrà, in frammenti, nelle opere dell'artista fino ad oggi.

Il disegno Villaggio (1968) segue le orme dei paesaggi classici dell'artista della seconda metà degli anni Sessanta ed è forse uno dei suoi migliori paesaggi in generale. Il distinto trattamento compositivo orizzontale è evidente, e anche qui la caratteristica fondamentale è la vista da un luogo elevato e distante, in modo che non vi sia quasi alcuna differenza nella presentazione di elementi grandi e piccoli, perché tutto è uniforme. L'armonia assoluta è quindi raggiunta da un processo compositivo predeterminato: non c'è forma che sarebbe imposta dalle dimensioni o dalla posizione (luogo nel contesto del disegno). Casette, cataste di grano, staccionate di legno, un crocifisso e un pozzo si intrecciano nel terreno frastagliato orizzontalmente e leggermente collinare, ricco di alberi e di piccole grafiche vegetali. La granularità e la discrezione di tutto ciò che viene mostrato, così come la grande semplificazione e sintesi, raggiungono la perfetta armonia di questo lavoro. La massima coerenza è rafforzata anche dal raggruppamento delle forme architettoniche, cioè le forme più grandi, nel terzo inferiore della visuale, che rende molto più agevoli le parti superiori della composizione. La coesione si ottiene attraverso l'efficienza di alcune forze centripete: tutte le forme architettoniche confluiscono verso il crocifisso e il piccolo vuoto dominato dal suddetto pozzo. L'armonia si ottiene dalle linee più sottili; è, ovviamente, uno stile lineare puro. E questa soluzione, come la maggior parte degli altri disegni dell'artista di quel periodo, contiene tutte le caratteristiche dell'immagine arcadica del mondo. Se il "carattere di pizzo" è menzionato in relazione ai paesaggi di Lackovic, allora, probabilmente, non c'è disegno in cui questo sia espresso in modo più paradigmatico di quello descritto.

Constable ha dichiarato di non aver mai visto nulla così presto nella sua vita. È proprio questa convinzione che sembra essere alla base della creatività di Ivan Lackovic, perché trasforma quasi programmaticamente tutto ciò che non è bello in qualcosa di bello. Il villaggio è essenzialmente fango, muggito di vacca, raccolta del pollame, l'odore del fienile, il concetto del peso e delle difficoltà della vita - tutto ciò è assente nelle opere del nostro pittore. A Lackovic, la robusta architettura rurale è stata resa elegante e armoniosamente proporzionata, così come la vegetazione è stata armonizzata in proporzioni ideali. Allo stesso tempo, il campo di interesse dell'artista non comprende mai il villaggio moderno, ma quello dei tempi antichi - sia per quanto riguarda le forme delle case, l'aspetto delle strade e degli strumenti, sia per gli abiti umani, la rappresentazione delle loro attività e dogana. Tutto questo è legato al processo creativo precedentemente modificato: i disegni di Lackovic dopo il 1962 non sono più il risultato di un'osservazione attenta e perspicace della realtà, ma quasi interamente il risultato della memoria fenomenale dell'autore. E come in ogni ricordo, anche in esso sono presenti i processi di semplificazione e di riduzione, cioè di astrazione. Questo è così radicale in Lackovic che le caratteristiche individuali si perdono nelle forme architettoniche e nella vegetazione, ecco perché siamo costantemente di fronte - al sovra-individuale. In altre parole, Ivan Lackovic riduce tutto alla sua misura artistica - poetica - ed è per questo che le sue opere parlano di un'immagine idealizzata del mondo. Pertanto, non coglie l'apparenza in modo realistico ma poetico: al pittore non interessa la verità del vedere, ma la verità della bellezza.

La propensione per il disegno di Lackovic è innegabilmente istintiva, ma è anche una scelta consapevole. Ingres una volta disse che il disegno è "l'onestà dell'arte", riferendosi all'immediatezza che ne sta alla base, perché di solito si crea d'un fiato, dall'ispirazione alla realizzazione qui è un viaggio più breve che in qualsiasi altra disciplina pittorica. Ma i lineamenti di Lackovic non sono solo istintivi, sono anche organizzati razionalmente. L'artista disciplina la sua espressione, quindi anche qui possiamo invocare Ingres, perché nel nostro pittore, proprio come nel grande francese, c'è sempre, come direbbe Elie Faure, una fiamma sotto il ghiaccio.

L'alto valore dei disegni di Lackovic realizzati alla fine degli anni Sessanta si conclude con una delle creazioni più suggestive e liriche dell'artista: Vecchia Foresta II (1970). Qui il pittore si concentra su un singolo albero, distinguendolo per dimensioni e posizione. Non si tratta quindi più di una serie di elementi apparentemente uguali, come faceva spesso prima, ma si concentra su uno solo, il più essenziale. Le principali novità si riflettono principalmente nella struttura compositiva e nel ritmo: gli alberi verticali sono scomparsi, tutto è obliquo, piegato, diagonale. La maggior parte degli alberi era inclinata a destra, ma l'artista sentiva che un tale ritmo doveva essere contrastato, che doveva neutralizzarlo, quindi inclinò molti rami e ramoscelli a sinistra. Inoltre, nell'angolo sinistro compariva un alberello completamente piegato a sinistra, a chiaro contrappeso ritmico alla forma più grande e possente. Con questo, è riuscito a chiudere la composizione in un semiovale. Sebbene non si tratti di una realizzazione simmetrica, le direzioni (e i ritmi) opposti creano una forte tettonica, ulteriormente esaltata dall'intreccio di rami, ramoscelli, erbe, foglie rare e fiori nella zona più bassa. Con una punteggiatura fine, i punti più piccoli, il disegnatore ravviva magistralmente i tronchi più grandi, specialmente quelli più vicini e più grandi, ottenendo così una plasticità senza alcun accenno di ombre, senza ombre. Sono già stati notati alcuni parallelismi tra Lackovič e Waldinger, che si manifestano nella parentela spirituale e nell'analoga preoccupazione di questi due artisti, particolarmente evidenti nella loro ossessione per i paesaggi e la vegetazione. Del resto Ivan Lackovic anche qui, in Stara šuma II, nelle parti inferiori dei disegni, non manifesta proprio zelo botanico nel disegnare varie piante, e non troviamo tratti simili in una serie di disegni e studi di Waldinger?

Il famoso aforisma di Amiel che il paesaggio è uno stato d'animo trova piena espressione in Stara šuma II: Lackovic disegna qui ciò che vede in sé, non davanti a sé, disegna ciò che vede ad occhi chiusi. Poiché quindi riveliamo gli strati più profondi della personalità dell'artista in tali e tali opere, possiamo affermare che i paesaggi del pittore sono i suoi psicogrammi. Grazie a loro scopriamo tutte le qualità tipiche di questo poeta della linea: sensibilità raffinata e forte malinconia. Disegni come questo testimoniano più dell'autore che di ciò che mostrano: l'artista esprime il suo atteggiamento interiore e intimo nei confronti di ciò che viene presentato, piuttosto che affrontare l'autenticità degli elementi raffigurati. Pertanto, possiamo affermare che l'atteggiamento di Lackovic nei confronti delle vedute del paesaggio è estremamente personale e interiore. Ripetiamo, il disegnatore non dipinge il paesaggio come topografico, ma come una testimonianza poetica. Vecchia Foresta II può quindi essere meglio spiegato parafrasando Unamun: è una sensazione romantica della vita. Osservando gli alberi secchi e i loro rami spogli, ricordiamo anche come tali forme e quell'atmosfera malinconica abbiano portato la Corona degli Amici ad associare Lacković ai primi veneziani, Gentile e Giovanni Bellini, Carlo Crivelli, infine, il nostro Jurje Čulinović. Nonostante tutti i promotori dell'avanguardia, Lackovic ha osato dimostrare che la fede nel legame dell'uomo con la Natura non si è esaurita e che rimane una fonte inesauribile di ispirazione.

Nel 1971 apparve in Lackovic un tema fondamentalmente nuovo, la nuova organizzazione compositiva dei disegni iniziò a dominare. Le opere cessano di essere romantiche e classiche, scompare l'arcadia ideale e inizia il predominio del demoniaco e del fantasmagorico. L'areale lascia il posto all'irreale. L'artista utilizza sempre più allegorie e simbolismo: non si tratta più di disegni di memoria, ma di concettualismo personale e coerente. In termini di contenuto, la disperazione, la morte e la morte trionfano. Le scene sono drammatiche, tragiche – spesso ironiche – e quasi sempre esoteriche. Presto si affolleranno motivi astrologici ed erotici. Si tratta della vittoria del subconscio e dell'aldilà. Se fino all'inizio degli anni Settanta il pittore era prima di tutto un sognatore, un testimone lirico di Podravina, ora diventa un fumettista impegnato, testimone di un'epoca tragica. I suoi simboli non sono sempre facilmente riconoscibili, né sempre comunicativi, il che dà origine a un certo ermetismo. Lackovic parla spesso in termini esopi, unisce medioevo e tempi moderni, e con l'antica iconografia testimonia la nuova era.

La simmetria, la solida tettonica e l'armonia generale scompaiono dal disegno. Al posto dei paesaggi, le figure umane sono sempre più presenti. L'artista ha quindi rotto consapevolmente la sua struttura romantico-classica, per non trovare nuove modalità espressive. Elementi di simbolismo e fantasia sono comparsi, è vero, di tanto in tanto già dall'inizio degli anni Sessanta, ma troviamo la loro piena presenza, beh, un intero decennio dopo. L'istinto in Lackovic si è trasformato in razionale.

Esempi paradigmatici di queste nuove inclinazioni sono due disegni del 1979 - O tempora e O mores - che rappresentano probabilmente le migliori e più tipiche soluzioni dell'artista a queste nuove caratteristiche. Invece delle opere precedentemente posizionate orizzontalmente e orizzontalmente separate, Lackovic insiste su linee verticali e diagonali. I suoi elementi abituali sono presenti anche in questi disegni – figure umane e paesaggio – ma appaiono in un nuovo contesto e con un nuovo modo di rappresentazione.

I nomi stessi testimoniano un carattere notevolmente cambiato. Richiamando la nota massima di Cicerone afferma che l'autore non vuole più nascondersi dietro i travestimenti dei suoi personaggi (cosa che ha fatto spesso fino ad allora), ma testimonia apertamente la struttura del mondo in cui viviamo. Allegorie precedentemente velate si sono trasformate in pensiero critico diretto e protesta. Il simbolismo, ovviamente, non si rivela solo nel titolo dell'opera, ma soprattutto nella concezione: ugualmente nella distruzione del paesaggio e nelle figure umane (angeliche?) decapitate. Allo stesso tempo, il paesaggio in frantumi è associato alla distruzione del mondo e le figure senza testa parlano della rottura di tutti i principi e valori etici. Le opere di Lackovic diventano testimoni dell'esistenziale dell'artista.

Vladimir Crnkovic

(frammenti di un insieme più grande)