MATIJA SKURJENI - Disegni - grafica su tela - 10 gennaio - 25 gennaio 1984

I disegni, i graffiti su tela e le serigrafie di Matija Skurjeno hanno le stesse caratteristiche dei suoi dipinti: contengono caratteristiche tematiche e stilistico-morfologiche quasi identiche oltre che cariche spirituali. Certo, differenze di metro nella tecnica e nei mezzi creano alcune particolarità e contraddizioni, ma fondamentalmente anche qui incontriamo la singolarità stilistica e la struttura onirica tipiche dell'opera di Skurjeni. Sia nei disegni che nelle grafiche e serigrafie, è chiaro che Skurjeni ha consapevolmente abbandonato il processo realistico, per lui creare arte non significa presentare solo l'aspetto esteriore, ma anche l'interno; nella rappresentazione della figura umana, questo si manifesta nella rappresentazione della spiritualità, del sogno, del subconscio, del trauma e del sogno. Questo artista dipinge principalmente la realtà psicologica e non fisica. Molti elementi sono riconoscibili nelle sue opere, ma il loro significato è quasi sempre al di là della realtà. Tutto è quindi fantastico, immaginario e persino surreale; Skurjeni è tutto incentrato sull'immaginazione, l'incantato e l'insondabile, si inclina verso l'irrazionale, il subconscio e l'inconscio. I suoi quadri sono un'unità di reale e irreale, sogno e realtà, logica e immaginazione, silenzioso e spirituale, concreto e astratto. Matija Skurjeni insiste molto di più su ciò che sa, pensa o ipotizza sugli elementi visualizzati che sulla loro credibilità puramente visiva. L'essenza delle forme visualizzate e le loro interrelazioni sono quindi solo ipotizzate, ma logicamente non le comprendiamo mai completamente. Tuttavia, Skurjeni non dipinge solo ciò che sogna, ma anche ciò che inventa come un sogno, quindi il suo lavoro è determinato anche dalla qualità allucinatoria.

Matija Skurjeni dipinge esseri e oggetti al di fuori del loro spazio e tempo naturali e li classifica sulla superficie del dipinto (o disegno) esclusivamente a sua discrezione; la logica esterna è sostituita dalla logica interna, di Skurjeni. In questo modo, le relazioni tra gli esseri e gli elementi raffigurati diventano insoliti, innaturali e fantastici. Trattando lo spazio e le proporzioni in modo speciale, l'artista infrange quasi tutte le leggi della fisica e della logica. Le dimensioni dei dettagli dipinti, il loro rapporto reciproco, nonché le regole delle proporzioni e dell'anatomia non dipendono mai dalla prospettiva e dalla tettonica, ma esclusivamente dal significato rappresentato nell'immaginazione del pittore. Skurjeni mostra spesso in un'immagine diverse azioni separate nel tempo, che sono collegate tra loro solo da un'idea o da partecipanti. Pertanto, utilizza le modalità delle libere associazioni e della presentazione continua mostrando diverse fasi individuali di un evento. Non ci sono limiti di tempo per lui. Mostra spesso il passato, il presente e il futuro fianco a fianco. Ne è caratteristica la rottura della logica della località: non rispetta l'unità spaziale o topografica, quindi accosta elementi di luoghi diversi l'uno all'altro; ciò condiziona il filo dell'illogicità e delle rappresentazioni assurde. Queste sono tutte manifestazioni evidenti del libero flusso della coscienza. È già stato stabilito che questo artista crea tempo e spazio mitici invece di spazio e tempo storici. Ecco perché l'identificazione della scena è possibile solo nei dettagli, mai nel suo insieme. Vale a dire, l'immaginazione di Skurjeni abbandona sempre il realismo e l'obiettività e si inclina verso l'immaginazione estrema.

E' facile dire che Matija Skurjeni realizza raramente opere belle (nel senso classico del termine), sono sempre soprattutto espressive e cariche di un contenuto interiore molto caratteristico. Qui, quindi, si fa un'ovvia distinzione tra il bello naturalmente e l'artisticamente bello, che è uno dei postulati essenziali della pratica artistica contemporanea, attuato soprattutto dalle esperienze dell'espressionismo e del surrealismo, che diventerà un elemento intrinseco della poetica naif. Skurjeni è spesso poco comunicativo, i messaggi dei suoi dipinti e disegni non sono sempre chiari, l'autore spesso opera con simboli con significati noti solo a lui. Questa insistenza sul simbolismo è particolarmente importante. Ad esempio, anche prima che diventasse un simbolo biblico del pericolo e del male, il serpente era conosciuto come simbolo della paura. I serpenti (e draghi) molto comuni nei dipinti e nei disegni di Skurjeni non sono quindi solo rappresentazioni decorative di animali degli inferi, ma simboli del male, demoni dell'oscurità e, in un senso più profondo del vago e del subconscio, sogni e traumi. La liberazione dal male e dall'inconscio è spesso simboleggiata dalla lotta tra l'uomo e questi mostri. Dobbiamo anche sottolineare l'interessante connessione tra il sottosuolo e il subconscio, che viene qui rivelata. Certi collegamenti con il simbolismo cristiano possono essere visti nelle frequenti raffigurazioni di uccelli (soprattutto piccioni e colombe) come simboli dell'anima o purezza e pace. Comparativamente e simultaneamente, tuttavia, Skurjeni dipinge questo uccello con un'evidente allusione sessuale, nel senso degli antipodi maschio-femmina. Le origini sessuali e le frequenti raffigurazioni di pesci sono importanti. Tuttavia, contrariamente al simbolismo cristiano, le rappresentazioni di scimmie e di esseri simili a scimmie non significano solo peccato, malizia e malvagità, ma principalmente l'imperfezione della razza umana, il carattere insufficientemente umano delle relazioni umane e della società nel suo insieme. Pertanto, l'operazione di Skurjeni con i simboli è sempre stratificata e ambigua. Corridoi, passaggi segreti, labirinti, tunnel e simili spesso simboleggiano l'inconscio e il subconscio. Tutto ciò che accade sottoterra (nelle trincee, nelle miniere, nei tunnel) simboleggia la ricerca del terreno originario, come affermava Vladimir Maleković, sono queste aree che devono essere attraversate per raggiungere la salvezza attraverso la catarsi, oppure è una discesa nell'Ade, l'oscurità eterna, fino alla morte, non può essere stabilita logicamente, ma è più che ovvio che in tutti questi casi si tratta di simboli e non di elementi ordinari, inequivocabili. Il più delle volte, Matija Skurjeni dà un nuovo significato a ciascuna delle sue forme, e questo non è nella mera presentazione, ma in ciò che le forme esprimono dall'interno. Pertanto, le sue gallerie, le rovine, i corridoi, le grotte e le gole non sono da intendersi come concetti predeterminati e comuni: qui sono parti integranti della fantasia dell'artista, acquisiscono specifici, e di caso in caso, come già accennato, significati diversi.

In Matija Skurjeni, il concetto di narrazione non si esaurisce con la semplice descrizione; i suoi pensieri e messaggi moralizzanti si riferiscono all'origine dell'uomo, al problema del bene e del male, della felicità e dell'infelicità, dell'ansia e della gioia, della guerra e della pace, è interessato alla storia, al presente e al futuro, al destino dell'umanità, all'amore, erotismo e umanità.

La paura è una delle caratteristiche fondamentali della poetica di Skurjeni. Inoltre, la paura è il principale motore di continui (ansiosi) viaggi, i cui simboli sono le ferrovie, il mezzo con cui ci si sposta verso il nuovo, l'ignoto e, possibilmente, verso luoghi meno pericolosi. La paura è supportata da città sconosciute e meravigliose (insolite e illogiche), edifici solitari, finestre e porte vuote, buie e profonde, castelli, mura, tunnel abbandonati e fatiscenti. Anche i cavalli alati e gli astronauti hanno un significato simbolico, da decifrare come simboli di una possibile partenza, sono creature con cui l'autore cerca di superare gli orrori della realtà, che quindi simboleggiano la liberazione.

In questi dipinti e disegni generalmente non c'è collusione tra uomo e spazio, così come non c'è contatto tra uomo e uomo, il che supporta l'idea di alienazione. Gli spazi indefiniti degli sfondi rafforzano l'impressione di isolamento dei personaggi, e quindi l'impressione di solitudine psicologica. Tuttavia, gli spazi vuoti e disabitati di Skurjeni non sono solo spazi spogli, ma soluzioni simboliche e filosofiche: sono vuoti dove non c'è nulla di concreto, ma è proprio così che l'artista ottiene l'effetto delle sue idee esistenziali e moralizzanti. Tuttavia, simboli e allegorie non dovrebbero essere cercati ovunque e sempre, perché Skurjeni usa anche i suoi sigilli per pura gioia creativa.

A detta di tutti, Matija Skurjeni appartiene a un gruppo di artisti del 20° secolo che non hanno quasi nessun legame con il surrealismo come dottrina, ma sono surrealisti in un senso più ampio e profondo (come Joyce, Kafka, Chagall). Non è un surrealista cosciente e cerebrale, un surrealista per programma, ma per impulso. Questo lo distingue dai classici del movimento surrealista. Matija Skurjeni è un pittore istintivo del subconscio, non un ricercatore cosciente. La nota tesi di Marko Ristić che la poesia illumina ed esprime certi fantasmi, conflitti e complessi psichici complessi e incommensurabili, ma non per questo meno pericolosi, soddisfacendo in qualche misura il bisogno dell'uomo di vedere e sopravvivere a questi fantasmi e conflitti, di superarli ma non soffocarli, e a provocare sempre più, perché sono la condizione della sua vitalità e del suo valore psichico, è proprio in quest'opera che essa può idealmente essere esposta. Skurjeni, tuttavia, non può essere spiegato solo in relazione alle azioni surrealiste, questo pittore è anche alla ricerca di quei contenuti spirituali che trovano le loro radici nel romanticismo e nel simbolismo, e manifesta alcune somiglianze con alcune esperienze di art nouveau e pittura metafisica. Dopotutto, Matija Skurjeni è un pittore paradigmatico dell'arte naif.

Le capacità di disegno di Skurjeni sono rintracciabili su due livelli: nel disegno originale con macchia o inchiostro su carta e nella tecnica della macchia e seppia su tela, nel cosiddetto grafica su tela (come l'autore chiama tali opere); le sue famose serigrafie sono per lo più disegni su carta, riprodotti più volte con la tecnica della serigrafia. L'artista ha realizzato il maggior numero di disegni proprio come modelli per serigrafie, in particolare per le cartelle Eulali (1959) e Skurjeni (1972). Tra queste due date furono realizzate solo poche decine di disegni, stampe e serigrafie, il che dimostra che l'autore non disegnò mai molto. Tuttavia, in termini di struttura poetica, oltre che puramente in termini di disegno, qui scopriamo una serie di realizzazioni eccezionali, che confermano in modo convincente che Matija Skurjeni non è solo uno degli autori più distintivi della nostra arte naif, ma anche uno dei suoi fumettisti più interessanti e impressionanti.

I suoi disegni, stampe e serigrafie per lo più non sono stati scritti; dopotutto, l'autore non li ha nemmeno presentati in modo sistematico, solo la cartella di Skurjeni una volta era presentata come una singola unità. Pertanto, specificare la cronologia di come queste opere sono state realizzate e come e quando sono state presentate è un prerequisito fondamentale per qualsiasi sistematizzazione e valutazione analitica e critica.

Sette disegni originali di Matija Skurjeni furono esposti già nel 1958, alla sua prima mostra indipendente alla Galleria d'Arte Primitiva di Zagabria (Cattedrale, 1958); in quell'occasione Dimitrije Bašićević scrisse in catalogo: La sua arte sta appena iniziando il suo viaggio. Questo critico distinse nettamente tutto ciò che Skurjeni aveva creato fino a quel momento (dipinti senza stile) da ciò che stava iniziando ad accadere nelle sue opere in quel momento. Naturalmente, questo non significa che il pittore non abbia disegnato prima; dopo la mostra al Fine Art Studio del JAZU Graphics Cabinet di Zagabria (tenutasi nel 1964), le retrospettive dell'artista alla Galleria d'Arte Originale di Zlatar (1973) e alla Galleria d'Arte Primitiva di Zagabria (1977), e la monografia dal 1982 è stato pubblicato, anche se solo in modo frammentario, ha anche conosciuto i primi disegni di Skurjeni a carboncino, matita, inchiostro e pastelli (dal periodo 1946-1957). Tuttavia, la struttura stilistica di queste opere è fondamentalmente diversa da quella delle opere realizzate alla fine degli anni cinquanta. Matija Skurjeni realizza la sua individualità in completo contrasto con il realismo accademico che gli è stato insegnato e con il quale si è espresso per diversi anni (nella sezione di belle arti del KUD Vinko Jeđut a Zagabria). Si può e si deve anche dire che la pittura di Skurjeni cresce abbandonando e opponendosi a tutte le regole e gli schemi appresi. Naturalmente questo non significa che non si avvalga di una serie di esperienze adottate in quel primo periodo della sua arte, ma contrariamente all'opinione che lo stile di Skurjeni si sia formato prima del 1957, credo che non si possa rilevare un livello estetico superiore nei suoi primi lavori, che dice a sostegno della tesi circa il suo sviluppo, cambiamento e maturazione, con un cambiamento radicale nel corso del cinquantasettesimo anno. È proprio nell'ambito dei disegni che si può vedere chiaramente quanto l'immaginazione di Skurjeni della fine degli anni '50 sia fondamentalmente diversa dal carattere dei suoi primi lavori. Vale a dire, i disegni precedenti sono esclusivamente documenti sulla padronanza dei mezzi e della materia, prospettiva e descrizione, cioè appunti, studi della testa, del corpo e del movimento, studi anatomici e studi di nature morte, che anche secondo questa classificazione estremamente ristretta testimonia chiaramente che qui non possono essere rari alcuni lavori esteticamente rilevanti.

Anche il Duomo, realizzato nel 1958, non è ancora maturo, i disegni hanno ancora una descrizione concreta, ma nella disposizione generale, il modo in cui gli alberi sono raggruppati ai lati, così come il corpo dell'edificio e le torri , che si formano liberamente, associativamente, si può già avvertire una certa fantasia. È lo stesso con il tunnel al centro delle mura. L'immaginazione è quindi intervenuta con forza qui nello stato reale. Gli alberi tipici di Skurjenije e le piccole figurine, così come la raffinata grafica del prato e della pietra, rivelano anche lo stile futuro.

L'abbandono del reale e del concreto si fa sempre più evidente nel corso del 1959 (Peace Dove), tanto che con la cartella delle serigrafie di Eulali (20 fogli, 1959) si può chiaramente individuare la maturazione definitiva sia della capacità di disegno di Matija Skurjeni che della sua poetica visto. Eulalia rivela che la cartella grafica può svolgere un ruolo significativo nello sviluppo dei disegni originali, perché obbliga l'autore a creare un disegno definitivo, autoarrotondato, a scegliere i motivi migliori e più caratteristici, nonché la massima purezza espressiva. Mostra anche quanto sia stata stimolante, significativa e persino decisiva l'influenza della Galleria d'Arte Primitiva sulla formazione dell'espressione di Skurjeni. Al momento del suo definitivo e completo impegno per la pittura (1956, anno in cui si ritirò), Matija Skurjeni ricevette sostegno per tutte le sue opere d'arte nella Galleria d'Arte Primitiva di Zagabria, e in questo caso per le imprese della sua vita (la collaborazione iniziò nel 1957) .

Le opere di Eulalia sono i primi disegni di Skurjeni di completa maturità stilistica e artistica. È interessante notare che la maturazione e la formazione dello stile personale e della poetica di questo autore nei disegni è avvenuta un po' più tardi che nelle sue tele (dove viene alla ribalta già nel 1957/58). Questo è stato senza dubbio il risultato dell'impegno di base del pittore per il colorismo (disegnava solo occasionalmente). In Eulalia incontriamo l'intero repertorio delle invenzioni tipiche dell'artista: serpenti, draghi, mostri, pesci, oltre alla sua architettura tipica - castelli, tunnel, ecc. Sono presenti anche elementi floreali, a volte solo occasionalmente, a volte l'autore si concentra interamente su di essi. I versi sono costantemente presenti, il disegno e la parola sono costantemente intrecciati e talvolta il disegno appare anche solo come illustrazione. Il disegno prevale solo in alcuni fogli - La discesa dello spirito, Pizia sulla griglia (1959) - per riempire completamente la superficie della carta ed essere il principale mezzo espressivo solo in un'unica occasione: in Due Orfei (1959). In questa realizzazione di grande fantasia, risolta in diagonale, si manifestano anche tutte le altre caratteristiche del disegno di Skurjeni: piattezza, vuoto, sfondo indefinito, piccole grafiche e zone tratteggiate, abbandono delle proporzioni realistiche e interrelazione logica degli elementi, e in senso poetico, grottesco e umorismo. Qui scopriamo anche tutta una serie di altre tipicità di Skurjeni, soprattutto in connessione con la narrazione. Due esseri simili a scimmie, due Orfeo (come dice l'autore) si elevano al di sopra di altre specie animali con il loro canto e così si trasformano sempre più in omoidi (sebbene non umani); il bestiario che li circonda non è ovviamente una semplice descrizione decorativa di varie specie animali, ma contiene un messaggio simbolico: è così che Skurjeni vive la società umana. Si tratta quindi di una soluzione molto poetico-filosofica. In questo foglio è anche chiaro che all'autore non interessa affatto la prospettiva e le proporzioni anatomiche credibili; l'unica cosa che conta per lui è l'idea. La letteratura è costantemente presente nella pittura di Skurjeni, questo è ciò che Vladimir Maleković una volta chiamava dinamismo narrativo. Tuttavia, ciò richiede estrema cautela nel giudizio e nella valutazione, un'idea brillante può essere più forte della realizzazione, quindi è necessario essere in grado di vedere e valutare se l'autore è più interessante per ciò di cui parla, o per ciò che dice e come lo dice.

Tutti i precedenti interpreti dell'arte di Skurjeni hanno parlato principalmente di fantasia e irrealtà, tutti hanno menzionato il subconscio, il sogno e l'incoscienza, scene piene di ansia e quasi nessuno ha parlato dell'altra metà della poetica di Skurjeni: il comico, il grottesco e il burlesque. Questo contrappunto compare in quasi tutte le sue opere, anche nel primo periodo della sua arte. Si tratta di umorismo profondo, spesso difficile da riconoscere, ma non meno intenso e di risate ruggenti, commedia di eventi e relazioni, burlesque e caricatura di personaggi, risate per la stupidità umana, la superficialità e l'imprudenza. Vero, Vladimir Maleković ha menzionato l'ironia di Skurjeni, ma non si tratta solo di ironia, ma anche di commedia più profonda e risate oscure. Due Orfei è un esempio così paradigmatico.

Di quel periodo si conoscono altri due disegni molto caratteristici: Senza titolo e Viaggio sulla luna (entrambi del 1959) Il primo foglio è stato probabilmente realizzato per Eulalia: è una soluzione tipica dell'epoca e uno dei punti salienti inconfondibili dell'arte di Skurjeni. Sotto c'è una creatura simile a un drago, sul cui corpo c'è la firma dell'autore (apparentemente non a caso proprio qui), e una strana testa, con un piccolo drago al posto degli occhi, emerge lentamente dalla sua coda. Grafiche estremamente raffinate, linee minuscole e sottili, spesso spezzate e poi nuovamente disegnate e unite, elementi floreali di peculiare stilizzazione e ornamentalismo, atmosfere misteriose, surreali e oniriche, la bizzarria di ogni singola forma così come l'intera composizione. Il viaggio sulla luna è interessante per i mezzi espressivi estremamente semplificati e per le evidenti connessioni con le esperienze della pittura metafisica. I tratti di Slifte si possono già vedere in alcuni dei fogli di Eulalia, specialmente in Idoli (1959), poiché riappariranno in alcuni disegni (e dipinti) successivi.

All'inizio degli anni Sessanta, attraverso Radovan Lvšić, Matija Skurjeni stabilisce un legame con i surrealisti parigini. L'entusiasmo di Breton per quest'opera non sorprende, perché Skurjeni è innegabilmente un surrealista. La possibilità di confrontare il surrealismo come movimento e Matija Skurjeni come istintivo surrealista attende ancora il suo interprete, così come il rapporto tra lvšić e Skurjeni, senza dubbio uno degli incontri più stimolanti nella biografia del pittore.

La stretta collaborazione con la Galleria d'Arte Primitiva si riflette anche nel fatto che Matija Skurjeni ha realizzato una serie di vignette e disegni per i suoi cataloghi (catalogo della mostra Generalić-Virius-Skurjeni, Roma 1960; catalogo Naivni slikari, Samobor 1960) . Negli elementi floreali, il pittore qui prosegue le esperienze di Eulalia, mentre la linea diventa sempre più evidentemente raffinata. Va notato che nella stilizzazione, nell'ornamentismo, nella linearità e nella piattezza, nell'arabesco, e anche nel bestiario, molti degli elementi floreali di Skurjeni richiamano irresistibilmente soluzioni Art Nouveau. Questo è evidente non solo nei disegni ma anche nelle immagini. Le vignette e le illustrazioni più mature le scopriamo nei modelli per il catalogo della mostra personale dell'artista alla Galleria della Gioconda a Parigi (1962); qui vediamo di nuovo una combinazione di viticci geometrici e raffigurazioni di mostri e uccelli (Nemani, Kokot, intorno al 1962).

Scopriamo anche una grande immaginazione nella Città incantata (1962), una combinazione della tipica invenzione architettonica di Skurjenije, la rappresentazione di un edificio in pietra con archi e finestre profondi, piccole statue antropomorfe e tutta una serie di torri nelle parti inferiori del quadro, e un mostro pesante e tozzo simile a un drago nel cielo. Tutto in questo disegno è allucinatorio e deprimente, pieno di ansia, sostenuto dal grande peso (massa, volume) del nemani fluttuante. Qui si vede chiaramente che draghi, draghi e serpenti sono davvero simboli di ansia. La fantasia di Skurjenije, che nei disegni per la prima volta raggiunge un'espressione scioccante in Eulalia, si è sviluppata in questo lavoro in una soluzione del tutto peculiare.

All'inizio degli anni '60, Skurjeni iniziò a dipingere, grafica su tela (treppiede Kokot, 1961). Se l'artista disegna con pastelli e penna su carta o disegna con pastelli e penna e seppia e pennello su tela, essenzialmente non c'è differenza, quindi tali opere possono e devono essere contate come disegni. Kokot che combatte con un serpente velenoso (1963) è forse la stampa più significativa dell'artista in generale. È un'opera di perfetto ordine compositivo, piena di vegetazione tipica di Skurjenije; un gallo monumentale e molto fantasioso, tutt'altro che realistico, e un serpente sottile e tortuoso, sono evidenti simboli della lotta tra il sesso maschile e quello femminile. Anche qui l'arguzia non mancava: un piccolo e magro serpente gli avvolse il grosso gallo intorno alle gambe e così ne neutralizzò completamente la forza e la potenza. Diverse raffigurazioni di galli create a Skurjeni in quel momento possono essere interpretate come una penetrazione dell'iconografia di Hlebine o come un simbolo freudiano; se si accettano entrambe le possibilità, diventa più chiaro che in questo artista non c'è mai un uso decorativo dei segni, perché lo sfondo è quasi sempre un intero sistema di idee, il pensiero di Skurjeni. Proprio come il pittore applica la pittura a tratti brevi e piccoli, quasi a trattini, motivo per cui si parla del suo impressionismo aghiforme, puntinismo o divisionismo, così nei disegni e nella grafica usa linee sottili, corte e spezzate, spezzate e tratteggiate zone. Con questo processo di disegno, copre l'intera superficie in alcuni elementi grafici e raggiunge sia la pienezza dello spazio vuoto che la sua peculiare vibrazione, ritmizzazione (guarda come viene risolto lo sfondo dell'immagine Kokot che combatte con il serpente velenoso).

Nonostante la drastica e drammatica cessazione della collaborazione con la Gallery of Primitive Art, Matija Skurjeni è ancora molto attiva nei primi anni '60: inizia ad esporre alle mostre di Gerhard Ledido (The World of Naives) e poi come parte della Society of Naive Artists of Croazia (Cilj è il principale co-fondatore, 1964) . Queste mostre furono estremamente significative, perché nell'era della quasi totale scomparsa della Galleria d'Arte Primitiva, erano l'unico luogo in cui si incontravano autori diversi e le idee più diverse. Pertanto, sarà ancora necessario indagare le possibili influenze reciproche di Matija Skurjeny e Jože Horvat Jako, visibili soprattutto nei loro disegni e grafica (immaginazione, fantasia, bestiario, arabesco, grafica raffinata, ecc.).

Nel giugno e luglio 1964, Matija Skurjeni espone in modo indipendente nello Studio di Belle Arti del JAZU Graphics Cabinet a Zagabria; in quell'occasione espose 13 disegni del periodo 1948-1964. anni. Nella critica di Dubravko Horvatić, queste opere dell'autore sono citate tra le altre: Anche nei suoi migliori disegni, Skurjeni si presenta come un sottile paroliere e un fantasista. Qui, come in certi oli, notiamo anche un'altra delle sue possibilità: il senso del grottesco.

La metà del settimo decennio è nuovamente segnata dalla grafica su tela. Particolarmente significativi sono La città della libertà (1967) e Il sogno dell'evidenza (1967), in cui il modo di presentarsi tipico dell'autore è esposto attraverso allegorie e sogni. Tutto in questi dipinti è misterioso, insondabile e spesso poco chiaro, senza la spiegazione dell'artista, ma li apprezziamo principalmente per la loro espressività artistica. Nel libro Naivno slikarstvo u Jugoslavia (1977), Boris Kelemen descrive la Città della Libertà con le seguenti parole: È una città immaginaria... in cui le persone appaiono come monumenti in nicchie e ingressi principali... La simmetria calma gli eventi. .. Sopra l'ingresso principale, dove si incontrarono due donne, dice l'iscrizione Skurjeni. È quindi la città dell'autore. E in fondo due leoni fanno la guardia all'uscita, oltre a un uomo con il cappello (forse l'autore stesso), che sta sulle pareti con falce e martello in una mano e una stella nell'altra mano. Lontano, un albero e una panchina. L'ingresso principale domina come un tunnel. è facile parlare di una semplice descrizione, ma si parla anche dell'ambiguità di ogni elemento di questa immagine. Alla domanda una volta di dire qualcosa sul sogno dell'evidenza, Skurjeni ha dichiarato: Ho sognato un monastero con sacerdoti. Un sacerdote ha affermato che Gesù era vero. Disse: te lo dimostrerò. Se salto dalla cima del monastero e resto in vita, allora Gesù è vero. È saltato, si è rotto tutte le ossa e la sua coscia è persino saltata fuori. Come l'ho visto nel mio sogno, così l'ho dipinto. Questa tela mostra la simultaneità tipica della rappresentazione di Skurjeni: il sacerdote saltatore è in cima a uno strano edificio, allo stesso tempo vediamo una figura smembrata in basso. Ai lati, sui tipici alberi di Skurjeni, sono appese piccole figurine di sacerdoti. Di seguito un'ampia zona decorativa, fiori di chiara provenienza liberty. Senza la spiegazione dell'autore, questa storia è impossibile da sondare, ma anche senza di essa, l'immagine ha un effetto suggestivo con i suoi elementi pittorici e il suo carattere bizzarro: uno strano edificio, una bambola in cima liberata dalla forza di gravità, una bella grafica di alberi ai lati, e un'efficace superficie decorativa (fiori) nella parte inferiore.

La città della libertà è stata una delle opere sorprendenti della mostra Disegni dei membri della Società degli artisti naive della Croazia, tenuta (nell'aprile 1967) alla Galleria Vladimir Nazor di Zagabria. In quell'occasione Matija Skurjeni espose altre nove opere, di cui purtroppo non sappiamo nulla (tranne il titolo). Dei sedici espositori, è rappresentato con il maggior numero di mostre e la critica ha principalmente apprezzato e messo in risalto le opere sue e di Lackovic. Elena Cvetkova scrive, tra l'altro: Le opere di Matija Skurjeni danno un tono più alto all'intera performance. Questo sognatore di Zaprešić ha portato in alcuni suoi disegni un po' di quell'atmosfera insolita che tante volte ci confondeva e ci sorprendeva... E qui, nel disegno, ha realizzato paesaggi, aree e situazioni inedite. Nel disegno in cui ha raffigurato alcuni strani tre tunnel con una prospettiva che conduce bruscamente lo sguardo in parti oscure (incertezze, cosa?), ci dà un forte senso di qualche presagio, sgradevole, oscuro. Nella raffigurazione di Mladenka Kadić-Solman, anche le opere di Skurjeni sono apostrofate: un posto speciale è occupato dalle opere di Matija Skurjeni, enfatizzate dalla fantasia e da aree insolite, dove il visto e il desiderato coesistono nello stesso oggetto. Non solo per il modo di disegnare, la qualità dei suoi appunti, ma anche per l'impressione generale, il suo lavoro si distingue nel quadro del fenomeno della nostra arte naïf. Mitologia e realtà si compenetrano nell'unità dello straordinario e rappresentano sicuramente un artista le cui opere meno obbediscono alle leggi della realtà oggettiva... La predominanza del fattore soggettivo è particolarmente enfatizzata nella sua opera.

Nel febbraio 1968 viene inaugurata la mostra personale di Skurjeni alla Galerie fur Naive Kunst, da Bruno Bischofberger a Zurigo. In quell'occasione l'autore espose dieci disegni, due serigrafie e tre stampe. Nello stesso anno ha partecipato alla mostra di Zagabria dei disegni jugoslavi tenutasi nel Gabinetto della Grafica JAZU, con Gorgone Castle (1968) e Andela disto6e (1968), per la quale ha ricevuto un riconoscimento speciale dalla giuria. Questo è anche il momento del mio primo incontro con questo singolare artista. La collaborazione, iniziata con le mostre, si è presto fatta conoscere con la cartella grafica Grandi Maestri dell'Arte Naïf Croata (1970); anche allora sono stato contagiato dalla bellezza e dalla suggestione dei disegni di Skurjeni, e da allora, per ben quindici anni, ho continuato ad amare e ad ammirare non solo questo dipinto ma anche la capacità di disegno dell'artista. Quando stavo cercando due opere tipiche per la cartella di cui sopra, ho deciso per la Città della Libertà (1967), un tipico castello di Skurjeni, e il Drago goloso (1969), ancora un'opera tipica, una rappresentazione della lotta tra l'uomo e nemani, con un viticcio floreale e geometrizzato (che continua soluzioni simili precedenti). Bestie e mostruosi nemani, così come la lotta dell'uomo con queste creature, sono essenzialmente i confronti dell'artista con problemi concreti e avversari concreti; molto spesso Skurjeni regola i conti con le persone in questo modo. Ci sono documenti a riguardo, disegni in cui è indicato chiaramente chi è chi e perché tutto accade così. La sua eccezionale sensibilità ricorse quindi alla metafora artistica come mezzo di catarsi.

A cavallo tra il settimo e l'ottavo decennio furono realizzati due disegni di Skurjeni particolarmente preziosi: La torre di Babilonia / Il costruttore stanco (1969) e Haustor (1970). Nella prima si può vedere la già citata esperienza della pittura metafisica, visibile soprattutto nella figura piatta e senza testa. Non è chiaro se si tratti di una figura che costruisce o distrugge, se tutte quelle piccole figurine nella torre e sulla torre siano avversari e nemici di Skurjeni che si rannicchiano davanti al potere delle sue dimensioni e abilità, ma che questo disegno sia di straordinaria maestria, grande composizione, bella grafica, e il contenuto misterioso, insondabile, allo stesso tempo di grande lirismo, è un fatto indubbio. Haustor ha una carica diversa: è una soluzione kafkiana di architetture bizzarre, porte, finestre e balconi misteriosi; la tragedia, però, è neutralizzata dalla commedia, piccole figure che escono ed entrano in questo castello di paure e oscuri presentimenti.

Haustor è uno dei tredici disegni che furono riprodotti in serigrafia e pubblicati in una cartella dal titolo Skurjeni, edita da Bože Biškupić e con una prefazione di Vladimir Maleković (1972). In queste serigrafie riveliamo la piena maturità delle forme di disegno di Skurjeni; menzionando tutto questo, penso prima alle differenze tra i fogli di questa carta e i fogli di Eulalia. In Eulalia la parola è costantemente presente, a volte è anche più significativa del disegno, la descrittività è molto più intensa, spesso gli elementi floreali fioriscono a scapito di tutte le altre componenti del disegno; nei fogli del 1972 gli elementi floreali sono quasi completamente scomparsi e compaiono solo nel viticcio marginale; per esprimersi artisticamente l'autore non usa più le parole, gli basta un disegno e il nome dell'opera. Naturalmente, queste sono solo alcune delle caratteristiche che parlano dello sviluppo dei mezzi espressivi di Skurjeni. Non basta solo vivere e sentire queste opere, bisogna anche saperle leggere e comprendere.

La cartella di Skurjeni non è concettualmente unica (come Eulalia): si tratta innanzitutto di cinque scene del mondo animale, tra cui Vita in Africa, Salvare i bambini è un serpente e Presentazione del mondo animale nell'uomo (tutte del 1972) spicca. Di seguito alcuni fogli di significato autobiografico con, probabilmente, il disegno più bello e migliore della cartella: Schizzo per un quadro, sta sognando che un serpente mi attacca (1972). Questo disegno è di straordinario valore artistico, con un albero cavo posto al centro, una tipica invenzione Skurjenije di una collina, e un grande nemana, un serpente che attacca una piccola statuetta (dell'autore). La tragedia si realizza giustapponendo la dimensione riprovevole della figura e la meschinità della figura, senza alcuna prospettiva di salvezza. L'opera spicca nell'opera di Skurjeni anche perché è quasi l'unico disegno a colori dell'autore. Questa innovazione tecnica non sarebbe certamente sufficiente da sola per un alto valore: è ottenuta da grande immaginazione, forme bizzarre e un'atmosfera ansiosa. In contrasto con l'ansia, la commedia e l'umorismo appaiono su alcune pagine di questa cartella. So Glazbenik (1972) è una parodia della vita contemporanea e della musica pop assordante; la commedia è rafforzata dal sottotitolo, in cui l'autore chiama una creatura simile a una mucca che suona diversi strumenti musicali il Cagnolino. Spicca anche il disegno Gli zingari concordano su un puledro nel loro villaggio (1972), sintesi di molte esperienze di disegno di Skurjeni, con simultaneità di raffigurazioni e una serie di simboli. Qui puoi vedere molte espressioni episodiche, come una madre con un bambino nell'angolo in basso a destra, poi una piccola tartaruga, una figura maschile che si avvicina di soppiatto, ecc. Ogni elemento di questo disegno è un simbolo con più significati, come un albero che appare in diversi luoghi isolati e rappresenta tanto un albero particolare quanto una foresta. Lo stesso vale per la casa: è allo stesso tempo un'unità architettonica ben definita (il luogo di nascita dell'autore) ma anche un villaggio come concetto (il luogo di nascita dell'autore). Sarà necessario scoprire finalmente perché Matija Skurjeni dipinge così spesso Zingari; in ogni caso, non sono per lui solo persone decorativamente interessanti, la causa è molto più profonda: l'autore vuole così mostrare persone libere da costrizioni che, secondo lui, vivono in armonia con i loro bisogni naturali, senza un tragico legame con il sociale convenzioni, regole, leggi. Queste sono le persone che simboleggiano la libertà. Insieme al problema della paura, la libertà è un altro elemento fondamentale inerente alla poetica di Skurjeni.

Nella prefazione alla cartella Skurjeni, Vladimir Maleković sottolinea, tra l'altro, che ci sono disegni sul tema della Genesi e che questo ciclo cambia il modo in cui l'arte contemporanea porta intuizioni difficili da comunicare. Poi conclude: La versificazione dell'immaginazione è affinata in questi disegni nella misura in cui la surrealtà appare nell'espressione in rilievo, quindi ci chiediamo davanti a questa cartella: Skurjeni sta cercando di abolire la realtà del mondo con un dipinto, come Mallarmé con una poesia? Ciascuno dei suoi motivi è estremamente vago ed enigmatico; le cose disegnate sono riconoscibili, ma la loro realtà è stata bandita da esse. Tutto può entrare nell'immagine e diventare un'immagine secondo il sistema di connessioni e relazioni miracolose noto solo all'artista.

Nello stesso anno è stata presentata la pubblicazione di Biškupić Disegno nell'arte originale croata (1972), in cui Matija Skurjeni ha cinque opere (tra cui Haustor, 1970, e Spas djece je zmija, 1972). Su trentadue autori, Vladimir Maleković ne menziona sedici nella prefazione e ne discute specificamente solo sei, incluso Skurjenij. non dice quasi da nessuna parte che Skurjeni è uno dei fumettisti più distintivi e originali della nostra arte naif, con questa distinzione lo indica più che ovviamente. Nello stesso anno, Skurjeni espone all'Esposizione Internazionale di Disegni Originali a Rijeka, alla mostra di disegni, grafica e sculture a Wuppertal (Naive Kunst aus Jugoslavien), oltre a partecipare alla mostra Disegni e grafica di artisti naive della Jugoslavia, alla Galleria di Belle Arti di Osijek.

La maggior parte dei disegni e delle stampe citati finora sono stati esposti alla prima retrospettiva di Matija Skurjeni nella Galleria d'arte originale di Zlatar (1973), e molte di queste opere di grande valore sono anche nel libro di Maleković Croatian Original Art (1973). Nella ventina di disegni, stampe e serigrafie esposte all'esposizione dell'oreficeria, è stato possibile vedere per la prima volta come l'organizzazione delle opere di Skurjeni del primo periodo (il primo disegno esposto era del 1948) fosse completamente diversa da quella di le opere realizzate alla fine degli anni cinquanta; ciò conferma chiaramente la tesi presentata in precedenza sul cambiamento, la maturazione e poi la svolta radicale dei mezzi espressivi di Skurjeni e della sua poetica.

Nel 1974 Josip Skunca organizza una mostra dei fogli dell'artista dalla cartella Skurjeni alla Galleria Dubrava di Zagabria; per quanto è noto, le critiche attuali non hanno affatto reagito a questa recensione. Nello stesso anno, Skurjeni è stato uno dei partecipanti invitati al IV. mostra internazionale di disegni originali a Fiume, dove espone Musicisti e Amanti (dal 1974). Dal punto di vista grafico, Muzikanti è uno dei fogli più puliti di Skurjeni, dal design estremamente semplice (senza un singolo otturatore). Non solo il tema della riproduzione del quadro, ma la musica nasce anche dal modo di disegnare se stessa: linee semplici e quasi continue, e dall'arabesco. Qui le figure umane sono messe a nudo dai concetti di uomo e donna, in un richiamo d'amore elementalmente lirico. Zrinka Novak una volta indicò alcune connessioni tra le forme di Skurjeni e le odalische di Matisse, e in quel momento doveva aver pensato esattamente a questo tipo di opere. Questo disegno è preceduto da un precedente disegno di amanti (realizzato intorno al 1970), in cui un uomo e una donna sono nel cavo di un albero che si ramifica verso l'alto in fiori; c'è un uccello su ogni lato dell'albero, apparentemente simboli dello spirito (e del corpo) (ancora non unito). Qui il pittore ha cercato di interpretare artisticamente il concetto di amore, utilizzando simboli e allegorie.

Nel 1975, l'artista si ammalò gravemente e da allora non ha più creato. Tuttavia, i suoi disegni sono ancora presenti, sia in mostre che in cataloghi e libri. Così, ad esempio, in una grande retrospettiva alla Galleria d'arte primitiva di Zagabria (1977), sono stati esposti numerosi disegni, stampe e serigrafie; in catalogo, invece, non si dice nulla di queste opere, e su un totale di 36 di queste opere ne è stata riprodotta solo una (Sanja dokaza, 1967). Strani criteri determinarono anche la rappresentazione di Skurjeni nel suddetto libro Naivno slikarstvo u Jugoslavia (1977). Sebbene molti dei migliori disegni dell'artista siano qui riprodotti, non sono presentati in modo corretto, poiché non una sola parola indica la specificità della tecnica di disegno di Skurjeni. Anche nella monografia del pittore (del 1982) disegni, stampe e serigrafie non sono affatto citati come entità separate e separate; delle circa venti opere riprodotte, molte sono senza dubbio antologiche (The Enchanted City, 1962; Kokot koji koje sa otrovnica, 1963; Sanja dokaza, 1967; Babilonski toranj / Tired builder, 1969).

Questa breve presentazione delle realizzazioni del disegno di Skurjeni, con un'indicazione delle opere più significative e di valore, la cronologia di come sono state esposte e come sono state accettate e interpretate dalla critica, avrebbe potuto essere elaborata in modo diverso. Sarebbe possibile, e sicuramente interessante, sistematizzare e analizzare l'intero materiale in blocchi tematici. In questo modo, tutto ciò su cui insiste l'autore verrebbe alla ribalta con maggiore forza. Sembrerebbe che si tratti principalmente di rappresentazioni di mostri, neman, esseri simili a scimmie, draghi e serpenti. Edifici, forme architettoniche bizzarre, alcune strane torri, centri storici e mura spiccano come il secondo grande nucleo. È anche da notare che treni e viadotti, così come motivi della vita gitana (altrimenti così comuni a Skurjeni) sono molto meno comuni qui. Tuttavia, poiché qui si vuole richiamare l'attenzione esclusivamente sui disegni antologici più significativi, per evidenziare gli indubbi punti salienti di questo segmento separato della pittura di Skurjeni, tutti gli altri aspetti sono solo citati di sfuggita (o addirittura completamente trascurati); in questo momento, la cosa più importante è determinare la rilevanza estetico-spirituale di questi disegni e grafiche.

Vladimir Crnkovic

Matija Skurjeni è nata il 14 dicembre 1898 a Veternica, vicino a Golubovac, nel comune di Zlatar. Dal 1911 studia a Metlika il mestiere di autodipingere. Durante la prima guerra mondiale fu sul fronte russo e italiano. Fu ferito nella battaglia di Castel Tessino. Dopo aver lasciato l'ospedale, si trasferisce ai quadri verdi. Dopo la fine della guerra fu minatore e dal 1923 autoritrattista. Nel 1928 ottenne un lavoro presso l'officina delle Ferrovie dello Stato a Zagabria. Nel 1953 si stabilì a Zaprešić. Si ritirò nel 1956. Si ammalò gravemente di apoplessia nel 1975. Nel 1945 divenne membro della sezione artistica del KUD Vinko Jeđut a Zagabria. Si dedicò interamente alla pittura dopo il ritiro. Dal 1957 ha collaborato con la Galleria d'Arte Primitiva di Zagabria, nel 1960 ha stabilito contatti con i surrealisti parigini attraverso Radovan Lvšić. Nel 1964 ha co-fondato la Società degli artisti naive della Croazia. Pubblicato come gruppo dal 1948, indipendente dal 1958.

Mostre personali: Galleria d'arte primitiva, Zagabria, 1958; Dom kulture zapadni Vračar, Belgrado, 1959; Salone della Tribuna della Gioventù, Novi Sad, 1959; Galleria La Nuova Pesa, Roma, 1960 (con Ivan Generalić e Mirko Virius); Galleria d'arte, Spalato, 1961; Galleria d'arte primitiva, Zagabria, 1962; Galleria Monna Lisa, Parigi, 1962; Galerie Zwirner, Colonia, 1963; Studio d'arte dell'Ufficio grafico JAZU, Zagabria, 1964; Galerie Zwirner, Colonia. 1965 (con Ivan Lackovic); Museo Samobor, Samobor, 1967; Galerie fur Naive Kunst, Zurigo, 1968; Scuola elementare, Zaprešić, 1970; Scuola elementare, Zaprešić. 1971; Scuola elementare, Zaprešić, 1972; Galleria d'Arte Originale, Zlatar, 1973; Museo, Brdovec, 1973; Bank fur Gemeinwirtschaft, Francoforte, 1973; Sede della JNA, Zagabria, 1974; Galleria Dubrava, Zagabria, 1974; Galleria d'arte primitiva, Zagabria, 1977; Pinacoteca, Milano, 1978.

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